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Heinemann, Fritz: Fritz Heinemann (1864-1932), Junger Römer, 1892

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ARCADIA ART Fritz Heinemann (1864 Altena - 1932 Berlin), Junger Römer, 1892. Bräunlich patinierte Bronze auf gegossener runder Plinthe, montiert auf rotem Marmorsockel (8,5 cm Höhe), Gesamthöhe 36 cm, Maße der Bronze 27,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 8 cm (Breite), Gewicht 3,3 kg. Auf der Plinthe mit "Fritz Heinemann" signiert, mit "Roma." ortsbezeichnet und mit der Gießereimarke "Akt. Ges. vorm. H. Gladenbeck & Sohn" versehen. - Bronze in tadellosem Zustand, Plinthe des Marmorsockels an (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Fritz Heinemann (1864 Altena - 1932 Berlin), Junger Römer, 1892. Bräunlich patinierte Bronze auf gegossener runder Plinthe, montiert auf rotem Marmorsockel (8,5 cm Höhe), Gesamthöhe 36 cm, Maße der Bronze 27,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 8 cm (Breite), Gewicht 3,3 kg. Auf der Plinthe mit "Fritz Heinemann" signiert, mit "Roma." ortsbezeichnet und mit der Gießereimarke "Akt. Ges. vorm. H. Gladenbeck & Sohn" versehen. - Bronze in tadellosem Zustand, Plinthe des Marmorsockels an zwei Ecken bestoßen und mit vereinzelten Kratzspuren. - Jugendliche Sprezzatura - Bis ins späte 19. Jahrhundert war Rom das Mekka der deutschen Künstler, das allerdings zusehends von Paris abgelöst werden sollte. Insbesondere mit den Nazarenern, zu denen Peter von Cornelius, Friedrich Wilhelm Schadow, Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld und Joseph Anton Koch gehörten, wurde ab den 1820er Jahre die Pilgereise nach Rom für angehende deutsche Künstler geradewegs verpflichtend. Bald war gar von ,Deutschrömern' die Rede, die auch institutionell in Rom ansässig wurden. 1845 wurde der bis 1915 bestehende Deutsche Künstlerverein gegründet und 1913 die noch heute dort ansässige Deutsche Akademie in der Villa Massimo eröffnet. Nachdem sich Fritz Heinemann 1891 in Paris aufgehalten hatte, zog es im Folgejahr auch ihn nach Rom. Dort entwarf er die vor Augen stehende Statuette eines jungen Römers, die er stolz mit "Roma" ortbezeichnet. Ebenfalls ins 19. Jahrhundert fällt die zunehmende künstlerische Entdeckung des ,Volkes'. Statt eines Davids, in dessen künstlerischer Tradition der Dargestellte steht, sehen wir einen jungen Mann, wie ihn der Künstler auf der Straße hätte treffen können. Dieser vollführt auch keine heroische Handlung oder verweist zumindest auf eine Heldentat, wie dies bei David der Fall ist. Dennoch wirkt er willensstark und entschlossen, obwohl er die Jacke leger über die Schulter gehängt hat und in einem beinahe lässigen Kontrapost dasteht. Dafür sind seine Arme überkreuzt und der zur Seite gerichtete Blick geradewegs entschlossen. Trotz seiner insgesamt gelassenen Haltung ist das jugendliche Feuer zu verspüren, wobei er selbst noch nicht abzusehen vermag, wohin es ihn im Leben treiben wird. Ist das Gesicht idealisiert ausgeformt, um den italienischen jungen Mann schlechthin zur Darstellung zu bringen, so ist die vielschichtige Kleidung umso realistischer veranschaulicht. Jedes Detail ist auf meisterhafte Weise minutiös herausgearbeitet. Die übergeworfene Jacke ist ein wahres Virtuosenstück. Gerade die Könnerschaft bringt den wie hingeworfenen wirkenden natürlichen Eindruck hervor. Dafür hat die italienische Kunsttheorie den Begriff 'Sprezzatura' geprägt, die Heinemann hier ganz offensichtlich unter Beweis stellen wollte und die den Künstler so wie den dargestellten jungen Mann erscheinen lässt. zum Künstler Nach dem Besuch der Nürnberger Kunstgewerbeschule (1883-85) nahm Fritz Heinemann das Studium an der Berliner Kunstakademie auf, wo er bis 1889 von Albert Wolff, Fritz Schaper und Gerhard Janensch unterrichtet wurde. Der Ankauf seines auf der Berliner Internationalen Kunstausstellung von 1892 gezeigten Werks "Mutter und Kind" durch Prinz Albrecht von Preußen für Schloss Camenz war der Auftakt für künftige Staatsaufträge und ließ Heinemann auch in bürgerlichen Kreisen zum gefragten Künstler werden. Er unternahm Studienreisen nach Paris (1891) und Rom (1892). Für seine Gruppe "Heimkehr vom Felde" erhielt Heinemann 1897 in Berlin die goldene Medaille. 1899 wurde er zum Prof. für Bildhauerei an die Unterrichtsanstalt des Königlichen Kunstgewebemuseums berufen, wo bis 1905 lehrte. 1906 unternahm er eine weitere Studienreise nach Paris. Zurück in Berlin folgten produktive Jahre, in denen er seine Werke auf den Großen Berliner Kunstausstellungen, im Münchner Glaspalast und auf den Großen Kunstausstellungen in Düsseldorf und Dresden präsentierte. Auch Kaiser Wilhelm II. gehörte zu seinen Kunden. (weniger anzeigen)

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Lambeaux, Jef: Jef Lambeaux (1852-1908), Weinender Knabe mit lachender Maske, um 1890

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ARCADIA ART Jef (Joseph Marie Thomas) Lambeaux (1852 Antwerpen - 1908 Brüssel), Weinender Knabe mit lachender Maske, um 1890. Alabaster auf rundem Sockel (8 cm Höhe), Gesamthöhe 37 cm, Breite 22 cm, Tiefe 18 cm, Gewicht 9 kg. Rückseitig mit Ritzsignatur "JeF.LAMBEAUX". - Vereinzelt leicht bestoßen, die Kordel der Mütze an einer Stelle mit kleinem Verlust, ansonsten in sehr gut erhaltenem Zustand. - Die Tragikomödie - Im Barockzeitalter hatten Künstler wie Peter Paul Rubens und (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Jef (Joseph Marie Thomas) Lambeaux (1852 Antwerpen - 1908 Brüssel), Weinender Knabe mit lachender Maske, um 1890. Alabaster auf rundem Sockel (8 cm Höhe), Gesamthöhe 37 cm, Breite 22 cm, Tiefe 18 cm, Gewicht 9 kg. Rückseitig mit Ritzsignatur "JeF.LAMBEAUX". - Vereinzelt leicht bestoßen, die Kordel der Mütze an einer Stelle mit kleinem Verlust, ansonsten in sehr gut erhaltenem Zustand. - Die Tragikomödie - Im Barockzeitalter hatten Künstler wie Peter Paul Rubens und Gian Lorenzo Bernini künstlerisch die menschlichen Leidenschaften erschlossen und ihrem inneren Zusammenhang nach erforscht. Zu den dargestellten Affekten gehörte auch der durchaus in schallendes Gelächter ausbrechende Humor. Jef Lambeaux greift in seinem Oeuvre diese barocken Bildkräfte auf und transponiert sie in seine Zeit. Das Weinen des Knaben ist bis zum Schreien gesteigert. Tränen kullern aus den Augen und laufen die Wangen hinunter, der Mund ist geöffnet und das gesamte Antlitz - insbesondere die Stirnpartie - im Affekt verzogen. Wie Gotthold Ephraim Lessing in seiner Schrift "Laokoon oder über die Grenzen der Mahlerey und Poesie" (1766) hervorhebt, ist es geradewegs unmöglich, einen Affekt zum Hauptdarstellungsgegenstand zu machen, da der emotionale Ausnahmenzustand in der Realität verklingt, während er im Bildwerk dauerhaft präsent bleibt, was für den Betrachter höchst unangenehm wirkt. Und dennoch gelingt Lambeaux diese Gradwanderung. Auf meisterhafte Weise modelliert er aus der kindlichen Physiognomie den Ausdruck des Schmerzes heraus und verleiht dem Jungen dabei gleichzeitig etwas Puttohaftes, wodurch er ihn der Realität enthebt. Mit dem Barock werden die Affekte und die Sinne durch Putten veranschaulicht. Hierauf greift Lambeaux zurück, was dem Knaben eine allegorische Dimension verleiht. Die Büste veranschaulicht aber nicht allein die zum Schmerz gesteigerte Trauer; unter dem kindlichen Putto ist eine lachende Maske mit übergroßer Nase zu sehen. Sie scheint aus vollem Halse zu lachen und stellt das physiognomische Gegenstück zum Antlitz des Knaben dar. Als Maske verweist sie auf das Theater und die Komödie und damit zugleich auf das Leben als solches, hatte doch der Meister des Realismus, Honoré de Balzac, sein auf 137 Bände angelegtes Monumentalwerk "Die menschliche Komödie" genannt. Zusammengenommen stehen die lachende Maske und der weinende Knabe für die Tragikomödie der Menschheit ein, wobei die Maske geradewegs hämisch über den realen Schmerz des Jungen zu lachen scheint, als ob sie wüsste, dass Weinen nichts an der Tragik ändert. zum Künstler Jef Lambeaux trat bereits als Zehnjähriger in der Antwerpener Kunstakademie ein. Zunächst studierte er bei Nicaise de Keyser und ab 1871 bei Joseph Geefs. Mit gerade einmal vierzehn Jahren erhielt er zwei Akademiepreise und ab 1871 begann er in den belgischen Salons auszustellen, zunächst in Antwerpen, später auch in Gent und Brüssel. Von 1879 bis 1881 lebte Lambeaux in Paris, wo er sich mit den Malern Jan van Beers und Gustave Vanaise ein Atelier teilte. Zurück in Brüssel arbeitet er zum Broterwerb für das Castan'sche Wachsfiguren-Kabinett. Er erhielt jedoch den Auftrag, für das Innere des Antwerpener Rathauses zwei Karyatiden anzufertigen, so dass er sich wieder ganz der Kunst widmen konnte. In dieser Zeit schuf er mit "Der Kuß" sein erstes allgemein beachtetes Werk. Ein Stipendium ermöglichte es ihm, sich 1882/83 in Italien aufzuhalten, wo ihn das Oeuvre Giambolognas, insbesondere der "Raub der Sabinerinnen" (1583), beeindruckte. Wieder in Brüssel nahm er - wie bereits in seiner Pariser Zeit - Kontakte zur Avantgarde auf und wurde Gründungsmitglied der progressiven Künstlergruppe "Les XX", zu denen auch Fernand Khnopff, Théo van Rysselberghe und James Ensor gehörten. Nach einem Jahr verließ er die Vereinigung jedoch wieder, da Lambeaux vor allem an einer Revitalisierung barocker Bildkräfte gelegen war, während sich die aufkommende Moderne auf [...] (weniger anzeigen)

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Dewerny, Christine: Weiblicher Torso, um 1986

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ARCADIA ART Christine Dewerny (geb. 1947 Leipzig), Weiblicher Torso, um 1986. Dunkel gefasster Ton an heller Steinstele montiert, 19 x 10 x 7 cm (Darstellung), 27 x 10 x 10 cm (Stele), auf dem rechten Oberschenkel mit "CHD" monogrammiert und der Unterseite des Sockels handschriftlich als "weibl. Torso" bezeichnet und mit "Dewerny" signiert. - Stele mit bestoßener Ecke und geklebtem Riss. - Ursprüngliche Weiblichkeit - Der etwa 1986 entstandene ,Weibliche Torso' kann als Initialwerk von (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Christine Dewerny (geb. 1947 Leipzig), Weiblicher Torso, um 1986. Dunkel gefasster Ton an heller Steinstele montiert, 19 x 10 x 7 cm (Darstellung), 27 x 10 x 10 cm (Stele), auf dem rechten Oberschenkel mit "CHD" monogrammiert und der Unterseite des Sockels handschriftlich als "weibl. Torso" bezeichnet und mit "Dewerny" signiert. - Stele mit bestoßener Ecke und geklebtem Riss. - Ursprüngliche Weiblichkeit - Der etwa 1986 entstandene ,Weibliche Torso' kann als Initialwerk von Christine Dewernys eigentlichem künstlerischen Schaffen gesehen werden, da sie in diesem Jahr ihr Engagement als Theaterplastikerin aufgekündigt hatte, um sich fortan ganz der Bildhauerei zu widmen. Damit kommt dem Werk ein programmatischer Charakter zu, der sich auch darin zeigt, dass der Torso 1987 in Bronze gegossen wurde. Die bronzeartige Patinierung der Terrakottaplastik legt nahe, dass der Torso bereits von Anbeginn für eine Umsetzung in Bronze konzipiert wurde, obwohl er zugleich ein für sich stehenden unikales Kunstwerk darstellt. Die Befestigung an einer farblich mit der dunkel patinierten Figur konstatierenden hellen Steinstele hebt den Torso als überkommendes Fragment vor, das sich - in einen Schwebezustand versetzt - zugleich als vollständiges Kunstwerk präsentiert. Durch den fragmentarischen Aspekt weist die Plastik etwas Archaisches auf. Vor dem Hintergrund einer symmetrisch stilisieren Ursprünglichkeit wirkt der Torso jedoch äußerst lebendig, was durch die deutlichen asymmetrischen Momente bewirkt wird: Die Schultern, die Brüste und die Beine brechen die von der Frontalansicht vorgegebene Gleichförmigkeit auf und versetzen den Torso ,in Bewegung', was den Eindruck hervorruft, er würde sich beim Umgehen seinerseits bewegen. Die Lebendigkeitswirkung wird von den beabsichtigten Brandrissen gesteigert. Sie verleihen dem Torso ein visuelles Vibrato. Zugleich wirken sie wie Altersspuren, was dem Fragmentarischen entspricht und den archaischen Charakter der Figur unterstreicht. Diese Ursprünglichkeit erhebt den Torso zu etwas Urbildlichem, das - pars pro toto - für die Weiblichkeit als solche einsteht. Daher hat Dewery drei Jahre nach dem weiblichen, 1990, einen ,Männlichen Torso' als Gegenstück geschaffen. Als Sinnbild des weiblichen Körpers betrachtet, wirken die Brandrisse wie Narben, die dem Körper ein seit der Vertreibung aus dem Paradies währendes Leiden einschreiben. Die Spuren sind aber zugleich auch Spruen der Modellierung, die die Formkraft weiterhin in der Form präsent halten, was abermals die Lebendigkeitswirkung steigert, obwohl es sich doch einzig um einen Torso handelt. Aus diesem Paradox zwischen fragmentarischem Relikt und lebendiger Schöpfung speist sich die intensive Aura des Bildwerks. (weniger anzeigen)

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Warnie, Stanislas: Stanislas Warnie (1879-1958), Summer Forest Landscape, 1915

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ARCADIA ART Stanislas Warnie (1879-1958), Summer Forest Landscape, 1915. Watercolor, 31.5 cm x 45 cm (passepartout), 50.5 cm x 63.5 cm (frame), signed "S. Warnie" at lower left and dated "1915". Attractively framed behind glass. - The Forest Walk - The Belgian artist Stanislas Warnie excelled especially as a watercolorist, which is impressively demonstrated by this painting of a summer forest landscape. On an imaginary walk, we pause at a stream surrounded by beech trees and listen to the (mehr anzeigen)

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Kochendörfer, Fritz: Fritz Kochendörfer (1871-1942), Büste einer jungen Frau mit Kopftuch, um 1910

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ARCADIA ART Fritz Kochendörfer (1871 Mannheim - 1942 Osterode am Harz), Büste einer jungen Frau mit Kopftuch, um 1910. Zweifarbiger Alabaster auf geschweifter schwarzer Marmorplinthe, 24 cm (Höhe) x 22 cm (Breite) x 14 cm (Tiefe), 4,9 kg, rückseitig mit "Kochendörfer fec[it]." signiert und der Nummer 6 7 90 / II. / 376 versehen, Unterboden mit eingelassener Metallplakette "Kochendörfer. Original Hofkunstanstalt. Medaille für Kunst München 1891." - Nasenspitze bestoßen und sehr (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Fritz Kochendörfer (1871 Mannheim - 1942 Osterode am Harz), Büste einer jungen Frau mit Kopftuch, um 1910. Zweifarbiger Alabaster auf geschweifter schwarzer Marmorplinthe, 24 cm (Höhe) x 22 cm (Breite) x 14 cm (Tiefe), 4,9 kg, rückseitig mit "Kochendörfer fec[it]." signiert und der Nummer 6 7 90 / II. / 376 versehen, Unterboden mit eingelassener Metallplakette "Kochendörfer. Original Hofkunstanstalt. Medaille für Kunst München 1891." - Nasenspitze bestoßen und sehr vereinzelte bestoßene Stellen, zwei kleine Flecke auf dem Kopftuch, sonst in gutem Zustand. - Abschied von der Kindheit - Kochendörfer, der sich als Bildhauer in Florenz aufgehalten hatte, schafft hier ein an den Marmorporträtbüsten der Florentiner Frührenaissance orientiertes Werk. Anstatt eines selbstbewussten Blicks in die mit der Renaissance erschlossene Welt hinaus, wie es bei dem um 1460 von Desiderio da Settignano geschaffenen Bildnis der jungen Marietta Strozzi vor Augen steht, verleiht Kochendörfer dem Mädchen einen in sich gekehrten Zug, der die Melancholie des Fin de Siècles verbreitet. Der Kopf ist schräg nach unten gewendet und der Blick nach innen gerichtet. Das Sinnieren ist aber keine drückende Schwermut, sondern verströmt zugleich die Unbeschwertheit kindlicher Unschuld. Das Mädchen ist aber nicht mehr Kind, sie wird zur jungen Frau, so dass das Sinnieren dem wehmütigen Abschied von der eigenen Kindheit gilt. Der Wandel vom Mädchen zur jungen Frau, die ihr Haar mit einem Kopftuch verhüllt, verleiht der Büste eine erotische Komponente, die durch die sinnliche Erscheinung ihrer Körperlichkeit gesteigert wird. Das anders gefärbte Gewand ist tonal dunkler und von einer Maserung durchzogen, wodurch ihre Haut umso zarter und reiner erscheint. Das Antlitz mit dem graden Nasenrücken, den großen Augen und dem fein geschwungen Mund verleiht der jungen Frau die Aura einer unantastbaren Idealität. Und dennoch wirkt das Gesichts nicht erstarrt, sondern äußerst lebendig, was nicht zuletzt durch die Beimengung von Gelbtönen bewirkt worden ist. Der Betrachter wird von der Schönheit der jungen Frau angezogen und zugleich dazu animiert, mit in ihr Sinnieren einzustimmen. Dadurch entsteht eine Verbundenheit, auch wenn die Dargestellte ganz in sich selbst versunken ist. zum Künstler Fritz Kochendörfer war der Sohn eines Sonneberger Puppenfabrikanten. Damit war ihm die Affinität zur gestalteten Figur in wortwörtlichem Sinne in die Wiege gelegt. Dementsprechend studierte er Bildhauerei an der Münchener Kunstakademie, konnte das Studium aus Geldmangel jedoch nicht zu Ende führen. Nach einem Aufenthalt in Rom und Florenz, wo er sich der Bildhauerei in Marmor widmete, wurde er ab 1896 für die Kunstanstalt Schumacher & Co. in Osterode am Harz tätig. In der 1887 von Gottfried Schumacher gegründeten Firma wurden auf experimentelle Weise neue Werkstoffe entwickelt, mit denen Marmor imitiert werden konnte. Das zunächst erfundene, auf Gips basierende ,Chromoplasta' hatte nicht die gewünschten Materialeigenschaften, bildete aber die Grundlage, um daraus das ,Marmalith' zu entwickelt, mit dem marmorähnliche Werke gegossen werden konnten. Der ebenfalls gipsbasierte Werkstoff war jedoch wasserempfindlich, weshalb Schumacher ein Gussverfahren aus gemahlenem weißen Marmor entwickelte, um dem Kundenwunsch nach abwaschbaren Oberflächen gerecht zu werden. Mit der weiter zunehmenden Prosperität der bürgerlichen Schicht entwickelte sich ab 1900 zudem eine Nachfrage nach Skulpturen aus echtem Marmor, so dass eine Bildhauermanufaktur eingerichtet wurde. In der Firma Schumacher eignete sich Fritz Kochendörfer die Techniken des Steingusses an, um sich ab 1899, ebenfalls in Osterode, mit eigenen Werkstätten selbstständig zu machen. Er setzte die Experimente zur Verbesserung der Gussverfahren fort und entwickelte eine Technik der Chromierung, die es erlaubte, dem Kunstmarmor verschiedenartige Farbtonalitäten [...] (weniger anzeigen)

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Jungblut, Johann: Johann Jungblut (1860-1912), Winterlandschaft mit zugefrorenem Fluss, um 1900

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ARCADIA ART Johann Jungblut (1860 Saarburg - 1912 in Düsseldorf), Winterlandschaft mit zugefrorenem Fluss, um 1900. Öl auf Holz, 35 x 26 cm (Bildtafel), 48 x 40 cm (Rahmen), unten links mit "J. Jungblut." signiert. - Himmel mit vereinzelten Retuschen, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand und ansprechend gerahmt. - Die Heimat der Melancholie - Das Bild versetzt uns in eine graue Winterlandschaft, die jedoch keineswegs eintönig wirkt. Johann Jungblut gelingt es, gerade innerhalb der (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Johann Jungblut (1860 Saarburg - 1912 in Düsseldorf), Winterlandschaft mit zugefrorenem Fluss, um 1900. Öl auf Holz, 35 x 26 cm (Bildtafel), 48 x 40 cm (Rahmen), unten links mit "J. Jungblut." signiert. - Himmel mit vereinzelten Retuschen, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand und ansprechend gerahmt. - Die Heimat der Melancholie - Das Bild versetzt uns in eine graue Winterlandschaft, die jedoch keineswegs eintönig wirkt. Johann Jungblut gelingt es, gerade innerhalb der Grautonalität feinste sich atmosphärisch auswirkende Differenzierungen vorzunehmen, die eine intensive Bildstimmung erzeugen. So führt der gefrorene Fluss den Blick in die Bildtiefe hinein, wo sich die Welt allmählich im Diffusen auflöst. Die entlaubten Äste verlieren zusehends an Konturenschärfe und doch bleibt die Horizontlinie deutlich definiert und wir meinen, auch im Grenzbereich des Sichtbaren weiterhin die Landschaft erkennen zu können. Diffundiert die Landschaft in die Tiefe hinein, nimmt sie nach vorne hin zusehends an Konturenschärfe zu. Gegenüber den Bäumen hinter der Bauernkate ist das Geäst der beiden Bäume davor geradewegs scharf und die virtuos gesetzten weißen Striche im Vordergrund wirken wie klar erkennbare Kratzer in der Eisfläche, auf der sich das Bauernpaar spiegelt. Dieser Lichteffekt verweist auf die offenbar auf der Höhe der Baumkrone hinter der Wolkendecke verschwundene Sonne. Die Welt ist in ein verdunkeltes Streulicht getaucht und letztlich auch im Vordergrund nur vage gegeben, was Jungblut gekonnt durch breite Pinselstriche zur Darstellung bringt. Die Welt ist in eine allumfassende Atmosphäre winterlicher Melancholie getaucht und - wie die Eisfläche vor Augen führt - geradewegs erstarrt. Die von Raben durchzogene Winterlandschaft wird zur Allegorie des Todes, vor dem auch die Bauernkate kein Refugium bietet. Die Vorräte sind aufgebraucht, der leere Korb muss erneut gefüllt werden. Das Bauernpaar schreitet durch die abgestorbene Welt, wobei die Spiegelung ihren schließlich aus dieser Welt hinausführenden Weg vorwegnimmt. Trotz der melancholisch-düsteren Gestimmtheit einer entfremdeten toten Welt, vermittelt das Bild dennoch das Gefühl heimatlichen Aufgehoben-Seins in einer alles überdauernden Zweisamkeit. Neben der für die Heimat stehenden Behausung, beziehen sich die beiden Bäume vor dem Haus auf den Mann und die Frau. Das Baumpaar ist auf derselben Höhe wie das Bauernpaar situiert. Auch stehen vor dem Haus keine weiteren Bäume, einzig dieses Paar, das mit dem Baunernpaar in ein allegorischen Analogieverhältnis tritt. Veranschaulichen die Stämme die beiden ebenfalls etwas hintereinander versetzten Individuen, verschlingt sich das Astwerk nach oben hin zu einer einzigen Baumkrone. Damit spielt Jungblut zugleich auf den Mythos von Philemon und Baucis aus Ovids Metamorphosen an, bei dem das Paar nach ihrem Tod als Baumpaar weiterlebt. Mit dem vor Augen stehenden Gemälde hat Jungblut ein atmosphärisch dichtes Landschaftsbild geschaffen, das uns umso mehr fesselt, da es zugleich eine Allegorie des Lebens und der Liebe [...] (weniger anzeigen)

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Anonymus: Sonnengott Ra (Buchstütze), um 1935

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ARCADIA ART Anonymus, Sonnengott Ra (Buchstütze), 16 x 13,5 x 6 cm (Darstellung), 17,5 x 13,5 x 8 cm (mit Postament), patinierter Gelbguss, um 1935. - Nase leicht berieben, sonst sehr gutes Exemplar - Das Licht des Wissens - Hier steht ein Werk der noch weitgehend ungeschriebenen Kunstgeschichte der Buchstütze vor Augen. Mit dem Aufkommen der bürgerlichen Bibliotheken entwickelte sich im 19. Jahrhundert diese neue Kunstgattung, die im Jugendstil und Art déco ihren Höhepunkt erlebte. (mehr anzeigen)

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Harders, Hans (1875-1955): Goethe (Buchstütze), um 1935

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ARCADIA ART Hans Harders (1875 Mörel - 1955 Berlin), Goethe (Buchstütze). Patnierter Gelbguss auf Holzsockel montiert, 15 x 12 x 6 cm (Darstellung), 17 x 14,5 x 7 cm (mit Postament) im Guss mit "HARDERS" signiert. - Nasenspitze etwas berieben, sonst in sehr gutem Zustand - Goethes Willen - Hans Harders Goethe reiht sich in die noch weitgehend ungeschriebene Kunstgeschichte der Buchstütze ein. Mit dem Aufkommen der bürgerlichen Bibliotheken entwickelte sich im 19. Jahrhundert diese (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Hans Harders (1875 Mörel - 1955 Berlin), Goethe (Buchstütze). Patnierter Gelbguss auf Holzsockel montiert, 15 x 12 x 6 cm (Darstellung), 17 x 14,5 x 7 cm (mit Postament) im Guss mit "HARDERS" signiert. - Nasenspitze etwas berieben, sonst in sehr gutem Zustand - Goethes Willen - Hans Harders Goethe reiht sich in die noch weitgehend ungeschriebene Kunstgeschichte der Buchstütze ein. Mit dem Aufkommen der bürgerlichen Bibliotheken entwickelte sich im 19. Jahrhundert diese neue Kunstgattung. Die Buchstützte schöpft ihr Potenzial als Kunstwerk aus, wenn sie sich auf das Buch bezieht und dies nicht allein in formaler Hinsicht, sondern auf das Buch als Manifestation des Geistigen. In diesem Sinne steht mit Hans Harders Goethe ein Hauptwerk der damals noch jungen, aber äußerst florierenden Kunstgattung vor Augen. Wir sehen eine Porträtbüste Goethes, bei der die äußerst markant herausgearbeiteten Züge dem Antlitz des Dichterfürsten etwas Monumentales verleihen. Die mächtige Nase stößt gradlinig nach vorne und auch das Kinn wölbt sich vor, die Lippen sind leicht aufeinandergepresst, die Augen seherisch geweitet, während die Falten der hohen Stirn ebenso von düsteren Gedanken zeugen wie vom unumstößlichen Willen, dem geschauten Schicksal gerecht zu werden. Auf der die Fläche der Buchstütze bildenden Hintergrundplatte sind im Halbrelief links Mephistopheles und rechts Faust dargestellt, als ob sie Goethes Kopf entstiegen wären. Mephistopheles weist etwas spitzbübisch Durchtriebenes auf und bewegt sich in einem an Moriskentänzer gemahnenden elegant-verführerischen Schritt durch die Welt, um sie sich Untertan zu machen. Faust hingegen ist wie ein Prophet dargestellt, der das Wissen der Welt hinter sich gelassen hat und - wie Gothe - durch die Worte zu sehen beginnt. Eine Reflexion über das ungenügende Buchwissen, wie es Faust in seinem berühmten Monolog formuliert: Habe nun, ach! Philosophie, Juristerei und Medizin, Und leider auch Theologie Durchaus studiert, mit heißem Bemühn. Da steh ich nun, ich armer Tor! Und bin so klug als wie zuvor. Das bloße Lesen, so lassen sich die Worte auf die von der Buchstützte repräsentierte Bibliothek beziehen, führt einzig zu Vielwisserei aber zu nichts Substanziellen. Dementsprechend unterscheidet Friedrich Nietzsche in der zu seinen Unzeitgemäßen Betrachtungen gehörenden Abhandlung Vom Nutzen und Nachteil der Historie für das Leben (1874) eine monumentalische, eine antiquarische und eine kritische Art der Historie, wobei die antiquarische Betrachtung einen bloß affirmativen Charakter hat, der das Vergangene, beziehungswiese das angesammelte Geschriebene als einen Wert per se betrachtet. Während in den Unzeitgemäßen Betrachtungen auch die antiquarische Perspektive ihre Berechtigung hat, ist in der ergänzten Fröhlichen Wissenschaft (1887) das Monumental-Heroische die einzig den Menschen über sich selbst hinauswachsen lassende Weltsicht. "Was macht heroisch?" - Zugleich", so Nietzsche "seinem höchsten Leide und seiner höchsten Hoffnung entgegengehn." In eben dieser spätnietzscheanischen Zuspitzung hat Harders den Ausdrucksgehalt von Goethes Antlitz gestaltet. Goethe wird zum ,Faustischen Menschen' schlechthin, der seine innerliche Zerrissenheit durch heroische Entschlossenheit überwindet und damit zum eigentlichen Sinn des Lebens vordringt, den die Vielleserei nicht zu eröffnen vermag. Der Aufbruch zu einer neuen Transzendenz verbindet Harders Werk mit den Schöpfungen von Fidus. Und die Kraft zur Selbstüberwindung speist sich auch aus der Kraft des in der Bibliothek verwahrten geschriebenen Wortes. Die tatsächlich relevanten Bücher sind aus eben jenem Kampf hervorgegangene heroische Schöpfungen, wie sie Goethe selbst geschaffen hat. (weniger anzeigen)

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Dierkes, Paul (1907-1968): Paul Dierkes (1907-1968), Archaischer Kopf, 1952

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ARCADIA ART Paul Dierkes (1907 Cloppenburg - 1968 Berlin), Archaischer Kopf. Kalkstein, 1952. 15 x 9 x 12 cm (ohne Sockel), 19 x 10 x 11 cm (mit Sockel), rückseitig mit "PD" monogrammiert. - Geformte Ursprünglichkeit - Die aus Kalkstein gehauene Skulptur ist auf den ersten Blick als menschlicher Kopf zu erkennen, obwohl er gar kein ausgeformtes Gesicht aufweist. Die Nase, die Augen und die Ohren sind einzig angedeutet und doch derart präsent, dass wir sie sofort als Merkmale eines (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Paul Dierkes (1907 Cloppenburg - 1968 Berlin), Archaischer Kopf. Kalkstein, 1952. 15 x 9 x 12 cm (ohne Sockel), 19 x 10 x 11 cm (mit Sockel), rückseitig mit "PD" monogrammiert. - Geformte Ursprünglichkeit - Die aus Kalkstein gehauene Skulptur ist auf den ersten Blick als menschlicher Kopf zu erkennen, obwohl er gar kein ausgeformtes Gesicht aufweist. Die Nase, die Augen und die Ohren sind einzig angedeutet und doch derart präsent, dass wir sie sofort als Merkmale eines Kopfes gewahren und die Wölbung über der Nase als Stirn und die Partie unter ihr als Kinn und Hals identifizieren und meinen, den Mund und die Augenbrauen zu sehen, obwohl diese nicht einmal angedeutet sind. Wir betrachten eine Art Urform des Kopfes, wobei der Kopf selbst gar nicht die Form eines menschlichen Kopfes aufweist, wie er in natura beschaffen ist. Es handelt sich aber auch nicht um die geometrische Form eines Kreises oder Ovals, die einen ursprünglichen und zugleich zeitlosen Charakter aufweisen würde. Vielmehr sehen wir eine von einem Schöpfer geformte Form, die sich geometrisch nicht auflösen lässt, obwohl sie - insbesondere aus der Seitenansicht - eine geometrieähnliche Strenge aufweist, wodurch eine Ähnlichkeit mit den Köpfen Oskar Schlemmers gegeben ist. Im Gegensatz zu den Figuren Schlemmers gibt sich das Werk Dierkes aber als etwas Geschaffenes zu erkennen: Überall sind Spuren des Scharriereisens und Schläge der Meißel sichtbar. Der Kopf ist ein handwerklich gemachtes Kunstwerk, das wie ein archaisches Artefakt erscheint. Die Ursprünglichkeitswirkung betrifft folglich sowohl die Darstellung als auch die Herstellung: Das einzig angedeutete Gesicht reicht hinter jede konkret ausformulierte Physiognomie zurück, so dass hier eine an die Figuren der Osterinsel gemahnende ,Ur-Individualität' vor Augen steht, die anmutet, als ob sie mit primitiven Werkzeugen von einem ursprünglichen Gestaltungswillen geschaffen worden wäre. Der Eindruck der Ursprünglichkeit wird durch das uralte Material Stein verstärkt, auf dem die Bearbeitungsspuren zugleich als Spuren der Verwitterung wahrgenommen werden, wodurch der Kopf wie ein geheimnisvolles archäologisches Artefakt wirkt, das je nach Drehung und Lichteinfall immer neue Aspekte offenbart. Dazu passt der ebenfalls sein eigenes Material präsentierende Holzsockel, auf dem der Kopf freibeweglich aufliegt. zum Künstler Als Sohn eines Steinmetzen war Paul Dierkes von Kindesbeinen an mit dem Werkstoff Stein vertraut. Nach einer Steinmetzlehre entschied er sich, dieses Material auch künstlerisch zu erschließen und Bildhauer zu werden. Zunächst studierte er an der Kunstakademie Königsberg bei Stanislaus Cauer. 1931 wechselte er an die Münchner Akademie und erhielt dort ein Romstipendium. Anschließend fand er in Berlin seinen Lebensmittelpunkt. Erste Einzelausstellungen folgten, unter anderem in der Berliner Galerie Ferdinand Möller und dem Augusteum in Oldenburg. Dierkes unternahm Studienreise nach Amsterdam, Prag und Paris. Um der Einberufung unter den Nationalsozialisten zu entgehen, verließ er Berlin und wurde nach Kriegsende in Groß-Glienicke sesshaft, zog nach der Teilung Deutschlands jedoch wieder nach West-Berlin. 1947 wurde er an die Berliner Hochschule für Bildende Künste berufen und 1948 zum Professor ernannt. Bis zu seinem Tod leitete er 20 Jahre den Fachbereich für Stein und Holz. Einer seiner Meisterschüler war Heinz Spilker. Paul Dierkes zählt zu den Protagnisten, die die moderne Skulptur im Nachkriegsdeutschland etabliert haben. Er schuf archaisch wirkende Formen, die eine Aura des Ursprünglichen entfalten und mit ihren figürlichen Allusionen zugleich eine hohe symbolische Valenz aufweisen. Durch die Ursprünglichkeitswirkung ist eine Verwandtschaft seiner Kunst mit der Architektur gegeben, die Dierkes dazu geführt hat, mit Egon Eiermann, Peter Poelzig und Sep Ruf zusammenzuarbeiten. Zahlreiche seiner Werke prägen den öffentlichen Raum [...] (weniger anzeigen)

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Leoprechting, Marquart Freiherr von (1839-1897) zugeschrieben: Familienszene

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ARCADIA ART Marquard von Leoprechting (1839 Straubing - 1897 München) zugeschrieben. Familienszene. Bleistift und Feder, 17,2 x 21,5 cm (Sichtmaß), 29,8 x 34,8 cm (Rahmen), verso etikettiert. Unter Glas gerahmt. zum Werk Die Zeichnung zeigt eine familiäre Gesellschaft bei Tisch. Dabei handelt es sich nicht um ein repräsentatives Familienbild, sondern um den intimen Einblick in das alltägliche Geschehen mit seinen beiläufig-charakteristischen Handlungen, wie es Daniel Nikolaus (mehr anzeigen)

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Faesch, Emil (1865-1915): Studienkopf, 1888

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ARCADIA ART Emil Faesch (1865 Basel - 1915 Basel). Studienkopf. Kohle auf Malkarton, 60 x 47,5 cm (Blattmaß), rechts unten signiert und datiert "E. Faesch. 1888.". Minimal braunfleckig. zum Werk Der lebensgroße Kopf entfaltet eine ungemein gegenwärtige Präsenz. Diese Wirkung resultiert daraus, dass sich Faesch an akademisch-klassizistischen Büsten orientiert, den Kopf jedoch bis in die Wimpern und die Augenliedfalten hinein naturalistisch ausformt, wodurch die Distanz der (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Emil Faesch (1865 Basel - 1915 Basel). Studienkopf. Kohle auf Malkarton, 60 x 47,5 cm (Blattmaß), rechts unten signiert und datiert "E. Faesch. 1888.". Minimal braunfleckig. zum Werk Der lebensgroße Kopf entfaltet eine ungemein gegenwärtige Präsenz. Diese Wirkung resultiert daraus, dass sich Faesch an akademisch-klassizistischen Büsten orientiert, den Kopf jedoch bis in die Wimpern und die Augenliedfalten hinein naturalistisch ausformt, wodurch die Distanz der klassizistischen Idealität auf eine Unmittelbarkeit hin durchbrochen wird. Die damit erzielte Lebendigkeit kulminiert paradoxerweise gerade darin, dass der Dargestellte offensichtlich den Lebensatem ausgehaucht hat. Dadurch wird die gegenwärtige Präsenz wieder in die Ewigkeit des Steins überführt, in dessen spezifischer Materialität das Antlitz und insbesondere des Haare aufschimmern, während der Oberkörper den Stein deutlich ausstellt. Der zunächst als Zeichner und Modellierer ausgebildete Architekt Emil Faesch, den dieses Metier im Rahmen seiner Tätigkeit als Lehrer der Gewerbeschule Basel auch weiterhin beschäftigen sollte, hat hier eine beeindruckende Neuinterpretation des akademischen Studienkopfes geschaffen, dem er neues Lebens einhaucht, wodurch ihn zugleich der Hauch des Todes umgibt. zum Künstler Emil Faesch entstammt der berühmten Basler Goldschmiede-Familie Faesch. Bereits in jungen Jahren besucht der künstlerisch begabte Faesch die Basler Zeichen- und Modellierschule, wo er bei Fritz Schider lernt. Nach einer Lehre im Architekturbüro Vischer & Fuerter, setzt er seine Ausbildung als Architekt mit einem Studium an der TH München bei August und Friedrich Thiersch fort. 1892 erfolgt eine Berufung als Konservator an das Basler Gewerbemuseum. Ab 1893 unterrichtet er an der angegliederten Gewerbeschule. 1897 tritt er von seinen Ämter zurück, um sich fortan als freier Architekt zu betätigen. Faesch errichte zahlreiche das Stadtbild prägende öffentlichen Gebäude, aber auch Brückenbauten. Darunter die prominente Mittlere Rheinbrücke in Basel. Auswahlbibliographie Saur allgemeines Künstlerlexikon. Die bildenden Künstler aller Zeiten und Völker, Bd. 36, S. 192. (weniger anzeigen)

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Dierkes, Paul (1907-1968): Paul Dierkes (1907-1968), Vegetative Form, 1958

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ARCADIA ART Paul Dierkes (1907 Cloppenburg - 1968 Berlin), Vegetative Form. Mahagoni, 1958. 142 x 16 x 10 cm (Skulptur), 21 x 17,5 cm (Bodenplatte), rückseitig mit "PD" monogrammiert. - Gewachsene Kunst - Neben Stein galt Paul Dierkes Faszination dem Werkstoff Holz. Im Gegensatz zum eher homogenen Material der Sedimentgesteine weist Holz durch das organische Wachstum eine innere Struktur auf, die Dierkes künstlerisch transformiert. Bereits die schmale hohe Form wirkt, als ob sie (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Paul Dierkes (1907 Cloppenburg - 1968 Berlin), Vegetative Form. Mahagoni, 1958. 142 x 16 x 10 cm (Skulptur), 21 x 17,5 cm (Bodenplatte), rückseitig mit "PD" monogrammiert. - Gewachsene Kunst - Neben Stein galt Paul Dierkes Faszination dem Werkstoff Holz. Im Gegensatz zum eher homogenen Material der Sedimentgesteine weist Holz durch das organische Wachstum eine innere Struktur auf, die Dierkes künstlerisch transformiert. Bereits die schmale hohe Form wirkt, als ob sie ihrerseits gewachsen wäre. Die dünne Eisenplinthe suggeriert den Boden, aus dem die Form hervorgegangen ist. Sie benötigt für ihren eigenen inneren Halt kein ausgedehnteres Fundament, obwohl sie keineswegs stämmig ist, sondern eine schlanke Eleganz aufweist. Sie verjüngt sich mittig, um sich dann wieder zu weiten, so dass eine symmetrische Gesamtform entsteht, die in ihrer durch eine Leichtigkeit bestimmten Perfektion an Constantin Brancusis Der Vogel im Raum (1923) gemahnt. Im Gegensatz zur ganz auf die Harmonie der Gesamtform abgestimmten glatten Vollkommenheit weist Dierkes Werk eine differenzierte Formbildung auf, die aus der inneren Notwendigkeit des Aufwachsens resultiert: Der untere Bereich tritt als Schaft in Erscheinung, während der dünnere, jedoch etwas breiter wirkende obere Teil mit seinen beiden Einkerbungen wie eine blattförmige Bekrönung wirkt. Dabei ist der untere mit dem oberen Bereich durch eine stilförmige Formverfestigung verbunden, die in eine vertikale Aushöhlung zurückschwingt, so dass sich hier die inneren Kräfte der organischen Form zu konzentrieren scheinen. Zum Eindruck der Organizität tragen insbesondere die Maserung, die Verfärbungen und auch die Spannungsrisse des Mahagoniholzes bei. Sie verleihen der dominierenden Gesamtform die feinteilige Struktur eines tatsächlichen Aufgewachsen-Seins, aus der sich die Wirkung einer inneren Lebendigkeit speist. Dem Titel ,Vegetative Form' entsprechend, hat Dierkes hier eine Urform der Natur geschaffen, die - analog zur Karl Blossfeldts die Struktur der Natur aufdeckenden Fotografien - zugleich eine Urform der Kunst ist. Abermals im Gegensatz zu Brancusis Glätte sind die deutlichen Bearbeitungsspuren Teil der ästhetischen Erscheinung, wodurch - neben der natürlichen Organizität - der Aspekt des geschaffenen Kunstwerks herausgestellt wird. Eine zur Kunst transformierte Natur, die mit jeder Wendung im Wechselspiel des Lichts immer neue Aspekte ihrer organischen Urform offenbart. zum Künstler Als Sohn eines Steinmetzen war Paul Dierkes von Kindesbeinen an mit dem Werkstoff Stein vertraut. Nach einer Steinmetzlehre entschied er sich, dieses Material auch künstlerisch zu erschließen und Bildhauer zu werden. Zunächst studierte er an der Kunstakademie Königsberg bei Stanislaus Cauer. 1931 wechselte er an die Münchner Akademie und erhielt dort ein Romstipendium. Anschließend fand er in Berlin seinen Lebensmittelpunkt. Erste Einzelausstellungen folgten, unter anderem in der Berliner Galerie Ferdinand Möller und dem Augusteum in Oldenburg. Dierkes unternahm Studienreise nach Amsterdam, Prag und Paris. Um der Einberufung unter den Nationalsozialisten zu entgehen, verließ er Berlin und wurde nach Kriegsende in Groß-Glienicke sesshaft, zog nach der Teilung Deutschlands jedoch wieder nach West-Berlin. 1947 wurde er an die Berliner Hochschule für Bildende Künste berufen und 1948 zum Professor ernannt. Bis zu seinem Tod leitete er 20 Jahre den Fachbereich für Stein und Holz. Einer seiner Meisterschüler war Heinz Spilker. Paul Dierkes zählt zu den Protagnisten, die die moderne Skulptur im Nachkriegsdeutschland etabliert haben. Er schuf archaisch wirkende Formen, die eine Aura des Ursprünglichen entfalten und mit ihren figürlichen Allusionen zugleich eine hohe symbolische Valenz aufweisen. Durch die Ursprünglichkeitswirkung ist eine Verwandtschaft seiner Kunst mit der Architektur gegeben, die Dierkes dazu geführt hat [...] (weniger anzeigen)

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Boese, Johannes: Johannes Boese (1856-1917), Mutterglück, um 1910

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ARCADIA ART Johannes Boese (1856 Ostrog - 1917 Berlin), Mutterglück, um 1910. Goldbraun patinierte Bronze auf gegossener rechteckiger Plinthe, montiert auf zweifarbigem Marmorsockel (9,5 cm Höhe), Gesamthöhe 61 cm, Maße der Bronze: 50,5 cm (Höhe) x 18 cm (Länge) x 11,5 cm (Breite), Gewicht 12 kg, auf der Plinthe mit "J.[ohannes] Boese" signiert und mit "Berlin" ortsbezeichnet. - Patina vereinzelt etwas berieben und leicht fleckig, Plinthe und Marmorsockel mit wenigen bestoßenen Stellen, (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Johannes Boese (1856 Ostrog - 1917 Berlin), Mutterglück, um 1910. Goldbraun patinierte Bronze auf gegossener rechteckiger Plinthe, montiert auf zweifarbigem Marmorsockel (9,5 cm Höhe), Gesamthöhe 61 cm, Maße der Bronze: 50,5 cm (Höhe) x 18 cm (Länge) x 11,5 cm (Breite), Gewicht 12 kg, auf der Plinthe mit "J.[ohannes] Boese" signiert und mit "Berlin" ortsbezeichnet. - Patina vereinzelt etwas berieben und leicht fleckig, Plinthe und Marmorsockel mit wenigen bestoßenen Stellen, eine Ecke alt restauriert. - Die Ekstase mütterlicher Freude - Hatte sich Johannes Boese vor allem der von staatlicher Seite in Auftrag gegebenen Monumentalplastik und repräsentativen Porträtdarstellungen gewidmet, veranschaulicht dieses Werk, dass der Künstler durchaus auch seinen eigenen Ideen folgte und, obwohl er bis zum Schluss dem von ihm mitgeprägten wilhelminischen Staatsstil folgte, sich auch vom Jugendstil inspirieren ließ. Wir sehen eine ausschreitende Mutter, die voller Freude ihren Jungen in die Höhe hebt und beglückt in die Augen schaut. Das Kind erwidert den Blick mit derselben Innigkeit und streckt dabei eine Hand nach der Mutter aus. In den gespreizten Fingern zeigt sich das nicht erfüllte Verlangen, sie zu berühren und ihr dadurch ganz nahe zu sein. Mit seiner hohen Stirn und den breiten Wangenpartien wirkt der Junge wie ein säkularer Putto, was Boeses Herkunft aus dem wilhelminischen Barock verrät und der Darstellung eine allegorische Dimension verleiht. Mit der anderen Hand umklammert der Junge eine Puppe, was ihn durch und durch menschlich erscheinen lässt. Die ganz natürlich wirkenden Strampelbewegungen veranschaulichen ihn geradewegs als Inbegriff des kindlichen Kindes. Das Antlitz der Mutter weist mit der gelängt-geraden Nase antikisierende Züge auf, während ihr Körper in antiker Nacktheit vor Augen steht, was der Skulptur auch von der Darstellung der Mutter her eine allegorische Dimension verleiht. Der Kontrapost der klassischen Skulptur mit seinem Stand- und Spielbein ist allerdings zum Ausschreiten geworden. Der in sich ruhenden Körper ist in eine beinahe stürmische Bewegung versetzt, die von einer inneren Bewegung getragen wird. Die Skulptur erzählt eine Geschichte, deren Höhepunkt hier vor Augen steht: Die Mutter hat ihren Jungen von Weitem erblickt, ist auf ihn zugestürmt und hat in voller Freude und mütterlichem Stolz in den Himmel gehoben, während der Sohn von dem Gefühl erfüllt wird, endlich wieder bei seiner Mutter zu sein, die er ebenfalls liebkosen möchte. Ist das Bild der Mutterschaft nicht zuletzt durch Maria mit dem Christuskind geprägt, so schafft Boese hier ein Bild der zur Mütterlichkeit gehörenden Freude, die gradewegs ekstatisch-tänzerische Züge annimmt, als ob die Mutter vor Glück einen im gezeigten Moment kulminierenden Freudentanz vollführen würde. Durch den Nachvollzug der verschiedenartigen Ansichten der Bronzeplastik wird die tänzerisch-ekstatische Bewegung vom Betrachter immer wieder neu initiiert. Die Schönheit des naturalistisch herausmodellierten weiblichen Körpers strahlt das Mutterglück ab, das durch die goldfarbene Patina geradewegs zum Aufleuchten gebracht wird. Dabei geht der Eros ihrer nackten Schönheit ganz in der sie erfüllenden Freude über die Frucht ihres Leibes auf. zum Künstler Nach einer Ausbildung als Holzbildschnitzer besuchte Johannes Boese zunächst die Kunstgewerbeschule in Gleiwitz. Seinem eigentlichen Talent als Bildhauer folgend, ging er 1877 an die Berliner Kunstakademie und studierte dort bis 1883 bei Fritz Schaper und Albert Wolff, dessen Meisterschüler er wurde. Wolff gehörte zu den führenden Künstlern der von Johann Gottfried Schadow und seinem Schüler Christian Daniel Rauch begründeten Berliner Bildhauerschule. Mit dem 1883 geschaffenen Werk Narcissus, das 1888 auf der Weltausstellung in Melbourne ausgezeichnet wurde, fand Boese erste Anerkennung. Es folgten größere Aufträge wie das 1885 entstandene Relief, [...] (weniger anzeigen)

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Rosenthal: Rosenthal Trichtervase mit floralem Silberoverlay auf türkisem Grund, 1938-1956

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ARCADIA ART Rosenthal Trichtervase mit floralem Silberoverlay (1000/1000) auf türkisem Grund. Höhe 29 cm, Durchmesser der Öffnung 10 cm. Mit der von 1938-1956 verwendeten Firmenmarke versehen und als Modellnummer "L. 521" ausgewiesen. - Silber stellenweise etwas angelaufen, sonst in ausgezeichnetem Zustand Die Verwendung des Silbers erweitert die Ästhetik des Porzellans um den Aspekt silbernen Kunsthandwerks. Die Vase wirkt zwar nicht wie ein Gegenstand aus Silber und doch strahlt die (mehr anzeigen)

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Frankfurter Kunstverein: 35 Künstler in Frankfurt, (mit dem Errata-Zettel!),

Ausstellungskatalog 10. Mai bis 22. Juni 1969,
Frankfurter Kunstverein, Ffm, 1969.

kl.8°, 82 S. mit 35 s/w-Abb. von Werken von Thomas Bayrle, Arthur Fauser, Hermann Goepfert, G. Heck, B. Höke, Bernhard Jäger, H. Kaiser, E.R.Nele, E. Reinold, Ch. von Schnitzler, H. Steinbrenner, Jürgen Wölbing u.a., original Kartonage (Paperback),

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Meese, Jonathan - mit zahlreichen eigenhändigen Zeichnungen: Revolution. Mit Texten von Harald Falckenberg, Johannes Gachnang, Roberto Ohrt, Jan-Hendrik Wentrup.

Kestner Gesellschaft, Hannover, 2002.

Photographisch illustr. OPp. 160 S. 4° (31,5 x 23,5 cm). Mit zahlreichen, z. T. ganz- und doppelseitigen zeichnerischen und textlichen Ergänzungen des Künstlers.

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Lavergne, Adolphe Jean: Adolphe Jean Lavergne (1863-1928), Pecheur, um 1890

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ARCADIA ART Adolphe Jean Lavergne (1863-1928), Pecheur, um 1890. Braun patinierte Bronze mit rechteckiger gegossener Plinthe auf grünem Marmorsockel (3 cm Höhe), Gesamthöhe mit Angel 37 cm, Breite 9 cm, Tiefe 8 cm, Gewicht 2,9 kg, auf der Plinthe mit "Lavergne" signiert. - Sockel mit alter Bohrung und wenigen oxidierten Stellen, Patina mitunter berieben, in den Falten vereinzelt etwas fleckig. - Voller Vorfreude - Die Bronzefigur ist die größere äußerst detaillierte Ausführung (mehr anzeigen)

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Laeuger, Max (Umkreis): Kunsttöpferei Kandern, Bauchige Vase Verlaufsglasur, um 1920. Umkreis Max Laeuger

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ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Bauchige Vase mit tonfarbener Verlaufsglasur auf schwarzblauem Grund, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,780' ausgewiesen, 19 cm (Höhe) x 13 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 10 cm. - minimalste Kratzspuren im Fond, kaum sichtbarer herstellungsbedingter Glasurfehler, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Innerer Überfluss - Die einfache wie bestechende künstlerische (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Bauchige Vase mit tonfarbener Verlaufsglasur auf schwarzblauem Grund, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,780' ausgewiesen, 19 cm (Höhe) x 13 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 10 cm. - minimalste Kratzspuren im Fond, kaum sichtbarer herstellungsbedingter Glasurfehler, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Innerer Überfluss - Die einfache wie bestechende künstlerische Idee besteht darin, die gebauchte Vase mit einer schwarzblauen Glasur zu versehen, über die eine tonfarbene Verlaufsglasur hinabläuft. Dies führt zu einer Figur-Grund-Umkehr, da doch eigentlich der Korpus tonfarben ist bevor er glasiert wird. Mit der Tonfarbe läuft hier also das Material selbst über den glasierten Korpus, so dass das Innere zum Äußeren wird. Indem der Mündungswulst ganz tonfarben gehalten ist, entsteht der Eindruck als ob die Verlaufsglasur aus dem Inneren herausfließen würde, wodurch die Vase ästhetisch zur Quelle ihres eigenen Materials wird. Der starke Kontrakt zum blauschwarzen Grund hebt den tonfarbenen Verlauf hervor, welcher durch den Nachvollzug der bauchigen Form seinerseits den blauschwarzen Korpus präsenter werden lässt. Da der Verlauf bei jeder Vase jeweils anders erfolgt, weist jedes Exemplar den Charakter eines Unikats auf. zur Kunsttöpferei Kandern Nachdem sich Max Laeuger bereits seit 1892 intensiv in Kandern und Karlsruhe mit der Gestaltung von Keramik beschäftigt hatte, gründete er 1897 die Prof. Laeuger'sche Kunsttöpferei als Teil der Tonwerke Kandern. Unter seiner bis 1913 währenden Leitung entstanden 738 Muster für Gefäße und 320 baukeramische Vorlagen. Die ausgeführten Werke sind mit der Pressmarke der in ein Quadrat gefassten Buchstaben ,MLK' versehen. Laeuger führte neue künstlerische Techniken in die Töpferei ein. Neben der effektvollen Verlaufsglasur insbesondere die an der Pâte sur Pâte-Technik der Porzellangestaltung orientierte Schlickermalerei, bei der mit eingefärbter Tonmasse auf den Tonkorpus gemalt wird. Dies führt zu reliefartigen Effekten und ermöglicht die Kreation ganz neuer Muster. Vermittels dieser Techniken hat Laeuger die Ornamentik des Jugendstils auf eine am Material orientierte innovativ abstrahierende Weise in die Töpferei überführt und damit die moderne Künstlerkeramik begründet. Diese Neuerungen waren keineswegs auf das vermeintlich künstlerisch irrelevante Gebiet des Kunstgewerbes beschränkt. Vielmehr ging gerade vom Kunsthandwerk ein neuer gesellschaftsreformatorischer künstlerischer Anspruch aus, der sich auch darin niederschlägt, dass Laeuger 1907 den Deutschen Werkbund mitbegründete. Nach seinem Weggang aus Kandern richtete sich Laeuger 1916 in Karlsruhe eine eigene Keramikwerkstatt ein, wo er bis 1944 etwa 5000 Keramiken schuf und zwischen 1921 und 1929 die auf Initiative von Hans Thoma und Wilhelm Süs gegründete Staatliche Majolika Manufaktur Karlsruhe mit Entwürfen belieferte. In Kandern übernahm Hermann Hakenjos sen. ab 1920 die im künstlerischen Geiste Laeugers weiterführte Kunsttöpferei, deren Produkte mit den geritzten, in ein Quadrat eingeschriebenen Buchstaben ,KTK' gemarkt wurden. 1927 gründete Hakenjos zusammen mit dem Keramiker Richard Bampi die Fayence-Manufactur Kandern. Ihre Erzeugnisse tragen die Stempelmarke der in ein Dreieck eingelassenen Buchstaben ,FMK'. (weniger anzeigen)

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Bierwisch, Heidi (Konzeption): Musik und konkrete Kunst - Erfurter Kolloquium vom 14. - 16.12.2000 - Dokumentation der Ergebnisse,

Forum konkrete Kunst (= Schriftenreihe 4), Erfurt, 2001.

kl.4°, 36 S. mit einigen Farb- und s/w-Abb., original Kartonage (Paperback),

28.00 EUR

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Rosenthal: Rosenthal Bechervase mit floralem Silberoverlay auf blauschwarzem Grund, 1938-1956

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ARCADIA ART Rosenthal Bechervase mit floralem Silberoverlay (1000/1000) auf blauschwarzem Grund. Höhe 29 cm, Durchmesser der Öffnung 8,5 cm. Mit der von 1938-1956 verwendeten Firmenmarke versehen und als Modellnummer "L. 331" ausgewiesen. - Silber stellenweise etwas angelaufen, sonst in ausgezeichnetem Zustand Die Verwendung des Silbers erweitert die Ästhetik des Porzellans um den Aspekt silbernen Kunsthandwerks. Die Vase wirkt zwar nicht wie ein Gegenstand aus Silber und doch strahlt (mehr anzeigen)

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Frankfurter Kunstverein: 35 Künstler in Frankfurt, (mit dem Errata-Zettel!),

Ausstellungskatalog 10. Mai bis 22. Juni 1969, Frankfurter Kunstverein, Ffm, 1969.

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Meese, Jonathan - mit zahlreichen eigenhändigen Zeichnungen: Revolution. Mit Texten von Harald Falckenberg, Johannes Gachnang, Roberto Ohrt, Jan-Hendrik Wentrup.

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Bierwisch, Heidi (Konzeption): Musik und konkrete Kunst - Erfurter Kolloquium vom 14. - 16.12.2000 - Dokumentation der Ergebnisse,

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