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Boese, Johannes: Johannes Boese (1856-1917), Mutterglück, um 1910

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ARCADIA ART Johannes Boese (1856 Ostrog - 1917 Berlin), Mutterglück, um 1910. Goldbraun patinierte Bronze auf gegossener rechteckiger Plinthe, montiert auf zweifarbigem Marmorsockel (9,5 cm Höhe), Gesamthöhe 61 cm, Maße der Bronze: 50,5 cm (Höhe) x 18 cm (Länge) x 11,5 cm (Breite), Gewicht 12 kg, auf der Plinthe mit "J.[ohannes] Boese" signiert und mit "Berlin" ortsbezeichnet. - Patina vereinzelt etwas berieben und leicht fleckig, Plinthe und Marmorsockel mit wenigen bestoßenen Stellen, (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Johannes Boese (1856 Ostrog - 1917 Berlin), Mutterglück, um 1910. Goldbraun patinierte Bronze auf gegossener rechteckiger Plinthe, montiert auf zweifarbigem Marmorsockel (9,5 cm Höhe), Gesamthöhe 61 cm, Maße der Bronze: 50,5 cm (Höhe) x 18 cm (Länge) x 11,5 cm (Breite), Gewicht 12 kg, auf der Plinthe mit "J.[ohannes] Boese" signiert und mit "Berlin" ortsbezeichnet. - Patina vereinzelt etwas berieben und leicht fleckig, Plinthe und Marmorsockel mit wenigen bestoßenen Stellen, eine Ecke alt restauriert. - Die Ekstase mütterlicher Freude - Hatte sich Johannes Boese vor allem der von staatlicher Seite in Auftrag gegebenen Monumentalplastik und repräsentativen Porträtdarstellungen gewidmet, veranschaulicht dieses Werk, dass der Künstler durchaus auch seinen eigenen Ideen folgte und, obwohl er bis zum Schluss dem von ihm mitgeprägten wilhelminischen Staatsstil folgte, sich auch vom Jugendstil inspirieren ließ. Wir sehen eine ausschreitende Mutter, die voller Freude ihren Jungen in die Höhe hebt und beglückt in die Augen schaut. Das Kind erwidert den Blick mit derselben Innigkeit und streckt dabei eine Hand nach der Mutter aus. In den gespreizten Fingern zeigt sich das nicht erfüllte Verlangen, sie zu berühren und ihr dadurch ganz nahe zu sein. Mit seiner hohen Stirn und den breiten Wangenpartien wirkt der Junge wie ein säkularer Putto, was Boeses Herkunft aus dem wilhelminischen Barock verrät und der Darstellung eine allegorische Dimension verleiht. Mit der anderen Hand umklammert der Junge eine Puppe, was ihn durch und durch menschlich erscheinen lässt. Die ganz natürlich wirkenden Strampelbewegungen veranschaulichen ihn geradewegs als Inbegriff des kindlichen Kindes. Das Antlitz der Mutter weist mit der gelängt-geraden Nase antikisierende Züge auf, während ihr Körper in antiker Nacktheit vor Augen steht, was der Skulptur auch von der Darstellung der Mutter her eine allegorische Dimension verleiht. Der Kontrapost der klassischen Skulptur mit seinem Stand- und Spielbein ist allerdings zum Ausschreiten geworden. Der in sich ruhenden Körper ist in eine beinahe stürmische Bewegung versetzt, die von einer inneren Bewegung getragen wird. Die Skulptur erzählt eine Geschichte, deren Höhepunkt hier vor Augen steht: Die Mutter hat ihren Jungen von Weitem erblickt, ist auf ihn zugestürmt und hat in voller Freude und mütterlichem Stolz in den Himmel gehoben, während der Sohn von dem Gefühl erfüllt wird, endlich wieder bei seiner Mutter zu sein, die er ebenfalls liebkosen möchte. Ist das Bild der Mutterschaft nicht zuletzt durch Maria mit dem Christuskind geprägt, so schafft Boese hier ein Bild der zur Mütterlichkeit gehörenden Freude, die gradewegs ekstatisch-tänzerische Züge annimmt, als ob die Mutter vor Glück einen im gezeigten Moment kulminierenden Freudentanz vollführen würde. Durch den Nachvollzug der verschiedenartigen Ansichten der Bronzeplastik wird die tänzerisch-ekstatische Bewegung vom Betrachter immer wieder neu initiiert. Die Schönheit des naturalistisch herausmodellierten weiblichen Körpers strahlt das Mutterglück ab, das durch die goldfarbene Patina geradewegs zum Aufleuchten gebracht wird. Dabei geht der Eros ihrer nackten Schönheit ganz in der sie erfüllenden Freude über die Frucht ihres Leibes auf. zum Künstler Nach einer Ausbildung als Holzbildschnitzer besuchte Johannes Boese zunächst die Kunstgewerbeschule in Gleiwitz. Seinem eigentlichen Talent als Bildhauer folgend, ging er 1877 an die Berliner Kunstakademie und studierte dort bis 1883 bei Fritz Schaper und Albert Wolff, dessen Meisterschüler er wurde. Wolff gehörte zu den führenden Künstlern der von Johann Gottfried Schadow und seinem Schüler Christian Daniel Rauch begründeten Berliner Bildhauerschule. Mit dem 1883 geschaffenen Werk Narcissus, das 1888 auf der Weltausstellung in Melbourne ausgezeichnet wurde, fand Boese erste Anerkennung. Es folgten größere Aufträge wie das 1885 entstandene Relief, [...] (weniger anzeigen)

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Laeuger, Max (Umkreis): Kunsttöpferei Kandern, Bauchige Vase Verlaufsglasur, um 1920. Umkreis Max Laeuger

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ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Bauchige Vase mit tonfarbener Verlaufsglasur auf schwarzblauem Grund, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,780' ausgewiesen, 19 cm (Höhe) x 13 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 10 cm. - minimalste Kratzspuren im Fond, kaum sichtbarer herstellungsbedingter Glasurfehler, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Innerer Überfluss - Die einfache wie bestechende künstlerische (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Bauchige Vase mit tonfarbener Verlaufsglasur auf schwarzblauem Grund, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,780' ausgewiesen, 19 cm (Höhe) x 13 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 10 cm. - minimalste Kratzspuren im Fond, kaum sichtbarer herstellungsbedingter Glasurfehler, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Innerer Überfluss - Die einfache wie bestechende künstlerische Idee besteht darin, die gebauchte Vase mit einer schwarzblauen Glasur zu versehen, über die eine tonfarbene Verlaufsglasur hinabläuft. Dies führt zu einer Figur-Grund-Umkehr, da doch eigentlich der Korpus tonfarben ist bevor er glasiert wird. Mit der Tonfarbe läuft hier also das Material selbst über den glasierten Korpus, so dass das Innere zum Äußeren wird. Indem der Mündungswulst ganz tonfarben gehalten ist, entsteht der Eindruck als ob die Verlaufsglasur aus dem Inneren herausfließen würde, wodurch die Vase ästhetisch zur Quelle ihres eigenen Materials wird. Der starke Kontrakt zum blauschwarzen Grund hebt den tonfarbenen Verlauf hervor, welcher durch den Nachvollzug der bauchigen Form seinerseits den blauschwarzen Korpus präsenter werden lässt. Da der Verlauf bei jeder Vase jeweils anders erfolgt, weist jedes Exemplar den Charakter eines Unikats auf. zur Kunsttöpferei Kandern Nachdem sich Max Laeuger bereits seit 1892 intensiv in Kandern und Karlsruhe mit der Gestaltung von Keramik beschäftigt hatte, gründete er 1897 die Prof. Laeuger'sche Kunsttöpferei als Teil der Tonwerke Kandern. Unter seiner bis 1913 währenden Leitung entstanden 738 Muster für Gefäße und 320 baukeramische Vorlagen. Die ausgeführten Werke sind mit der Pressmarke der in ein Quadrat gefassten Buchstaben ,MLK' versehen. Laeuger führte neue künstlerische Techniken in die Töpferei ein. Neben der effektvollen Verlaufsglasur insbesondere die an der Pâte sur Pâte-Technik der Porzellangestaltung orientierte Schlickermalerei, bei der mit eingefärbter Tonmasse auf den Tonkorpus gemalt wird. Dies führt zu reliefartigen Effekten und ermöglicht die Kreation ganz neuer Muster. Vermittels dieser Techniken hat Laeuger die Ornamentik des Jugendstils auf eine am Material orientierte innovativ abstrahierende Weise in die Töpferei überführt und damit die moderne Künstlerkeramik begründet. Diese Neuerungen waren keineswegs auf das vermeintlich künstlerisch irrelevante Gebiet des Kunstgewerbes beschränkt. Vielmehr ging gerade vom Kunsthandwerk ein neuer gesellschaftsreformatorischer künstlerischer Anspruch aus, der sich auch darin niederschlägt, dass Laeuger 1907 den Deutschen Werkbund mitbegründete. Nach seinem Weggang aus Kandern richtete sich Laeuger 1916 in Karlsruhe eine eigene Keramikwerkstatt ein, wo er bis 1944 etwa 5000 Keramiken schuf und zwischen 1921 und 1929 die auf Initiative von Hans Thoma und Wilhelm Süs gegründete Staatliche Majolika Manufaktur Karlsruhe mit Entwürfen belieferte. In Kandern übernahm Hermann Hakenjos sen. ab 1920 die im künstlerischen Geiste Laeugers weiterführte Kunsttöpferei, deren Produkte mit den geritzten, in ein Quadrat eingeschriebenen Buchstaben ,KTK' gemarkt wurden. 1927 gründete Hakenjos zusammen mit dem Keramiker Richard Bampi die Fayence-Manufactur Kandern. Ihre Erzeugnisse tragen die Stempelmarke der in ein Dreieck eingelassenen Buchstaben ,FMK'. (weniger anzeigen)

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Groh, Klaus: Credo. Künstlerbuch aus Bildzeitungsausschnitten

Art Agency, Oldenburg, 1969.

gr 12°, Brosch., ohne Paginierung (etwa 450 S.) - etwas angestaubt u. nachgedunkelt, hinterer Einbanddeckel mit Knickspur, sonst gutes Exemplar

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Haas, Willibrord: Willibrord Haas (*1936), Der ganz nackte Kniefall, 1999

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Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Der ganz nackte Kniefall, 1999. Radierung, 32,5 cm x 23,5 cm (Plattengröße), 54 cm x 37,5 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "1999" datiert als "Der ganz nackte Kniefall" betitelt und mit "Zustandsdruck 2" ausgewiesen. - ausgezeichnet erhaltener Probedruck Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf (mehr anzeigen)

Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Der ganz nackte Kniefall, 1999. Radierung, 32,5 cm x 23,5 cm (Plattengröße), 54 cm x 37,5 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "1999" datiert als "Der ganz nackte Kniefall" betitelt und mit "Zustandsdruck 2" ausgewiesen. - ausgezeichnet erhaltener Probedruck Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf Deutsch "nackt, bloß", man kennt ignudo als Singular männlich, entsprechend sind die vielen herrlichen nackten Jünglingsgestalten Michelangelos, die die Ecken in den Deckenmalereien der sixtinischen Kapelle zieren -ignudi-. [.] Dieser Begriff insinuiert die Abwesenheit von Scham, der Begriff -nackt-, dagegen, ist voller Peinlichkeit." "Die Männergestalten präsentieren sich von Scham befreit ohne jedoch die Grenze zur Obszönität zu überschreiten, auch wenn der sexuelle Eros die "Triebfeder" der Darstellung ist: "Was nicht nur mir auffällt, dass Teile, die sonst unter der Schamgrenze liegen, bei mir in den Mittelpunkt rücken, und ich dabei auch noch Spaß empfinde!" Willibrord Haas zum Künstler Willibrord Haas studierte von 1954 bis 1960 an der Münchner Kunstakademie bei Hermann Kaspar, Richard Seewald, Charles Crodel und Georg Schmidt. Zudem besuchte er Universitätsveranstaltungen bei dem Kunsthistoriker Hans Sedlmayr und dem Religionsphilosophen Romano Guardini. Nach seinem Abschluss als Meisterschüler wurde Haas in Berlin ansässig, wo er zusammen mit seiner Ehefrau, der Künstlerin Helga Wirth, 1972 eine eigene Radierwerkstatt einrichtete. Für seine künstlerische Entwicklung war die Begegnung mit Joseph Beuys wegweisend, den er 1967 in seinem Düsseldorfer Atelier besuchte. Von Beuys künstlerischem Denken inspiriert, entwickelte er die für sein weiteres Oeuvre charakteristischen von einer nach außen abstrahlenden Energetik getragenen Farbwelten, die er selbst als ,Seelenlandschaften' bezeichnet. Darüber hinaus hat Haas aber immer wieder insbesondere männliche Akte gestaltet, die ebenfalls von einer energetischen Vitalität beseelt sind. "... das kleine Blättchen liegt vor mir, ich habe die völlige Freiheit, ich kann Alles daraus machen, ein kleines Königreich, keiner kann mir reinreden, und oft gelingt der spontane Zauber aus Tröpfchen, Linien, Flächen und ich habe ein kleines Glück erschaffen." Willibrord Haas (weniger anzeigen)

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Trübner, Wilhelm: Personalien und Prinzipien,

Verlag von Bruno Cassirer, Berlin, 1907.

8°, 210 S. mit Goldschnitt, grüner original Leineneinband (Hardcover) mit Deckelverzierung,

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Stunde Null, 1948

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Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Stunde Null, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 20 cm x 14,8 cm (Darstellung), 43 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 5,4" bezeichnet. - Der breite Blattrand etwas gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Nach dem Weltenbrand - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges (mehr anzeigen)

Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Stunde Null, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 20 cm x 14,8 cm (Darstellung), 43 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 5,4" bezeichnet. - Der breite Blattrand etwas gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Nach dem Weltenbrand - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges geschaffenen bildlichen Auslegung der Bergpredigt (Matth. 5,1-7,29). Das Blatt veranschaulicht die Seligpreisung: Selig sind, die da Leid tragen; denn sie sollen getröstet werden (Matth. 5,4). Mit einem Ausdruck innerer Leere blickt der links sitzende Mann Richtung Betrachter, während die Menschen um ihn herum in Verzweiflung versunken sind und die Welt in Trümmern daliegt. Nichts ist geblieben als Verderben und Tod - eine Apokalypse, die die Welt aus den Fugen gehoben hat und als menschengemachtes Werk dennoch den Lauf der Welt nicht als solchen aufhebt. Der Blick des Mannes formuliert die an den Betrachter gerichteten Fragen, was ist nur geschehen und was habe ich nur getan? zum Künstler Rudolf Nehmer studierte von 1932 bis 1934 in Dresden an der von Ernst Oskar Simonson-Castelli gegründeten privaten Kunstakademie bei Woldemar Winkler und war - nach einem kurzen Intermezzo an der Kunstakademie - bis 1936 Schüler im Atelier von Willy Kriegel. Nach einer ersten Einzelausstellung im Jahre 1935 in der bis in die NS-Zeit hinein progressiven Dresdner Kunstausstellung Kühl, war Nehmer in den Folgejahren in den Großen Deutschen Kunstausstellungen vertreten. 1938 weilte er in Worpswede. Ab 1941 war er Soldat an der Westfront und in Dänemark und kehrte 1945 aus britischer Kriegsgefangenschaft nach Dresden zurück. Nach dem Kriegsende erfolgte bereits 1945 die erste Einzelausstellung. Nehmer war Mitbegründer der Künstlervereinigung ,Das Ufer - Gruppe 1947' und war 1951 Gründungsmitglied der Künstlergenossenschaft ,Kunst und Zeit'. In der DDR erfolgten zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen, die in einer Retrospektive anlässlich seines 60. Geburtstags in der Galerie Neuer Meister gipfelte. (weniger anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Die Dame mit dem Hündchen, 1971

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Die Dame mit dem Hündchen, 1971. Lithographie, 33 cm x 26 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]71" datiert, unten links als Exemplar Nr. 77/100 ausgewiesen und mittig als "Die Dame mit dem Hündchen" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Wie das Herrchen, so das Hundchen - Wie das Herrchen, so das Hundchen lässt sich hier auf die Grande Dame und ihren Vierbeiner übertragen. Die (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Die Dame mit dem Hündchen, 1971. Lithographie, 33 cm x 26 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]71" datiert, unten links als Exemplar Nr. 77/100 ausgewiesen und mittig als "Die Dame mit dem Hündchen" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Wie das Herrchen, so das Hundchen - Wie das Herrchen, so das Hundchen lässt sich hier auf die Grande Dame und ihren Vierbeiner übertragen. Die Bildung der Physiognomien ist bis in die Farbgebung hinein analog, wobei die körperliche Erscheinung - wie für die Körperformung von Reiner Schwarz üblich - durch sich hervorwölbende Partien gestaltet wird. Dies kollidiert mit der prätendierten Schönheit der Dame. Sie weist aber dennoch eine mit dem Antlitz des Hundes korrespondierende Dignität auf, die in den beide Wesen miteinander verbindenden Blüten als Schönheit zutage tritt. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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M.C.R. / Frank Breidenbruch / Gianni Cascone: 1,2,3 - Beginning with the Darkest Dream, (signiert),

hrsg. von Gli Ori,
Gli Ori Editori Contemporanei, Pistoia, 2001.

8°, 152 S. (die wohl gedruckte handschriftliche Paginierung der Seiten kommt auf 136 S.) mit zahlreichen s/w-Abbildungen von Zeichnungen, Text: deutsch, illustr. original Kartonage (Paperback),

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Baltz, Lewis: Lewis Baltz: Extracts from 3 videos 1992-1994,

Text: Carl Aigner,
Turia & Kant / Galerie Fotohof, Wien, 1995.

quer4°, 16 S. mit wenigen Farb- und s/w-Abbildungen (Videostills), original Kartonage (geheftet) mit dem illustr. original Schutzumschlag,

45.00 EUR

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Haas, Willibrord: Willibrord Haas (*1936), Steigend, 1980

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Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Steigend, 1980. Radierung, 35 cm x 22 cm (Plattengröße), 53,5 cm x 38 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "1980" datiert als "Steigend" betitelt und mit "Zustandsdruck" ausgewiesen. - ausgezeichnet erhaltener Probedruck Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf Deutsch "nackt, bloß", man kennt ignudo (mehr anzeigen)

Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Steigend, 1980. Radierung, 35 cm x 22 cm (Plattengröße), 53,5 cm x 38 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "1980" datiert als "Steigend" betitelt und mit "Zustandsdruck" ausgewiesen. - ausgezeichnet erhaltener Probedruck Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf Deutsch "nackt, bloß", man kennt ignudo als Singular männlich, entsprechend sind die vielen herrlichen nackten Jünglingsgestalten Michelangelos, die die Ecken in den Deckenmalereien der sixtinischen Kapelle zieren -ignudi-. [.] Dieser Begriff insinuiert die Abwesenheit von Scham, der Begriff -nackt-, dagegen, ist voller Peinlichkeit." "Die Männergestalten präsentieren sich von Scham befreit ohne jedoch die Grenze zur Obszönität zu überschreiten, auch wenn der sexuelle Eros die "Triebfeder" der Darstellung ist: "Was nicht nur mir auffällt, dass Teile, die sonst unter der Schamgrenze liegen, bei mir in den Mittelpunkt rücken, und ich dabei auch noch Spaß empfinde!" Willibrord Haas zum Künstler Willibrord Haas studierte von 1954 bis 1960 an der Münchner Kunstakademie bei Hermann Kaspar, Richard Seewald, Charles Crodel und Georg Schmidt. Zudem besuchte er Universitätsveranstaltungen bei dem Kunsthistoriker Hans Sedlmayr und dem Religionsphilosophen Romano Guardini. Nach seinem Abschluss als Meisterschüler wurde Haas in Berlin ansässig, wo er zusammen mit seiner Ehefrau, der Künstlerin Helga Wirth, 1972 eine eigene Radierwerkstatt einrichtete. Für seine künstlerische Entwicklung war die Begegnung mit Joseph Beuys wegweisend, den er 1967 in seinem Düsseldorfer Atelier besuchte. Von Beuys künstlerischem Denken inspiriert, entwickelte er die für sein weiteres Oeuvre charakteristischen von einer nach außen abstrahlenden Energetik getragenen Farbwelten, die er selbst als ,Seelenlandschaften' bezeichnet. Darüber hinaus hat Haas aber immer wieder insbesondere männliche Akte gestaltet, die ebenfalls von einer energetischen Vitalität beseelt sind. "... das kleine Blättchen liegt vor mir, ich habe die völlige Freiheit, ich kann Alles daraus machen, ein kleines Königreich, keiner kann mir reinreden, und oft gelingt der spontane Zauber aus Tröpfchen, Linien, Flächen und ich habe ein kleines Glück erschaffen." Willibrord Haas (weniger anzeigen)

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Fischli, Peter / David Weiss: Der Lauf der Dinge, VHS-Kassette,

DuMont (= DuMont creativ / Video-Edition), Köln, 1990.

8°, 1 Videokassette, VHS, Laufzeit 30 Min., in der illustr. original Klapphülle,

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Berlin / Auktionskatalog: Sammlung seltener Ansichten von Berlin und Umgebung - Graphische Arbeiten Berliner Künstler darunter seltene Blätter von Bolt, Chodowiecki, Dörbeck, Fr.

Hollstein & Puppel, Berlin, 1913.

Krüger, Schadow, G. F. Schmidt; Städteansichten Deutschland und Ausland meist in Farben, Bildnisse, Deutscher Adel, Musiker, Schauspieler, Gelehrte etc. Versteigerung zu Berlin, Montag, den 20. Oktober 1913 durch Hollstein & Puppel, Kunstantiquariat, Berlin,. 8°, 56 S. mit insg. 892 Positionen sowie XI Tafseiten mit s/w-Abb., original Kartonage (Paperback),

35.00 EUR

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Laeuger, Max (Umkreis): Kunsttöpferei Kandern, Bauchige Vase Verlaufsglasur, um 1920. Umkreis Max Laeuger

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ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Bauchige Vase mit tonfarbener Verlaufsglasur auf schwarzblauem Grund, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,780' ausgewiesen, 19 cm (Höhe) x 12,5 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 9,5 cm. - zwei retuschierte Chips an der Mündung, minimale Kratzspuren im Fond, ansonsten sehr gut erhalten - Innerer Überfluss - Die einfache wie bestechende künstlerische Idee besteht darin, (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Bauchige Vase mit tonfarbener Verlaufsglasur auf schwarzblauem Grund, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,780' ausgewiesen, 19 cm (Höhe) x 12,5 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 9,5 cm. - zwei retuschierte Chips an der Mündung, minimale Kratzspuren im Fond, ansonsten sehr gut erhalten - Innerer Überfluss - Die einfache wie bestechende künstlerische Idee besteht darin, die gebauchte Vase mit einer schwarzblauen Glasur zu versehen, über die eine tonfarbene Verlaufsglasur hinabläuft. Dies führt zu einer Figur-Grund-Umkehr, da doch eigentlich der Korpus tonfarben ist bevor er glasiert wird. Mit der Tonfarbe läuft hier also das Material selbst über den glasierten Korpus, so dass das Innere zum Äußeren wird. Indem der Mündungswulst ganz tonfarben gehalten ist, entsteht der Eindruck als ob die Verlaufsglasur aus dem Inneren herausfließen würde, wodurch die Vase ästhetisch zur Quelle ihres eigenen Materials wird. Der starke Kontrakt zum blauschwarzen Grund hebt den tonfarbenen Verlauf hervor, welcher durch den Nachvollzug der bauchigen Form seinerseits den blauschwarzen Korpus präsenter werden lässt. Da der Verlauf bei jeder Vase jeweils anders erfolgt, weist jedes Exemplar den Charakter eines Unikats auf. zur Kunsttöpferei Kandern Nachdem sich Max Laeuger bereits seit 1892 intensiv in Kandern und Karlsruhe mit der Gestaltung von Keramik beschäftigt hatte, gründete er 1897 die Prof. Laeuger'sche Kunsttöpferei als Teil der Tonwerke Kandern. Unter seiner bis 1913 währenden Leitung entstanden 738 Muster für Gefäße und 320 baukeramische Vorlagen. Die ausgeführten Werke sind mit der Pressmarke der in ein Quadrat gefassten Buchstaben ,MLK' versehen. Laeuger führte neue künstlerische Techniken in die Töpferei ein. Neben der effektvollen Verlaufsglasur insbesondere die an der Pâte sur Pâte-Technik der Porzellangestaltung orientierte Schlickermalerei, bei der mit eingefärbter Tonmasse auf den Tonkorpus gemalt wird. Dies führt zu reliefartigen Effekten und ermöglicht die Kreation ganz neuer Muster. Vermittels dieser Techniken hat Laeuger die Ornamentik des Jugendstils auf eine am Material orientierte innovativ abstrahierende Weise in die Töpferei überführt und damit die moderne Künstlerkeramik begründet. Diese Neuerungen waren keineswegs auf das vermeintlich künstlerisch irrelevante Gebiet des Kunstgewerbes beschränkt. Vielmehr ging gerade vom Kunsthandwerk ein neuer gesellschaftsreformatorischer künstlerischer Anspruch aus, der sich auch darin niederschlägt, dass Laeuger 1907 den Deutschen Werkbund mitbegründete. Nach seinem Weggang aus Kandern richtete sich Laeuger 1916 in Karlsruhe eine eigene Keramikwerkstatt ein, wo er bis 1944 etwa 5000 Keramiken schuf und zwischen 1921 und 1929 die auf Initiative von Hans Thoma und Wilhelm Süs gegründete Staatliche Majolika Manufaktur Karlsruhe mit Entwürfen belieferte. In Kandern übernahm Hermann Hakenjos sen. ab 1920 die im künstlerischen Geiste Laeugers weiterführte Kunsttöpferei, deren Produkte mit den geritzten, in ein Quadrat eingeschriebenen Buchstaben ,KTK' gemarkt wurden. 1927 gründete Hakenjos zusammen mit dem Keramiker Richard Bampi die Fayence-Manufactur Kandern. Ihre Erzeugnisse tragen die Stempelmarke der in ein Dreieck eingelassenen Buchstaben ,FMK'. (weniger anzeigen)

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Der Ackermann und der Tod, um 1948

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Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Der Ackermann und der Tod, um 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 16,8 cm x 15,8 cm (Darstellung), 42 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert. - Der breite Blattrand etwas gewellt, minimal lichtrandig, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Aussaat und Ernte - Rudolf Nehmer reflektiert mit diesem Bild die unmittelbare katastrophale Vergangenheit. Dazu bezieht er sich auf die (mehr anzeigen)

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Haberl, Heinrich (1869-1934): Sturmhaube, um 1900

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ARCADIA ART Heinrich Haberl (1869 Passau bis 1934 München), Sturmhaube, um 1900. Kaltnadelradierung, 14 x 10 cm (Plattenrand), 28 x 21 cm (Blattgröße), 39 x 29 cm (leinenüberzogenes Passepartout), links unten in Blei mit "Sturmhaube" betitelt und mit "Kaltnadelradierung" bezeichnet, rechts unten mit "Heinrich Haberl Mchn. [München]" handsigniert und ortsbezeichnet, verso nochmals in Blei bezeichnet und mit altem Sammlungsstempel. - leicht nachgedunkelt und am Passepartout fixiert - Das (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Heinrich Haberl (1869 Passau bis 1934 München), Sturmhaube, um 1900. Kaltnadelradierung, 14 x 10 cm (Plattenrand), 28 x 21 cm (Blattgröße), 39 x 29 cm (leinenüberzogenes Passepartout), links unten in Blei mit "Sturmhaube" betitelt und mit "Kaltnadelradierung" bezeichnet, rechts unten mit "Heinrich Haberl Mchn. [München]" handsigniert und ortsbezeichnet, verso nochmals in Blei bezeichnet und mit altem Sammlungsstempel. - leicht nachgedunkelt und am Passepartout fixiert - Das Ziel im Visier - zum Kunstwerk Das theatralische "Rollenporträt" ist vor dem Hintergrund der am Ende des 19. Jahrhunderts kulminierenden Rembrandtverehrung zu sehen. Der Soldat scheint geradewegs der Nachtwache (1642) Rembrandts entstiegen zu sein, um mit wachem und bereitem Blick etwas außerhalb des Bildes zu fixieren. Dabei verleiht die steil nach oben zusammenlaufende Krempe des Morion dem Blick eine Rahmung, wodurch der Blick als eigentliche ,Bildhandlung' perspektiviert wird. Der Blick steht gleichermaßen für die wachsame Verteidigung wie für das visionäre Ziel des Kampfes ein. Nicht allein das Motiv, auch der Duktus der Radiernadel entspringt dem damaligen Rembrandtverständnis. In einer virtuos freien Strichführung werden starke Hell-Dunkel-Kontraste erzeugt, ohne dass dadurch die Wirkungen der Reflexe auf dem Helm und in den Augen verlorengehen würden. Hierin zeigt sich eine Verwandtschaft mit den frühen Grafiken von Lovis Corinth, der sich als Künstler ebenfalls in der Rolle des Ritters sieht. Vor diesem Hintergrund ist auch Haberls Bild als Darstellung seines künstlerischen Selbstverständnisses zu betrachten. zum Künstler Heinrich Haberl war zunächst an der Nürnberger Kunstschule und studierte ab 1892 an der Münchner Akademie. Dort war er Meisterschüler bei Johann Leonhard von Raab, Rudolf von Seitz, Franz von Defregger und Peter von Halm. Fortan in München ansässig, beschickte er ab 1897 den Münchner Glaspalast mit Radierungen und war auf der Großen Berliner Kunstausstellung, der Dresdner Kunstausstellung und der Leipziger Buchgewerbeausstellung vertreten. Zwischen 1902 und 1904 war er Illustrator der Zeitschrift ,Jugend'. Auswahlbibliographie Thieme-Becker, Allgemeines Lexikon der bildenden Künstler, Bd. XV, Leipzig 1922, S 396. Sauer, Allgemeines Künstler-Lexikon, Bd. 67, Berlin - New York, S. 81. (weniger anzeigen)

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Benter, Lotte: Royal Copenhagen Figur von Lotte Benter, Mädchen in Bornholmer Tracht, Entwurf um 1925, Ausführung 1967. Modellnummer 1323.

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Lotte Benter, Mädchen in Bornholmer Tracht, Entwurf um 1925, Ausführung 1967. Modellnummer 1323. Erste Wahl. Porzellan mit Unterglasurmalerei. 21 cm (Höhe) x 12 cm (Länge) x 10 cm (Tiefe). Unter dem Boden mit der Signatur von Lotte Benter versehen, gemarkt und nummeriert. - tadellos erhalten - Nur noch der Zopf - Zu einem besonderen Anlass hat das Mädchen aus Bornholm die Tracht der Insel angelegt. Sie ist gerade noch dabei, einen Zopf zu flechten. Konzentriert blickt sie auf eine (mehr anzeigen)

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Leoprechting, Marquart Freiherr von (1839-1897) zugeschrieben: Familienszene

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ARCADIA ART Marquard von Leoprechting (1839 Straubing - 1897 München) zugeschrieben. Familienszene. Bleistift und Feder, 17,2 x 21,5 cm (Sichtmaß), 29,8 x 34,8 cm (Rahmen), verso etikettiert. Unter Glas gerahmt. zum Werk Die Zeichnung zeigt eine familiäre Gesellschaft bei Tisch. Dabei handelt es sich nicht um ein repräsentatives Familienbild, sondern um den intimen Einblick in das alltägliche Geschehen mit seinen beiläufig-charakteristischen Handlungen, wie es Daniel Nikolaus (mehr anzeigen)

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Faesch, Emil (1865-1915): Studienkopf, 1888

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ARCADIA ART Emil Faesch (1865 Basel - 1915 Basel). Studienkopf. Kohle auf Malkarton, 60 x 47,5 cm (Blattmaß), rechts unten signiert und datiert "E. Faesch. 1888.". Minimal braunfleckig. zum Werk Der lebensgroße Kopf entfaltet eine ungemein gegenwärtige Präsenz. Diese Wirkung resultiert daraus, dass sich Faesch an akademisch-klassizistischen Büsten orientiert, den Kopf jedoch bis in die Wimpern und die Augenliedfalten hinein naturalistisch ausformt, wodurch die Distanz der (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Emil Faesch (1865 Basel - 1915 Basel). Studienkopf. Kohle auf Malkarton, 60 x 47,5 cm (Blattmaß), rechts unten signiert und datiert "E. Faesch. 1888.". Minimal braunfleckig. zum Werk Der lebensgroße Kopf entfaltet eine ungemein gegenwärtige Präsenz. Diese Wirkung resultiert daraus, dass sich Faesch an akademisch-klassizistischen Büsten orientiert, den Kopf jedoch bis in die Wimpern und die Augenliedfalten hinein naturalistisch ausformt, wodurch die Distanz der klassizistischen Idealität auf eine Unmittelbarkeit hin durchbrochen wird. Die damit erzielte Lebendigkeit kulminiert paradoxerweise gerade darin, dass der Dargestellte offensichtlich den Lebensatem ausgehaucht hat. Dadurch wird die gegenwärtige Präsenz wieder in die Ewigkeit des Steins überführt, in dessen spezifischer Materialität das Antlitz und insbesondere des Haare aufschimmern, während der Oberkörper den Stein deutlich ausstellt. Der zunächst als Zeichner und Modellierer ausgebildete Architekt Emil Faesch, den dieses Metier im Rahmen seiner Tätigkeit als Lehrer der Gewerbeschule Basel auch weiterhin beschäftigen sollte, hat hier eine beeindruckende Neuinterpretation des akademischen Studienkopfes geschaffen, dem er neues Lebens einhaucht, wodurch ihn zugleich der Hauch des Todes umgibt. zum Künstler Emil Faesch entstammt der berühmten Basler Goldschmiede-Familie Faesch. Bereits in jungen Jahren besucht der künstlerisch begabte Faesch die Basler Zeichen- und Modellierschule, wo er bei Fritz Schider lernt. Nach einer Lehre im Architekturbüro Vischer & Fuerter, setzt er seine Ausbildung als Architekt mit einem Studium an der TH München bei August und Friedrich Thiersch fort. 1892 erfolgt eine Berufung als Konservator an das Basler Gewerbemuseum. Ab 1893 unterrichtet er an der angegliederten Gewerbeschule. 1897 tritt er von seinen Ämter zurück, um sich fortan als freier Architekt zu betätigen. Faesch errichte zahlreiche das Stadtbild prägende öffentlichen Gebäude, aber auch Brückenbauten. Darunter die prominente Mittlere Rheinbrücke in Basel. Auswahlbibliographie Saur allgemeines Künstlerlexikon. Die bildenden Künstler aller Zeiten und Völker, Bd. 36, S. 192. (weniger anzeigen)

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Crasser, Judith: Ein Hauch von Schnipseln - Das Verfahren der Collage als Mittel der Inspiration, (signiert),

Diplomarbeit Merz Akademie, Hochschule für Gestaltung Stuttgart,
im Selbstverlag, Stg, 2011.

8°, 128 S. mit zahlreichen oftmals ganzseitigen Farb-Abbildungen von Collagen und dem Collagen-Material, original Halbleinen-Einband mit dicken schwarzen Pappdeckeln mit weißer Deckelbeschriftung und -Einbandverzierung,

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Kowalczewski, Paul Ludwig: Paul Ludwig Kowalczewski (1865-1910), Feldarbeiter mit Rechen, um 1900

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Paul Ludwig Kowalczewski (1865 Mieltschin - 1910 Berlin), Feldarbeiter mit Rechen, um 1900. Braun und braun-grünlich patinierte Bronze mit gegossener naturalistischer Plinthe auf weißgeädertem Marmorsockel (10 cm Höhe) montiert, Gesamthöhe 50 cm. Maße der Bronze: 40 cm (Höhe), x 16 cm (Breite) x 13 cm (Tiefe), Gewicht 10,8 kg. Auf der Plinthe mit "P.[aul] L.[udwig] Kowalczewski." signiert und zudem mit dem Kürzel "fc. [fecit]" als Werk des Künstlers ausgewiesen. - vereinzelt leicht (mehr anzeigen)

Paul Ludwig Kowalczewski (1865 Mieltschin - 1910 Berlin), Feldarbeiter mit Rechen, um 1900. Braun und braun-grünlich patinierte Bronze mit gegossener naturalistischer Plinthe auf weißgeädertem Marmorsockel (10 cm Höhe) montiert, Gesamthöhe 50 cm. Maße der Bronze: 40 cm (Höhe), x 16 cm (Breite) x 13 cm (Tiefe), Gewicht 10,8 kg. Auf der Plinthe mit "P.[aul] L.[udwig] Kowalczewski." signiert und zudem mit dem Kürzel "fc. [fecit]" als Werk des Künstlers ausgewiesen. - vereinzelt leicht berieben und minimal fleckig, insgesamt in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand - Die Demut des Landarbeiters - Paul Ludwig Kowalczewski, selbst in einer ländlichen Region in Posen herangewachsen, erhebt den Feldarbeiter zum eigenständigen Bildsujet. Allerdings nicht als neuer Heros der Zeit, wie insbesondere der den Fortschritt voranbringende Metallarbeiter dargestellt wurde, sondern als demütigen älteren Mann. Nach getaner Arbeit, die von der Terrainplinthe angedeuteten wird, hat der barfüßige Feldarbeiter seinen Hut gezogen, um barhäuptig ein Gebet zu sprechen. Dabei stützt er sich auf sein Arbeitsgerät - einen einfachen Rechen. Ganz so, wie es in der Bibel nach der Vertreibung aus dem Paradies heißt hat er über die inzwischen fortgeschritten Lebensjahre hinweg im Schweiße seines Angesichts gearbeitet. Eine Last, die seinem gekrümmten Rücken abzulesen ist. Er mag mit halb geschlossenen Augen in sich gesammelt das Vaterunser sprechen und bei der Zeile "Unser tägliches Brot gib uns heute" angelangt sein. Ein Dank für das tägliche Brot, an dessen Herstellung der Feldarbeiter mitwirkt, und zugleich die Bitte um eine Speisung der Seele, da der Mensch nicht vom Brot allein lebt. zum Künstler Paul Ludwig Kowalczewski studierte von 1895 bis 1898 an der Berliner Akademie der Künste Bildhauerei. Ab 1899 bis 1906 stellte der bereits mit 45 Jahren verstorbene Künstler auf der Großen Berliner Kunstausstellung Salonbronzen und bis zu lebensgroße Büsten aus. Kowalczewski gehörte zu den ersten Künstlern, die Arbeiter und Bauern in der Bronzeplastik darstellen. (weniger anzeigen)

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Art Agency, Oldenburg, 1969.

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Verlag von Bruno Cassirer, Berlin, 1907.

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hrsg. von Gli Ori, Gli Ori Editori Contemporanei, Pistoia, 2001.

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Text: Carl Aigner, Turia & Kant / Galerie Fotohof, Wien, 1995.

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Gli Ori Editori Contemporanei, Pistoia, 2001.

Text: Carl Aigner,
Turia & Kant / Galerie Fotohof, Wien, 1995.

Diplomarbeit Merz Akademie, Hochschule für Gestaltung Stuttgart,
im Selbstverlag, Stg, 2011.