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Tappert, Georg: Georg Tappert (1880-1957), Die Mutter, 1918 (1964)

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Georg Tappert (1880 Berlin - 1957 Berlin), Die Mutter, 1918 (1964). Nachlassdruck von 1964. Linolschnitt auf Japan, 31,5 cm x 20 cm (Darstellung), 44,5 cm x 28 cm (Blattgröße), unten links in Blei als Exemplar 6/20 ausgewiesen, rückseitig mit dem Nachlassstempel versehen und von der Frau des Künstlers, Anneliese Tappert, signiert. - im linken Randbereich oben und unten mit minimalem Wasserrand, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Geschändete Mutterschaft - Mit flehend erhobenen Armen (mehr anzeigen)

Georg Tappert (1880 Berlin - 1957 Berlin), Die Mutter, 1918 (1964). Nachlassdruck von 1964. Linolschnitt auf Japan, 31,5 cm x 20 cm (Darstellung), 44,5 cm x 28 cm (Blattgröße), unten links in Blei als Exemplar 6/20 ausgewiesen, rückseitig mit dem Nachlassstempel versehen und von der Frau des Künstlers, Anneliese Tappert, signiert. - im linken Randbereich oben und unten mit minimalem Wasserrand, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Geschändete Mutterschaft - Mit flehend erhobenen Armen und zum Himmel gerichtetem Blick steht die Mutter auf den Köpfen ihrer toten Kinder. Es sind die unzähligen sinnlos gestorbenen Kriegsopfer, mit denen die Heiligkeit der Mutterschaft geschändet wurde. Im Hintergrund löst sich die Stadt ist einer expressionistischen Kaskade der grauenhaften himmelstürzenden Ereignisse auf. De Arme und der Heiligenschein der Mutter kommen mehrfach zur Darstellung, wodurch die trauernde Klage zur Bewegung wird. Georg Tappert schafft hier ein ergreifendes expressionistisches ,Kriegsdenkmal' im Rückgriff auf die sakrale Kunst der Vergangenheit. zum Künstler Nach dem Studium an der Kunstakademie Karlsruhe von 1900 bis 1903 und einem Intermezzo an der lebensreformatorischen Kunstschule Burg Saaleck kehrte Georg Tappert 1905 nach Berlin zurück, wo seine Werke von Paul Cassirer ausgestellt wurden. Von 1906 bis 1908 lebte Tappert in der Künstlerkolonie Worpswede und betrieb dort eine Kunstschule. Sein bedeutendster Schüler war der im Ersten Weltkrieg verstorbene Wilhelm Morgner, dessen Nachlass später von Tappert bearbeitet wurde. In Worpswede schloss er Bekanntschaft mit Paula Modersohn-Becker, deren Kunst sie inspirierte. Nachdem, wieder zurück in Berlin, seine Werke 1910 von der ,Berliner Secession' abgelehnt worden waren, gründete Georg Tappert zusammen mit Max Pechstein die bis 1914 bestehende ,Neue Secession', zu der auch Franz Marc und Wassily Kandinsky gehörten, so dass in der ,Neuen Secession' Künstler der ,Brücke' und des ,Blauen Reiters' vereint waren. 1911 rief er zusammen mit Käthe Kollwitz die Berliner Ausstellung der "Juryfreien" ins Leben, 1918 war er Mitbegründer der ,Novembergruppe' und des ,Arbeitsrats für Kunst'. 1921 erfolgte der Ruf zum Professor an der stattlichen Kunstschule. Die Nationalsozialisten enthoben ihn 1937 seines Amtes und entfernten im selben Jahr zahlreiche seiner Werke als ,entartet' aus Museen. Tappert zog sich in die innere Emigration zurück und malte hauptsächlich Landschaftsbilder. Nach dem Kriegende widmete er sich dem Wiederaufbau der Hochschule für Kunsterziehung, die er mit der von Karl Hofer geleiteten Hochschule der Künste zusammenlegte. (weniger anzeigen)

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Häusler, Ingrid: Traumwesen, um 1910

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ARCADIA ART Ingrid Häusler. Traumwesen. Scherenschnitt, 14 x 26,5 cm (Darstellungsgröße), 34,5 x 44 cm (Blattgröße), rechts unten signiert "Ingrid Häusler.", um 1910. Bildträger insbesondere außerhalb der Darstellung stockfleckig zum Werk Scheinen die filigran ausgeführten Spielfiguren, die Mädchenpuppe links mit ihrem nach oben abstehenden Zopf, die Katze auf dem Schaukelpferd daneben und der dösende Kasper auf der anderen Seite des Bettes ein surreales Eigenleben zu führen, (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Ingrid Häusler. Traumwesen. Scherenschnitt, 14 x 26,5 cm (Darstellungsgröße), 34,5 x 44 cm (Blattgröße), rechts unten signiert "Ingrid Häusler.", um 1910. Bildträger insbesondere außerhalb der Darstellung stockfleckig zum Werk Scheinen die filigran ausgeführten Spielfiguren, die Mädchenpuppe links mit ihrem nach oben abstehenden Zopf, die Katze auf dem Schaukelpferd daneben und der dösende Kasper auf der anderen Seite des Bettes ein surreales Eigenleben zu führen, erscheinen auf der Wand über dem Bettchen des schlafenden Mädchen phantastische Traumgestalten, die in wildem Ritt vorbeiziehen und die Schlafende in eine andere Welt entführen. Besonders eindrucksvoll und irritierend zugleich wirkt das Spiel der Realitätsebenen durch das transparente Papier, vor dem die "surreale" Kinderstube situiert ist, während dahinter die "reale" Traumwelt beginnt. Der im asiatischen Raum wahrscheinlich als Schablonen für Porzellanmalerei bereits im 12. Jahrhundert gebräuchliche Scherenschnitt ging in Westeuropa aus der im 18. Jahrhundert verbreiteten Kunst des Schattenrisses hervor. Benannt nach dem französischen Finanzminister Étienne de Silhouette, auf dessen sprichwörtlichem Geiz die Anekdote basiert, er habe sein Haus statt mit Ölbildern mit schwarzen Scherenschnitten ausgestattet, war die in den 30er Jahren des 18. Jahrhunderts aufkommende Bezeichnung ,Silhouette' zunächst ein negativer Ausdruck für ,billige Kunst'. Die Silhouette knüpfte jedoch an eine Tradition an, welche ihre abwertende Bedeutung schnell überblendete. Nach der von Plinius dem Älteren überlieferten Legende ist der Schattenriss nämlich der eigentliche Ursprung der Malerei: Eine junge Korintherin hatte den Schatten des Kopfes ihres zur Seefahrt aufbrechenden Geliebten auf einer Wand nachgezeichnet. Diese Legende beinhaltet jene beiden wesentlichen Momente, die den Schattenriss in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts zu einer alle Gesellschaftsschichten durchziehende Mode hat werden lassen. Zum einen stellt der Schattenriss ein authentisches Abbild her, zum anderen ist er eine Projektionsfläche der Sehnsucht. Aus dieser Verbindung von Realismus und Imaginationspotenzial schöpft der von der Darstellung des menschlichen Profils losgelöste Scherenschnitt. Der Schatten wird zum künstlerischen Material, mit dem szenische Darstellungen geschaffen werden, die eine hohe Affinität zum Märchenhaft-Phantastischen aufweisen und dabei zugleich authentisch wirken. Daher war der Scherenschnitt nicht allein für die Aufklärung und Empfindsamkeit, sondern ebenfalls für die Romantik, den Klassizismus und das Biedermeier relevant. Diese Kunst erfreute sich bis ins zwanzigste Jahrhundert hinein großer Beliebtheit und wurde von so unterschiedlichen Künstler wie Philipp Otto Runge und Henri Matisse ausgeübt. (weniger anzeigen)

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Raffgier, 1948

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Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Raffgier, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 12,5 cm x 17,5 cm (Darstellung), 45 cm x 30,5 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 6,19" bezeichnet. - Der breite Blattrand teilweise leicht bestoßen und mit minimalen Knickspuren, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Die Armut des Reichtums - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, (mehr anzeigen)

Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Raffgier, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 12,5 cm x 17,5 cm (Darstellung), 45 cm x 30,5 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 6,19" bezeichnet. - Der breite Blattrand teilweise leicht bestoßen und mit minimalen Knickspuren, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Die Armut des Reichtums - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges geschaffenen bildlichen Auslegung der Bergpredigt (Matth. 5,1-7,29). Das Blatt veranschaulicht den Vers: Ihr sollt euch nicht Schätze sammeln auf Erden, da sie die Motten und der Rost fressen und da die Diebe nachgraben und stehlen (Matth. 6,19). Die Hände wirken vom habgierigen Festhalten wie ausgedörrt, während der Blick mit panisch geweiteten Augen über das Bild hinausreicht. Eine Allusion auf die vermeintlich beständig virulente Gefahr, bestohlen zu werden. Das Vermögen wird nicht besessen, es besitzt den Besitzer. zum Künstler Rudolf Nehmer studierte von 1932 bis 1934 in Dresden an der von Ernst Oskar Simonson-Castelli gegründeten privaten Kunstakademie bei Woldemar Winkler und war - nach einem kurzen Intermezzo an der Kunstakademie - bis 1936 Schüler im Atelier von Willy Kriegel. Nach einer ersten Einzelausstellung im Jahre 1935 in der bis in die NS-Zeit hinein progressiven Dresdner Kunstausstellung Kühl, war Nehmer in den Folgejahren in den Großen Deutschen Kunstausstellungen vertreten. 1938 weilte er in Worpswede. Ab 1941 war er Soldat an der Westfront und in Dänemark und kehrte 1945 aus britischer Kriegsgefangenschaft nach Dresden zurück. Nach dem Kriegsende erfolgte bereits 1945 die erste Einzelausstellung. Nehmer war Mitbegründer der Künstlervereinigung ,Das Ufer - Gruppe 1947' und war 1951 Gründungsmitglied der Künstlergenossenschaft ,Kunst und Zeit'. In der DDR erfolgten zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen, die in einer Retrospektive anlässlich seines 60. Geburtstags in der Galerie Neuer Meister gipfelte. (weniger anzeigen)

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(2 BÄNDE) Mayer 1998. 120.000 Auktionsergebnisse. Graphik Zeichnungen Aquarelle Gemälde Skulpturen. Internationales Aukionsjahrbuch. Band I : A-J / Band II: K-Z.

Lausanne, Acatos Verlag, 1998.

5306 S.; 24 cm; 2 fadengeheftete Orig.-Pappbände mit OUmschlägen.

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Tappert, Georg: Georg Tappert (1880-1957), Kopf, 1918 (1964)

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Georg Tappert (1880 Berlin - 1957 Berlin), Kopf, 1918 (1964). Wietek 110. Nachlassdruck von 1964. Linolschnitt auf Japan, 17 cm x 24,5 cm (Darstellung), 24 cm x 31,5 cm (Blattgröße), unten links in Blei als Exemplar 4/10 ausgewiesen, rückseitig mit dem Nachlassstempel versehen und von der Frau des Künstlers, Anneliese Tappert, signiert. - leichte Knickspur im oberen Randbereich, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Mentales Kriegsgewitter - Inmitten der Strukturen einer sich auflösen (mehr anzeigen)

Georg Tappert (1880 Berlin - 1957 Berlin), Kopf, 1918 (1964). Wietek 110. Nachlassdruck von 1964. Linolschnitt auf Japan, 17 cm x 24,5 cm (Darstellung), 24 cm x 31,5 cm (Blattgröße), unten links in Blei als Exemplar 4/10 ausgewiesen, rückseitig mit dem Nachlassstempel versehen und von der Frau des Künstlers, Anneliese Tappert, signiert. - leichte Knickspur im oberen Randbereich, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Mentales Kriegsgewitter - Inmitten der Strukturen einer sich auflösen Welt formt sich ein in diese Auflösung hineingezogener Kopf. Die Augen des Gesichts sind geschlossen, so dass die Welt als Traumgesicht erscheint, als ob der als expressionistisches Fanal anfänglich begrüßte Krieg nun den Kopf durchzuckt und auch über den Krieg hinaus seine Fortsetzung findet. zum Künstler Nach dem Studium an der Kunstakademie Karlsruhe von 1900 bis 1903 und einem Intermezzo an der lebensreformatorischen Kunstschule Burg Saaleck kehrte Georg Tappert 1905 nach Berlin zurück, wo seine Werke von Paul Cassirer ausgestellt wurden. Von 1906 bis 1908 lebte Tappert in der Künstlerkolonie Worpswede und betrieb dort eine Kunstschule. Sein bedeutendster Schüler war der im Ersten Weltkrieg verstorbene Wilhelm Morgner, dessen Nachlass später von Tappert bearbeitet wurde. In Worpswede schloss er Bekanntschaft mit Paula Modersohn-Becker, deren Kunst sie inspirierte. Nachdem, wieder zurück in Berlin, seine Werke 1910 von der ,Berliner Secession' abgelehnt worden waren, gründete Georg Tappert zusammen mit Max Pechstein die bis 1914 bestehende ,Neue Secession', zu der auch Franz Marc und Wassily Kandinsky gehörten, so dass in der ,Neuen Secession' Künstler der ,Brücke' und des ,Blauen Reiters' vereint waren. 1911 rief er zusammen mit Käthe Kollwitz die Berliner Ausstellung der "Juryfreien" ins Leben, 1918 war er Mitbegründer der ,Novembergruppe' und des ,Arbeitsrats für Kunst'. 1921 erfolgte der Ruf zum Professor an der stattlichen Kunstschule. Die Nationalsozialisten enthoben ihn 1937 seines Amtes und entfernten im selben Jahr zahlreiche seiner Werke als ,entartet' aus Museen. Tappert zog sich in die innere Emigration zurück und malte hauptsächlich Landschaftsbilder. Nach dem Kriegende widmete er sich dem Wiederaufbau der Hochschule für Kunsterziehung, die er mit der von Karl Hofer geleiteten Hochschule der Künste zusammenlegte. (weniger anzeigen)

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Kristian Knaack: Der Kunst - Schatz des Führers. Die Kammler - Akte.

Tübingen, Grabert, 2010.

223, (2) Seiten. Mit mehreren Abbildungen. Original-Leinwand-Einband mit farbig illustriertem Schutzumschlag. Frisches Exemplar! 23x15 cm

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Adam, Christian: Christian Adam (1941-2021), Der Nachbar, 1987

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Christian Adam (1941 Oppeln - 2021 Heidelberg), Der Nachbar, 1987. Offsetdruck, 12 x 17,5 cm (Darstellung), 29,5 x 40 cm (Blattgröße), in Blei mit der Künstlerligatur "Aci" versehen, auf "[19]87" datiert, als Nummer "19/50" ausgewiesen und mit "Der Nachbar ([Zustand] III)" betitelt. - Grafik in sehr gutem Erhaltungszustand - Gefangener seiner selbst - In gekonnten, wie hingeworfen wirkenden Konturlinien sehen wir den "Nachbarn" in einer tierähnlichen Pose aus dem Fenster blicken. Er steht (mehr anzeigen)

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Adam, Christian: Christian Adam (1941-2021), Die kleine Seejungfrau, 1987

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Christian Adam (1941 Oppeln - 2021 Heidelberg), Die kleine Seejungfrau, 1987. Offsetdruck, 16,5 x 13 cm (Darstellung), 40 x 29,5 cm (Blattgröße), in Blei mit der Künstlerligatur "Aci" versehen, auf "[19]87" datiert, als Nummer "17/50" ausgewiesen und mit "Die kleine Seejungfrau ([Zustand] III)" betitelt. - obere Blattkante minimal angestaubt, sonst in sehr gutem Erhaltungszustand - Die kleine Seejungfrau als Sardine - In gekonnten, wie hingeworfen wirkenden Konturlinien sehen wir einen (mehr anzeigen)

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Treese, Anselm (Gestaltung und Fotos): Rückblick 1982-1955

Neuauflage, Dortmund, 1982.

Broschur, mit s/w-Deckelphoto, gr. DinA 4, quadratisch, größeres Format, etwa 44 Seiten, fast reiner Bildband mit sw-Photos, nur wenig Textseiten mit Text von Werner Warsinsky u.a., eingeklebte Widmungs-Karte mit Unterschrift des Künstlers (von 1983) mit Farbfoto auf dem Vorsatzblatt, beiliegende Wegbeschreibung und Preisliste der (damals) noch zu erwerbenden Objekte (in DM), Einband mit einigen Gebrauchsspuren, stark fleckig, beschabt, berieben und bestoßen, eingeklebte Widmung rundum (mehr anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Mäuschen, 1968

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Mäuschen, 1968. Lithographie, 30 cm x 21 (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]68" datiert, unten rechts als Exemplar Nr. 18 / 80 ausgewiesen und mittig als "Mäuschen" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Hypertrophe Filigranität - Einem schmalen Frauentorso entwächst ein monströser Hals, auf dem ein nahezu bilddurchmessender Kopf sitzt. Das zur mächtigen Gestalt angewachsene Frauenwesen weist allerdings (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Mäuschen, 1968. Lithographie, 30 cm x 21 (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]68" datiert, unten rechts als Exemplar Nr. 18 / 80 ausgewiesen und mittig als "Mäuschen" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Hypertrophe Filigranität - Einem schmalen Frauentorso entwächst ein monströser Hals, auf dem ein nahezu bilddurchmessender Kopf sitzt. Das zur mächtigen Gestalt angewachsene Frauenwesen weist allerdings wiederum ein filigranes Gesicht mit spitz zulaufender Nase auf. Von der hohen fliehenden Stirn führt eine gerade Linie bis zur Nasenspitze, wodurch das Gesicht als ,Mäuschen-Gesicht' erscheint. Das auf den ersten Blick hässliche wirkende Wesen weist dennoch eine durch das Rot gesteigerte eigentümliche Schönheit auf, die im mäuschenartigen Gesicht kulmminiert. Die Augen sind geschlossen, als ob die Frauengestalt im Traum die eigentliche Realität zuteilwerden würde. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Hinsch, Henry: Henry Hinsch (1909 Nikolaev - 1979 Göttingen), Die Fußwaschung, 1949

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Henry Hinsch (1909 Nikolaev - 1979 Göttingen), Die Fußwaschung, 1949. Holzschnitt auf handgeschöpftem Büttenpapier mit Wasserzeichen, 37 cm x 19,5 cm (Darstellung), 49 cm x 31,5 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Henry Hinsch" signiert und auf "[19]49" datiert. - Papier im linken oberen Bereich mit Verlusten, alte Montagereste, außerhalb der Darstellung teilweise gewellt und mit leichteren Knickspuren, Bleistiftananotationen, die Darstellung selbst in gutem und farbkräftigem (mehr anzeigen)

Henry Hinsch (1909 Nikolaev - 1979 Göttingen), Die Fußwaschung, 1949. Holzschnitt auf handgeschöpftem Büttenpapier mit Wasserzeichen, 37 cm x 19,5 cm (Darstellung), 49 cm x 31,5 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Henry Hinsch" signiert und auf "[19]49" datiert. - Papier im linken oberen Bereich mit Verlusten, alte Montagereste, außerhalb der Darstellung teilweise gewellt und mit leichteren Knickspuren, Bleistiftananotationen, die Darstellung selbst in gutem und farbkräftigem Zustand - Göttliche Menschlichkeit - Am Fuß einer langen Tafel kniet Christus, der den Jüngern nach dem Abendmahl die Füße wäscht. Mit erschreckt ausgestreckten Armen reagiert der Apostel vor Christus auf die ,Erniedrigung' des Heilandes, der mit der Fußwaschung allerdings vorbildliche Nächstenliebe praktiziert. Damit gibt Hinsch der Hoffnung Ausdruck, nach der Zeit des Terrors wieder eine menschliche Gemeinschaft zu kultivieren. Sehen wir Christus in der Seitenansicht, bietet sich uns der Tisch in Aufsicht dar, der dieselbe Struktur aufweist wie Fond des Bildes. Dadurch ist die sich aus dem Bildgrund herauslösende Abendmahltafel im ganzen Bild präsent. In die auf Christus zulaufenden vertikalen Streifen fügt sich auch das Band der Jünger ein, die auf diese Weise etwas Ornamentales gewinnen und der Bildstruktur eine Spannung verleihen. zum Künstler Henry Hinsch wuchs in Riga auf. Während der Oktoberrevolution floh die Familie 1917 nach Deutschland. In Stettin studierte er an der Akademie der Angewandten Künsten Graphik bei Vincent Weber. Auf Empfehlung des Leiters der Hamburger Kunsthalle, Gustav Pauli, erhielt der begabte Hinsch ein Stipendium an der Berliner Kunstakademie, wo er von 1937 bis 1939 bei Fritz Burmann studierte. Nach Kriegsende ließ er sich als freischaffender Künstler in Göttingen nieder. Dort gründete er gemeinsam mit Helmut Bönitz die Künstlervereinigung ,Kreis 34' und engagierte sich im ,Bund Bildender Künstler (BBK)'. Studienreisen führten ihn nach Italien, Frankreich, Spanien, die Niederlande, Österreich und Belgien. 1979 wurde dem Maler und Bildhauer die Ehrenmedaille der Stadt verliehen. (weniger anzeigen)

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Vögel unter dem Himmel, 1948

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Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Vögel unter dem Himmel, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 11 cm x 18 cm (Darstellung), 43 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 6,26" bezeichnet. - Der breite Blattrand teilweise leicht bestoßen. minimale Knickspuren, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Der Sonnenvogel - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner (mehr anzeigen)

Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Vögel unter dem Himmel, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 11 cm x 18 cm (Darstellung), 43 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 6,26" bezeichnet. - Der breite Blattrand teilweise leicht bestoßen. minimale Knickspuren, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Der Sonnenvogel - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges geschaffenen bildlichen Auslegung der Bergpredigt (Matth. 5,1-7,29). Das Blatt veranschaulicht den Vers: Sehet die Vögel unter dem Himmel an: sie säen nicht, sie ernten nicht, sie sammeln nicht in die Scheunen; und euer himmlischer Vater nährt sie doch. Seid ihr denn nicht viel mehr denn sie? (Matth. 6,26). In sinnierender Haltung blickt der Mann nachdenklich und fasziniert zugleich auf den Vogel im Himmel, der dort wie der Heilige Geist erscheint. Vom Vogel scheinen die Strahlen auszugehen, welche die wie ein neuer Paradiesgarten wirkende umzäunte Wiese erfüllen. Obwohl der für den Menschen als solchen einstehende Mann jenseits des Zaunes sitzt, ist er dennoch vom Heiligen Geist erfüllt. zum Künstler Rudolf Nehmer studierte von 1932 bis 1934 in Dresden an der von Ernst Oskar Simonson-Castelli gegründeten privaten Kunstakademie bei Woldemar Winkler und war - nach einem kurzen Intermezzo an der Kunstakademie - bis 1936 Schüler im Atelier von Willy Kriegel. Nach einer ersten Einzelausstellung im Jahre 1935 in der bis in die NS-Zeit hinein progressiven Dresdner Kunstausstellung Kühl, war Nehmer in den Folgejahren in den Großen Deutschen Kunstausstellungen vertreten. 1938 weilte er in Worpswede. Ab 1941 war er Soldat an der Westfront und in Dänemark und kehrte 1945 aus britischer Kriegsgefangenschaft nach Dresden zurück. Nach dem Kriegsende erfolgte bereits 1945 die erste Einzelausstellung. Nehmer war Mitbegründer der Künstlervereinigung ,Das Ufer - Gruppe 1947' und war 1951 Gründungsmitglied der Künstlergenossenschaft ,Kunst und Zeit'. In der DDR erfolgten zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen, die in einer Retrospektive anlässlich seines 60. Geburtstags in der Galerie Neuer Meister gipfelte. (weniger anzeigen)

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Hinsch, Henry (1909-1979): Henry Hinsch (1909 Nikolaev - 1979 Göttingen), Josefs Traum, 1949

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Henry Hinsch (1909 Nikolaev - 1979 Göttingen), Josefs Traum, 1949. Holzschnitt auf handgeschöpftem Papier, 33 cm x 15 cm (Darstellung), 45 cm x 27,5 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "H.[enry] Hinsch" signiert und auf "[19]49" datiert. - Papier an der Oberkante schräg beschnitten, an der Unterkante mit Verlusten und an den Ecken etwas bestoßen, mitunter angestaubt. - Die Auferstehung aus dem Untergang - Henry Hinschs Holzschnitt gehört zur unmittelbaren Nachkriegskunst, die (mehr anzeigen)

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Der fruchtlose Baum, 1948

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Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Der fruchtlose Baum, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 15 cm x 14,6 cm (Darstellung), 45 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 7,19" bezeichnet. - Der breite Blattrand teilweise etwas bestoßen und leicht gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Das Ende der grotesken Zeit - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner (mehr anzeigen)

Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Der fruchtlose Baum, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 15 cm x 14,6 cm (Darstellung), 45 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 7,19" bezeichnet. - Der breite Blattrand teilweise etwas bestoßen und leicht gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Das Ende der grotesken Zeit - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges geschaffenen bildlichen Auslegung der Bergpredigt (Matth. 5,1-7,29). Das Blatt veranschaulicht den Vers: Ein jeglicher Baum, der nicht gute Früchte bringt, wird abgehauen und ins Feuer geworfen (Matth. 7,19). Der verwachsene knorrige alte Baum ist marode geworden, während der gerade gen Himmel aufwachsende junge Baum gegenüber Früchte trägt. Der alte Baum wirkt die ein Fratze: Die beiden Aststumpen sind die Augen, das aufgebrochene Stück darunter der Mund und die Äste die lamentierend zum Himmel erhobenen Hände. Der Baum steht zugleich für die jüngste Vergangenheit, die Tod und Verderben herbeigeführt hat und untergegangen ist, so wie der Baum nun untergehen wird. zum Künstler Rudolf Nehmer studierte von 1932 bis 1934 in Dresden an der von Ernst Oskar Simonson-Castelli gegründeten privaten Kunstakademie bei Woldemar Winkler und war - nach einem kurzen Intermezzo an der Kunstakademie - bis 1936 Schüler im Atelier von Willy Kriegel. Nach einer ersten Einzelausstellung im Jahre 1935 in der bis in die NS-Zeit hinein progressiven Dresdner Kunstausstellung Kühl, war Nehmer in den Folgejahren in den Großen Deutschen Kunstausstellungen vertreten. 1938 weilte er in Worpswede. Ab 1941 war er Soldat an der Westfront und in Dänemark und kehrte 1945 aus britischer Kriegsgefangenschaft nach Dresden zurück. Nach dem Kriegsende erfolgte bereits 1945 die erste Einzelausstellung. Nehmer war Mitbegründer der Künstlervereinigung ,Das Ufer - Gruppe 1947' und war 1951 Gründungsmitglied der Künstlergenossenschaft ,Kunst und Zeit'. In der DDR erfolgten zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen, die in einer Retrospektive anlässlich seines 60. Geburtstags in der Galerie Neuer Meister gipfelte. (weniger anzeigen)

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Klettke, Herbert: Herbert Klettke (1923-1984), Die Ernte, 1949

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Herbert Klettke (1923-1984), Die Ernte, 1949. Holzschnitt auf dünnem Büttenpapier, 27 cm x 22 cm (Darstellung), 42 cm x 29,5 cm (Blattgröße), im Druckstock oben rechts mit "KL[ettke]" und unten rechts nochmals in Blei signiert, auf "1949" datiert, unten links mit "Die Ernte" bezeichnet. - der obere Rand teilweise ausgedünnt, leichte Knickspuren, ansonsten in gutem Zustand - Die Energie der Ernte - Die komplementären Schwarz-Weiß-Gestalten ergänzen sich zu einer achsensymmetrischen (mehr anzeigen)

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Klettke, Herbert: Herbert Klettke (1923-1984), An die Säule gebunden, 1948

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Herbert Klettke (1923-1984), An die Säule gebunden, 1948. Holzschnitt auf dünnem Büttenpapier, 21 cm x 13,5 cm (Darstellung), 42 cm x 29,5 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Klettke" signiert und auf "1948" datiert, unten links mit "An die Säule gebunden" bezeichnet. - der breite Rand mit vereinzelten leichten Knickpuren - Die geschundene Zeit - Herbert Klettke greift die Szene der Geißelung auf, um eine Allegorie der gerade vergangenen Schreckenszeit zu schaffen. Der (mehr anzeigen)

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Bonfils, Adda (1883-1914): Bing & Gröndahl Figur von Adda Bonfils (1883-1914), Spielendes Mädchen, Entwurf um 1920, Ausführung zwischen 1966 und 1969. Modellnummer 1995.

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Bing & Gröndahl Figur von Adda Bonfils (1883-1914), Spielendes Mädchen, Entwurf um 1920, Ausführung zwischen 1966 und 1969. Modellnummer 1995. Erste Wahl. Porzellan mit Unterglasurmalerei. 13,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 13cm (Tiefe). Unter dem Boden gemarkt und nummeriert. - tadellos erhalten - Ernst des Spiels - Das kleine Mädchen bückt sich mit dem einen Arm bis zum Boden und vollführt mit dem anderen eine Ausholbewegung, als ob es eine Kugel werfen wollte. Dabei blickt es (mehr anzeigen)

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Thomsen, Christian: Royal Copenhagen Figur von Christian Thomsen (1860 Kolding - 1921 Kopenhagen), Schnitzender Junge, Entwurf um 1915, Ausführung 1966. Modellnummer 905

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Christian Thomsen (1860 Kolding - 1921 Kopenhagen), Schnitzender Junge, Entwurf um 1915, Ausführung 1966. Modellnummer 905. Erste Wahl. Porzellan mit Unterglasurmalerei. 18,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 9 cm (Tiefe). Rückseitig auf der Plinthe mit den Initialen von Christian Thomsen versehen, unter dem Boden gemarkt und nummeriert. - tadellos erhalten - In Konzentration versunken - Der Junge ist ganz in die Tätigkeit des Schnitzens versunken, was dadurch unterstrichen wird, dass wir (mehr anzeigen)

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Janssen, Horst: Has' und Igel. An einem Herbstmorgen traf der Stachus Münster den Has Bodoni.

Christtians Verlag, Hamburg, 1969.

Vierteiliges Leporello ( 28,5 x 71 cm) - kleine beriebene Stelle, sonst in gutem Zustand

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Carzou, Jean Marie: Jean Marie Carzou (1907-2000), Titelradierung zu Arthur Rimbauds Illuminationen, 1969

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Jean Marie Carzou (1907 Aleppo - 2000 Périgueux), Titelradierung zu Arthur Rimbauds Illuminationen, 1969. Radierung auf Velin, 31,5 cm x 24 cm (Darstellung), 38,5 cm x 28 cm (Blattgröße), unten rechts mit blindgeprägter Signatur versehen. - die linke Ecke mit Knickspuren, kleiner Fleck auf dem linken und rechten Rand, ansonsten in gutem Zustand - Rimbauds Blick - Arthur Rimbauds ,Les Illuminations' wurden erstmals 1886 von Paul Verlaine in Buchform publiziert. "Das Wort ,Illuminations'", (mehr anzeigen)

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