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FLEISCHMANN GEBR: Fleischmann Modellbahnen. Tips - Das umfassende Nachschlage-Werk für alle Freunde des internationalen Fleischmann 2-Leiter-Gleichstrom-Systems. 1. Auflage (S 0868 HO).

Verlag Fleischmann-Kurier (Ohne Jahr, Nürnberg, 1968.

Sammelordner. Ca. 280 n. n. Seiten. Mit zahlreichen teils zweifarbigen Abbildungen, Skizzen u. Plänen. Blaues Original-Kunststoff-Ringbuch. (Geringere Gebrauchsspuren). 22x17 cm

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Bassenge: Photography Auction

, Berlin, 2002.

Gr.-4° *** Kaleidoskop der alten und modernen Fotografie mit Preisen *** Bassenge. Photography Auction. All catalogues 1999-2018. 30 Bände. Berlin. 2002-2017. Ca. 100.000 Seiten. Mit Tausenden von Abbildungen nach Fotographien. Gr.-4°. Farbig illustrierte OBroschuren. Vorhanden sind Auktionskataloge der Jahre 2002 bis 2017 des bedeutenden Fotografie-Auktionshauses Bassenge in Berlin, samt der Sondersammlungs-Kataloge - eine überaus reich bebilderte (jedes Foto ist in bester Qualität (mehr anzeigen)

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WILHELM, Gernot (Hrsg.): Die orientalische Stadt.

SDV Saarländische Druckerei und Verlag, Saarbrücken, 1997.

Kontinuität, Wandel, Bruch. 1. Internationales Collquium der Deutschen Orient-Gesellschaft 9.-10. Mai 1996 in Halle.. XIII, 409 S., 3 Beil.. OPappband

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Moigniez, Jules: Jules Moigniez (1835-1894), Jagdhund auf der Pirsch, um 1880

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Jules Moigniez (1835 Senlis - 1894 St-Martin-du-Tertre), Jagdhund auf der Pirsch, um 1880. Bronzefarben patinierter Metallguss auf naturalistischer Terrainplinthe und mitgegossenem Sockel, 16 cm (Höhe) x 30 cm (Länge) x 13 cm (Tiefe), Gewicht 3,25 kg. Auf der Plinthe mit "J.[ules] MOIGNIEZ." signiert. - vereinzelt bestoßen und stellenweise berieben, insgesamt in einem altersgemäß guten Zustand - Der Fährte folgend - Der Jagdhund hat Witterung aufgenommen. Er ist hochkonzentriert und der (mehr anzeigen)

Jules Moigniez (1835 Senlis - 1894 St-Martin-du-Tertre), Jagdhund auf der Pirsch, um 1880. Bronzefarben patinierter Metallguss auf naturalistischer Terrainplinthe und mitgegossenem Sockel, 16 cm (Höhe) x 30 cm (Länge) x 13 cm (Tiefe), Gewicht 3,25 kg. Auf der Plinthe mit "J.[ules] MOIGNIEZ." signiert. - vereinzelt bestoßen und stellenweise berieben, insgesamt in einem altersgemäß guten Zustand - Der Fährte folgend - Der Jagdhund hat Witterung aufgenommen. Er ist hochkonzentriert und der Körper von einer inneren Anspannung erfüllt, die besonders im hochgestellten Schwanz zum Ausdruck kommt. Aber auch der leicht gesenkte Kopf, die Falten des Halses, die ausgeprägte angespannte Muskulatur und nicht zuletzt die willensstarke Mimik verdeutlichen, dass der Hund ganz vom Jagdinstinkt ergriffen worden ist. Die krausgezogene Nase vermittelt geradewegs den Eindruck, das Schnüffeln zu hören, während die schleichende Bewegung hingegen kaum Geräusche zu verursachen scheint. Jules Moigniez lässt den Hund jedes Bein auf einen eigenen Stein der Terrainplinthe setzen. Dadurch erhält er ein Postament, welches die Jagdbewegung und den naturalistisch durchgeformten Körper zur Schau stellt. Es ist aber nicht die wirklichkeitsgetreue äußere Erscheinung, sondern der meisterhaft dargestellte Jagdtrieb, der den Hund derartig lebendig erscheinen lässt. Der Hund hat seine Vorderpfote bereits auf den Stein gesetzt, unter dem sich der aufzuspürende Hase verbirgt. Im nächsten Moment wird die Fährte das Jagdtier dorthin führen und das Drama der Natur seinen Lauf nehmen. Damit veranschaulicht Jules Moigniez nicht einzig einen Hund auf der Pirsch, sondern schildert eine ganz Jagdgeschichte, die auf den Moment der höchsten Spannung - unmittelbar vor dem Entdecken und Erlegen der Beute - zugespitzt ist. zum Künstler Als Sohn eines Vergolders war Jules Moigniez das feinteilige und präzise Arbeiten, welches seine Werke auszeichnen, bereits in die Wiege gelegt. In Paris studierte er bei Paul Comoléra Bildhauerei, dessen Vogeldarstellungen sein Schaffen prägten. Zudem war er Schüler von François Rude, der das Relief "La Marseillaise" am Pariser Arc de Triomphe angefertigt hat. Sein Wirken als selbständiger Künstler wurde von seinem Vater gefördert, der eine Gießerei erwarb, damit die Werke des Sohnes unabhängig vervielfältigt werden konnten. Die auf der Pariser Weltausstellung von 1955 präsentierte Gipsplastik, Hühnerhund vor einem Fasan, verschaffte Moigniez erste künstlerische Anerkennung. In Bronze gegossen wurde das Werk 1859 von der Französischen Regierung erworben und im Schloss Compiègne gezeigt. 1862 wurde Moigniez auf der Londoner Weltausstellung mit einer Medaille geehrt und international bekannt. Zwischen 1855 und 1892 stellte er insgesamt dreißig Werke im Pariser Salon aus. Seine Tierdarstellungen erfreuten sich aufgrund ihrer Lebendigkeitswirkung insbesondere in Großbritannien und später auch in den Vereinigten Staaten einer außerordentlichen Beliebtheit. Stets sind die Tiere in einer ihrem Naturell entsprechenden, beinahe dramatischen Bewegtheit veranschaulicht, wobei Moigniez jedes Detail authentisch durchformt, was auch für die Gestaltung der Plinthen gilt. Im Vergleich mit den bedeutenden ihm vorausgehenden Tierplastikern, Pierre-Jules Mêne und Antoine-Louis Barye, kreiert er ganze Ereignislandschaften [...] (weniger anzeigen)

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Mordstein, Karl (1937-2006): Undeutlicher Deutlich, 1982

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ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Undeutlicher Deutlich, 1982. Farbradierung, Exemplar e.a. (Epreuve d'artiste) 4/9, 22,5 x 28 cm (Darstellung), 40 x 45 cm (Blattgröße), 43 x 48 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Fluktuierende Ambivalenz - zum Kunstwerk Die Grafik ist mit "Undeutlicher deutlich" betitelt und tatsächlich meinen wir etwas deutlich zu erkennen, das (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Undeutlicher Deutlich, 1982. Farbradierung, Exemplar e.a. (Epreuve d'artiste) 4/9, 22,5 x 28 cm (Darstellung), 40 x 45 cm (Blattgröße), 43 x 48 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Fluktuierende Ambivalenz - zum Kunstwerk Die Grafik ist mit "Undeutlicher deutlich" betitelt und tatsächlich meinen wir etwas deutlich zu erkennen, das doch undeutlich bleibt. Wir sehen ein farblich in zwei Zonen geteiltes Bild, das einen Landschaftsraum mit Horizontlinie evoziert. Innerhalb dieser Landschaft ist eine Art Gestöber fragiler brauner Elemente im Gange, dass uns zwar klar vor Augen steht, sich visuell aber nicht aufschlüsseln lässt. Was sich ereignet bleibt rätselhaft, zumal im linken Bereich unter dem Gestöber eine für Mordsteins Grafikern dieser Zeit typische fragile Struktur sichtbar wird. Auch sie ist deutlich zu erkennen, doch führt die Deutlichkeit einzig zu einer erhöhten Undeutlichkeit. Eben diese Ambivalenz der Deutlichkeit führt Mordstein als Seherlebnis vor Augen. zum Künstler Karl Mordstein absolvierte die Werkkunstschule Augsburg und war zunächst in München als Gebrauchsgraphiker tätig, bevor er sich als freier Künstler ganz auf seine eigenen Schöpfungen konzentrierte. 1970 ehelichte Mordstein die Bildhauerin Sinen Thalheimer und das Künstlerpaar zog nach Starnberg. 1972 fand in München eine erste Einzelausstellung seiner Werke statt, die den Auftakt einer über Jahrzehnte währenden regen internationalen Ausstellungstätigkeit markierte. Ab 1987 lebte das Paar auf dem Hollerberg in Wilzhofen. "Es ist gewiss nicht falsch, in der Anmutung seiner ruhig schwebenden Farbzeichnungen den Ausdruck einer Geisteshaltung zu erkennen, die sich gerade dieser bewussten Abkehr vom hektischen Kunstmarktgeschehen verdankt: konzentrierte Gelassenheit. Nicht wechselnde Befindlichkeit, sondern die Einfühlung in überindividuelle Schöpfungsrhythmen, die immerwährende Genesis im natürlichen Kreislauf von Werden und Vergehen drückt sich darin aus." - Stefan Tolksdorf Auswahlbibliographie Karl Mordstein. Aquarelle, Gouachen 1972 - 1975, Galerie Angst und Orny, München 1975. Juliane Roh: Karl Mordstein. Bilder, Paintings 1976 - 79, Frankfurt a. M. 1979. Siegfried Salzmann (Text): Karl Mordstein. Arbeiten auf Papier, Galerie Dorothea van der Koelen, Mainz 1982. Galerie Heimeshoff (Hrsg.): Karl Mordstein. "Seelen-Notate"; Bilder, Arbeiten auf Papier, Bildkästen; 1985 - 1988, Essen 1988. Stefan Tolksdorf (Text): Lebenszeichen. Mordstein, Karl und Sinen Thalheimer, Essen 2009. (weniger anzeigen)

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Mordstein, Karl (1937-2006): Feld, 1983

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ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Feld 1983. Farbradierung, Exemplar 13/65, 22,5 x 28 cm (Darstellung), 40 x 45 cm (Blattgröße), 43 x 48 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Feldforschung - zum Kunstwerk Dem Titel entsprechend sehen wir ein querrechteckiges Feld, das in einem bräunlichen Ton gehalten ist. Das Feld ist jedoch keine opake Fläche, sondern eine (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Feld 1983. Farbradierung, Exemplar 13/65, 22,5 x 28 cm (Darstellung), 40 x 45 cm (Blattgröße), 43 x 48 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Feldforschung - zum Kunstwerk Dem Titel entsprechend sehen wir ein querrechteckiges Feld, das in einem bräunlichen Ton gehalten ist. Das Feld ist jedoch keine opake Fläche, sondern eine inhomogene Zone verschiedener Farbintensitäten mit einer Vielzahl einzelner fluktuierend wirkender Formgebilde. Das Feld ist also keine Farbfläche, sondern ein Ereignisraum, innerhalb dessen sich etwas vollzieht, das hier in dem vor Augen stehenden Stadium festgehalten worden ist. Und der Umraum des Feldes ist die Peripherie des Ereignisraums, wobei mit der schraffierten Zone direkt unter dem Feld und den grauen und brauen linearen Flächen am unteren Rand legendenartig die Ingredienzien des Feldes angezeigt werden. zum Künstler Karl Mordstein absolvierte die Werkkunstschule Augsburg und war zunächst in München als Gebrauchsgraphiker tätig, bevor er sich als freier Künstler ganz auf seine eigenen Schöpfungen konzentrierte. 1970 ehelichte Mordstein die Bildhauerin Sinen Thalheimer und das Künstlerpaar zog nach Starnberg. 1972 fand in München eine erste Einzelausstellung seiner Werke statt, die den Auftakt einer über Jahrzehnte währenden regen internationalen Ausstellungstätigkeit markierte. Ab 1987 lebte das Paar auf dem Hollerberg in Wilzhofen. "Es ist gewiss nicht falsch, in der Anmutung seiner ruhig schwebenden Farbzeichnungen den Ausdruck einer Geisteshaltung zu erkennen, die sich gerade dieser bewussten Abkehr vom hektischen Kunstmarktgeschehen verdankt: konzentrierte Gelassenheit. Nicht wechselnde Befindlichkeit, sondern die Einfühlung in überindividuelle Schöpfungsrhythmen, die immerwährende Genesis im natürlichen Kreislauf von Werden und Vergehen drückt sich darin aus." - Stefan Tolksdorf Auswahlbibliographie Karl Mordstein. Aquarelle, Gouachen 1972 - 1975, Galerie Angst und Orny, München 1975. Juliane Roh: Karl Mordstein. Bilder, Paintings 1976 - 79, Frankfurt a. M. 1979. Siegfried Salzmann (Text): Karl Mordstein. Arbeiten auf Papier, Galerie Dorothea van der Koelen, Mainz 1982. Galerie Heimeshoff (Hrsg.): Karl Mordstein. "Seelen-Notate"; Bilder, Arbeiten auf Papier, Bildkästen; 1985 - 1988, Essen 1988. Stefan Tolksdorf (Text): Lebenszeichen. Mordstein, Karl und Sinen Thalheimer, Essen 2009. (weniger anzeigen)

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Iffland, Franz: Franz Iffland (1862-1935), Speerwerfer, nach 1910

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Franz Iffland (1862 Tempelhof - 1935 Berlin), Speerwerfer, nach 1910. Olivschwarz patinierte Bronze mit gegossener Plinthe auf weiß geädertem schwarzem Marmorsockel (7 cm Höhe) montiert. Gesamthöhe 61 cm. Maße der Bronze ohne Speer: 46 cm (Höhe) x 26 cm (Breite) x 25 cm (Tiefe), Länge des abnehmbaren Speers: 58 cm, Gewicht 4,8 kg. Auf der Plinthe mit "Iffland" signiert. - An der Wade des linken Beins mit kleiner restaurierter Stelle, Patina mit Kratzspur an der Ansatzstelle des Speeres (mehr anzeigen)

Franz Iffland (1862 Tempelhof - 1935 Berlin), Speerwerfer, nach 1910. Olivschwarz patinierte Bronze mit gegossener Plinthe auf weiß geädertem schwarzem Marmorsockel (7 cm Höhe) montiert. Gesamthöhe 61 cm. Maße der Bronze ohne Speer: 46 cm (Höhe) x 26 cm (Breite) x 25 cm (Tiefe), Länge des abnehmbaren Speers: 58 cm, Gewicht 4,8 kg. Auf der Plinthe mit "Iffland" signiert. - An der Wade des linken Beins mit kleiner restaurierter Stelle, Patina mit Kratzspur an der Ansatzstelle des Speeres am Kopf, sehr vereinzelt etwas berieben. - Römische Gegenwart - Im Rahmen der im 19. Jahrhundert aufkommenden Körperkultur und dem sich daraus entwickelndem Breitensport wurde der Athlet zum neuen Heros. 1894 wurden die Olympischen Spiele wiederbegründet, bei denen - in antiker Tradition - die Leichtathletik als Königsdisziplin galt. In diesem Zusammenhang steht auch der Speerwerfer. Iffland hat hier keinen Sportler seiner Zeit porträtiert, sondern den Inbegriff des Athleten geschaffen. In einer zum Stehen kommenden Vorwärtsbewegung hat der Speerwerfer siegreich seine Faust erhoben und den Blick in die Höhe gerichtet, als ob er das anvisierte Ziel erreicht hätte. Seine prägnant ausgeformte Mimik ist noch ganz vom Siegeswillen geformt und der immense Speer zeugt von der schier übermenschlichen Leistung. Sein ganzer Körper weist eine muskulöse Agilität auf, die ihn auch alle anderen Disziplinen meistern lassen würde. Der an Cäsar gemahnende nach vorne gekämmte Kurzhaarschnitt und die römische Nase mit dem ausgeprägten Höcker verweisen nicht nach Athen, sondern in das antike Rom, so dass die Handhaltung und der Blick zugleich den Charakter des Caesarengrußes hat, der sich zur Zeit Ifflands als Olympischer Gruß etabliert hatte. Durch das Trikot und die Schuhe bezieht sich auch Ifflands Athlet auf seine gegenwärtige Zeit, womit der Künstler verdeutlicht, dass die Ideale der römischen Antike durch den Sport in die Gegenwart getragen werden sollten. zum Künstler Auch wenn das Werk und die Biographie Franz Ifflands bis heute kunsthistorisch unerschlossen geblieben ist, war der Berliner Bildhauer einer der populärsten Schöpfer häuslicher Bronzeplastiken seiner Zeit, der sowohl den Jugendstil als auch das Art déco mitprägte. Er war ab 1862 regelmäßig auf den Ausstellungen der Berliner Kunstakademie vertreten und präsentierte 1891 seine Werke auf der Internationalen und 1893 auf der Großen Berliner Kunstausstellung. (weniger anzeigen)

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Heinemann, Fritz: Fritz Heinemann (1864-1932), Junger Römer, 1892

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ARCADIA ART Fritz Heinemann (1864 Altena - 1932 Berlin), Junger Römer, 1892. Bräunlich patinierte Bronze auf gegossener runder Plinthe, montiert auf rotem Marmorsockel (8,5 cm Höhe), Gesamthöhe 36 cm, Maße der Bronze 27,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 8 cm (Breite), Gewicht 3,3 kg. Auf der Plinthe mit "Fritz Heinemann" signiert, mit "Roma." ortsbezeichnet und mit der Gießereimarke "Akt. Ges. vorm. H. Gladenbeck & Sohn" versehen. - Bronze in tadellosem Zustand, Plinthe des Marmorsockels an (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Fritz Heinemann (1864 Altena - 1932 Berlin), Junger Römer, 1892. Bräunlich patinierte Bronze auf gegossener runder Plinthe, montiert auf rotem Marmorsockel (8,5 cm Höhe), Gesamthöhe 36 cm, Maße der Bronze 27,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 8 cm (Breite), Gewicht 3,3 kg. Auf der Plinthe mit "Fritz Heinemann" signiert, mit "Roma." ortsbezeichnet und mit der Gießereimarke "Akt. Ges. vorm. H. Gladenbeck & Sohn" versehen. - Bronze in tadellosem Zustand, Plinthe des Marmorsockels an zwei Ecken bestoßen und mit vereinzelten Kratzspuren. - Jugendliche Sprezzatura - Bis ins späte 19. Jahrhundert war Rom das Mekka der deutschen Künstler, das allerdings zusehends von Paris abgelöst werden sollte. Insbesondere mit den Nazarenern, zu denen Peter von Cornelius, Friedrich Wilhelm Schadow, Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld und Joseph Anton Koch gehörten, wurde ab den 1820er Jahre die Pilgereise nach Rom für angehende deutsche Künstler geradewegs verpflichtend. Bald war gar von ,Deutschrömern' die Rede, die auch institutionell in Rom ansässig wurden. 1845 wurde der bis 1915 bestehende Deutsche Künstlerverein gegründet und 1913 die noch heute dort ansässige Deutsche Akademie in der Villa Massimo eröffnet. Nachdem sich Fritz Heinemann 1891 in Paris aufgehalten hatte, zog es im Folgejahr auch ihn nach Rom. Dort entwarf er die vor Augen stehende Statuette eines jungen Römers, die er stolz mit "Roma" ortbezeichnet. Ebenfalls ins 19. Jahrhundert fällt die zunehmende künstlerische Entdeckung des ,Volkes'. Statt eines Davids, in dessen künstlerischer Tradition der Dargestellte steht, sehen wir einen jungen Mann, wie ihn der Künstler auf der Straße hätte treffen können. Dieser vollführt auch keine heroische Handlung oder verweist zumindest auf eine Heldentat, wie dies bei David der Fall ist. Dennoch wirkt er willensstark und entschlossen, obwohl er die Jacke leger über die Schulter gehängt hat und in einem beinahe lässigen Kontrapost dasteht. Dafür sind seine Arme überkreuzt und der zur Seite gerichtete Blick geradewegs entschlossen. Trotz seiner insgesamt gelassenen Haltung ist das jugendliche Feuer zu verspüren, wobei er selbst noch nicht abzusehen vermag, wohin es ihn im Leben treiben wird. Ist das Gesicht idealisiert ausgeformt, um den italienischen jungen Mann schlechthin zur Darstellung zu bringen, so ist die vielschichtige Kleidung umso realistischer veranschaulicht. Jedes Detail ist auf meisterhafte Weise minutiös herausgearbeitet. Die übergeworfene Jacke ist ein wahres Virtuosenstück. Gerade die Könnerschaft bringt den wie hingeworfenen wirkenden natürlichen Eindruck hervor. Dafür hat die italienische Kunsttheorie den Begriff 'Sprezzatura' geprägt, die Heinemann hier ganz offensichtlich unter Beweis stellen wollte und die den Künstler so wie den dargestellten jungen Mann erscheinen lässt. zum Künstler Nach dem Besuch der Nürnberger Kunstgewerbeschule (1883-85) nahm Fritz Heinemann das Studium an der Berliner Kunstakademie auf, wo er bis 1889 von Albert Wolff, Fritz Schaper und Gerhard Janensch unterrichtet wurde. Der Ankauf seines auf der Berliner Internationalen Kunstausstellung von 1892 gezeigten Werks "Mutter und Kind" durch Prinz Albrecht von Preußen für Schloss Camenz war der Auftakt für künftige Staatsaufträge und ließ Heinemann auch in bürgerlichen Kreisen zum gefragten Künstler werden. Er unternahm Studienreisen nach Paris (1891) und Rom (1892). Für seine Gruppe "Heimkehr vom Felde" erhielt Heinemann 1897 in Berlin die goldene Medaille. 1899 wurde er zum Prof. für Bildhauerei an die Unterrichtsanstalt des Königlichen Kunstgewebemuseums berufen, wo bis 1905 lehrte. 1906 unternahm er eine weitere Studienreise nach Paris. Zurück in Berlin folgten produktive Jahre, in denen er seine Werke auf den Großen Berliner Kunstausstellungen, im Münchner Glaspalast und auf den Großen Kunstausstellungen in Düsseldorf und Dresden präsentierte. Auch Kaiser Wilhelm II. gehörte zu seinen Kunden. (weniger anzeigen)

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Mordstein Karl (1937-2006): Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV), 1983

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ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV), 1983. Farbradierung, Exemplar 16/60, 15,5 x 18,5 cm (Darstellung), 30 x 35 cm (Blattgröße), 33,5 x 38,5 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Die Präsenz des Untergegangenen - zum Kunstwerk Die mehrfarbige Aquatintaradierung trägt den poetischen Titel "Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV)". Die (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV), 1983. Farbradierung, Exemplar 16/60, 15,5 x 18,5 cm (Darstellung), 30 x 35 cm (Blattgröße), 33,5 x 38,5 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Die Präsenz des Untergegangenen - zum Kunstwerk Die mehrfarbige Aquatintaradierung trägt den poetischen Titel "Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV)". Die Angabe, es handele sich um ein Buch im Verbund mit der römischen Ziffer suggeriert, das Bild wäre Teil einer Erzählung, deren viertes Kapitel hier vor Augen stünde. Damit ist die untergegangene Stadt nicht ausradiert, sondern weiterhin an ihrem Ort präsent und bildet - wie die Nummerierung markiert - verschiedene Stadien aus, auch wenn die Stadt als solche gar nicht mehr sichtbar ist. Diese geheimnisvolle Präsenz im Nicht-Sichtbaren hat Karl Mordstein auf eindringliche Weise erfahrbar gemacht. Bereits die braun-grün-gelbtonale Farbigkeit entfaltet eine intensive Suggestivkraft. Die gelben Hügel des Hintergrundes wirken wie eine Wüstenlandschaft, die verdeutlicht, dass es sich um eine unwirtliche Region handelt, wobei der Wüstensand jedoch etwas unter sich bergen mag. Der dominierende Vordergrund veranschaulicht auf abstrakte Weise einen wie wildes Dickicht wirkenden Baumbewuchs, der durch die dunkle Tonalität schier undurchdringlich zu sein scheint. Über diesen Bereich ist eine filigrane Gitterstruktur gelegt, die etwas Architektonisches hat und die untergegangene Stadt präsent werden lässt. Die fluktuierenden Strichfragmente des Himmels, die ebenso bewegt sind wie das dramatisch wogende Dickicht, lassen hingegen den Untergang präsent werden. Das in sich bewegte Kapitel des Totenbuchs einer Stadt entfaltet durch den Farbakkord dennoch eine gravitätische Ruhe, die den Betrachter animiert, sich in das Bild hinein zu versenken. zum Künstler Karl Mordstein absolvierte die Werkkunstschule Augsburg und war zunächst in München als Gebrauchsgraphiker tätig, bevor er sich als freier Künstler ganz auf seine eigenen Schöpfungen konzentrierte. 1970 ehelichte Mordstein die Bildhauerin Sinen Thalheimer und das Künstlerpaar zog nach Starnberg. 1972 fand in München eine erste Einzelausstellung seiner Werke statt, die den Auftakt einer über Jahrzehnte währenden regen internationalen Ausstellungstätigkeit markierte. Ab 1987 lebte das Paar auf dem Hollerberg in Wilzhofen. "Es ist gewiss nicht falsch, in der Anmutung seiner ruhig schwebenden Farbzeichnungen den Ausdruck einer Geisteshaltung zu erkennen, die sich gerade dieser bewussten Abkehr vom hektischen Kunstmarktgeschehen verdankt: konzentrierte Gelassenheit. Nicht wechselnde Befindlichkeit, sondern die Einfühlung in überindividuelle Schöpfungsrhythmen, die immerwährende Genesis im natürlichen Kreislauf von Werden und Vergehen drückt sich darin aus." - Stefan Tolksdorf Auswahlbibliographie Karl Mordstein. Aquarelle, Gouachen 1972 - 1975, Galerie Angst und Orny, München 1975. Juliane Roh: Karl Mordstein. Bilder, Paintings 1976 - 79, Frankfurt a. M. 1979. Siegfried Salzmann (Text): Karl Mordstein. Arbeiten auf Papier, Galerie Dorothea van der Koelen, Mainz 1982. Galerie Heimeshoff (Hrsg.): Karl Mordstein. "Seelen-Notate"; Bilder, Arbeiten auf Papier, Bildkästen; 1985 - 1988, Essen 1988. Stefan Tolksdorf (Text): Lebenszeichen. Mordstein, Karl und Sinen Thalheimer, Essen 2009. (weniger anzeigen)

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Wachter, Emil: Emil Wachter (1921-2012), Rebekka, 1987

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Emil Wachter (1921 Neuburgweiser - 2012 Karlsruhe), Rebekka, 1987. Aquarell auf Karton montiert, 13,5 (Höhe) x 14 cm (Breite). Eigenhändig in der Darstellung in Blei mit "E.[mil] Wa[chter]" signiert, auf "[19]87" datiert und dem Trägerkarton als "Rebekka" bezeichnet. Verso handschriftlicher signierter Brief des Künstlers vom "15. Juli [19]88" an Robert (?) Spaemann, in dem er dem Theologen "immer mehr das Ewige schon in der Zeit" wünscht und sinniert: "Der Abreißkalender wird immer (mehr anzeigen)

Emil Wachter (1921 Neuburgweiser - 2012 Karlsruhe), Rebekka, 1987. Aquarell auf Karton montiert, 13,5 (Höhe) x 14 cm (Breite). Eigenhändig in der Darstellung in Blei mit "E.[mil] Wa[chter]" signiert, auf "[19]87" datiert und dem Trägerkarton als "Rebekka" bezeichnet. Verso handschriftlicher signierter Brief des Künstlers vom "15. Juli [19]88" an Robert (?) Spaemann, in dem er dem Theologen "immer mehr das Ewige schon in der Zeit" wünscht und sinniert: "Der Abreißkalender wird immer dünner, der Stoß der abgelegten Jahre immer höher - selbst ich erlebe das schon so." - Aquarell in ausgezeichnetem Zustand, Trägerkarton etwas nachgedunkelt und mit leichten Knickspuren. Rückseitig an den Randbereich Montagespuren. - Rebekkas Erscheinen - Emil Wachter hat sich in seinem Oeuvre immer wieder mit den Müttern der Israeliten beschäftigt. Dabei galt sein besonderes Interesse Rebekka, der Frau Isaaks, die die Zwillinge Esau und Jakob gebar. Wir sehen einen dunklen schwarz-violetten Raum, aus dem das gelbe Profil Rebekka aufstrahlt, wobei ihre Haare, Lippen und Nase, vor allem aber die Augen ebenfalls tiefschwarz sind. Auf dieses Weise hebt sie sich nicht vom dunklen Grund ab, sondern ist an diesen zurückgebunden. Und vom Gesicht her wird deutlich, dass auf der abstrakten rechten Seite des Bildes überall unter dem Dunkel das Gelb hervorschimmert. Damit scheint sich Rebekka auf geheimnisvolle Weise aus dem Dunkel heraus zu materialisieren. Dieser Eindruck wird noch bestärkt, indem die jüdische Stammmutter das Bildfeld ausfüllt und nach oben hin durchbricht. Das Aquarell ist ein eindrucksvolles Beispiel für Wachters sensible Revitalisierung des Sakralbildes. Passend dazu ziert es den rückseitigen Brief an den Theologen Robert Spaemann. "Ein gutes gegenständliches Bild hat alle Qualitäten des Abstrakten." Emil Wachter zum Künstler Emil Wachter studierte ab 1941 in Freiburg Theologie und Philosophie, musste jedoch ab 1942 als Soldat dienen und geriet in britische Kriegsgefangenschaft, so dass er sein Studium erst 1946 fortsetzen und 1948 beenden konnte. Im selben Jahr erfolgte eine Parisreise, die zum Entschluss führte, sich der Kunst zu widmen. Wachter studierte von 1949 bis 1952 an der Kunstakademien München und Karlsruhe bei Karl Hubbuch, Carl Trummer und Erich Heckel. Anschließend war er als freischaffender Maler und Bildhauer tätig und lehrte von 1958 bis 1963 seinerseits an der Karlsruher Kunstakademie. 1983 wurde er zum Professor ernannt. Wachter widmete sich insbesondere der Revitalisierung der Sakralkunst. Er schuf zahlreiche Glasfenster, Reliefs, Mosaike, Altäre und Glocken für Sakralbauten. Zudem brachte er ein immenses Oeuvre an weltlicher Kunst hervor, die ebenfalls etwas Mystisch-Geheimnisvolles aufweist. Sein Werk wurde in über 150 internationalen Einzelausstellungen präsentiert. Über sein gesamtes künstlerisches Leben hinweg wurde Emil Wachter mit zahlreichen Preisen geehrt. Als erste große Auszeichnung erhielt er 1956 den Kunstpreis der Stadt Karlsruhe, während ihm mit der Verleihung des Bundesverdienstkreuzes 2011 die höchsten Ehren zuteilwurden. (weniger anzeigen)

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Schmidt-Kestner, Erich: Erich Schmidt-Kestner (1877-1941), Die Fütterung, um 1915

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Erich Schmidt-Kestner (1877 Berlin - 1941 Nordhausen), Die Fütterung, um 1915. Goldfarben und schwarz patinierte Bronze mit gegossener braun patinierter Plinthe auf hell geädertem schwarzgrünem Marmorsockel montiert (5,5 cm Höhe). Gesamthöhe 22 cm. Maße der Bronze: 16,5 cm (Höhe) x 22 cm (Breite) x 10 cm (Tiefe), Gewicht 7,2 kg. Auf der Plinthe mit "E[rich]. Schmidt-Kestner." signiert und mit der Marke "RKB" im Wappen der Gießerei Robert Kionsek Berlin versehen. - Handinnenfläche und (mehr anzeigen)

Erich Schmidt-Kestner (1877 Berlin - 1941 Nordhausen), Die Fütterung, um 1915. Goldfarben und schwarz patinierte Bronze mit gegossener braun patinierter Plinthe auf hell geädertem schwarzgrünem Marmorsockel montiert (5,5 cm Höhe). Gesamthöhe 22 cm. Maße der Bronze: 16,5 cm (Höhe) x 22 cm (Breite) x 10 cm (Tiefe), Gewicht 7,2 kg. Auf der Plinthe mit "E[rich]. Schmidt-Kestner." signiert und mit der Marke "RKB" im Wappen der Gießerei Robert Kionsek Berlin versehen. - Handinnenfläche und Nase des Rehs teilweise oxidiert, mitunter etwas berieben und fleckig, Sockel an den hinteren Ecken leicht bestoßen. - Natürliche Anmut - Ein graziles Reh wird von einer knieenden jungen Frau gefüttert. Mit dem einen Arm bietet sie dem Reh etwas dar und bedeckt mit dem anderen ihre Blöße. Dies wirkt zugleich wie eine Demutsgeste vor dem anmutigen und scheuen Tier, in dessen Gestaltung Schmidt-Kestners umfangreichen Tierstudien eingeflossen sind. Insbesondere der Kopf mit dem Geweih und die Hinterläufe verleihen der Darstellung eine intensive Lebendigkeit. Die junge Frau ist von derselben grazilen Anmut wie das Reh und wirkt in ihrer Haltung ebenso scheu und unschuldig. Dabei bringt das schwarze Waldtier ihre goldene Erscheinung umso mehr zum Aufstrahlen und dennoch ist sie es, die sich voll fürsorglicher Zuneigung dem Tier widmet, was wiederum die Aufmerksamkeit auf das Reh lenkt. Die liebevolle Darreichung verbindet die junge Frau und das Reh miteinander, wobei die parallele Anordnung die Verbundenheit als innerer Gleichklang erscheinen lässt. Obwohl sie der Hiatus von Mensch und Tier trennt, sind sie doch wesensverwandt, so dass sich im Naturell des Rehs auch das Naturell der jungen Schönheit offenbart. zum Künstler Erich Schmidt-Kestner studierte zunächst an der Berliner und anschließend an der Düsseldorfer Kunstakademie Bildhauerei. Noch als Student wurde ihm 1904 auf der Großen Berliner Kunstausstellung eine kleine Goldmedaille verliehen und im Folgejahr wurde er auf der Internationalen Kunstausstellung München für sein Werk "Schreitendes Mädchen" mit einer Goldmedaille geehrt. Nach Abschluss des Studiums erhielt er 1905 den mit einem zweijährigen Romaufenthalt dotierten Rompreis. Nach der Rückkehr aus Italien war Schmidt-Kestner von 1908 bis 1926 als freischaffender Künstler in seiner Heimatstadt Berlin tätig. Unterbrochen wurde sein künstlerisches Wirken durch den Ersten Weltkrieg, an dem er als Soldat in Frankreich und Russland und als Italienisch-Dolmetscher im Alpenkorps teilnahm. 1926 wurde Schmidt-Kestner als Leiter der Bildhauerklasse an die Kunstschule Königsberg berufen. Dort war er zudem ehrenamtlich stellvertretender Direktor des Zoos und fertigte zahlreiche Tierstudien an. 1935 folgte Schmidt-Kestner einem Ruf an die Kunstgewebeschule Kassel, die er später als Direktor leitete. Neben einem umfassenden Oeuvre an Bauplastik schuf Schmidt-Kestner zahlreiche Denkmäler und Salonplastiken aus Bronze, die sich einer so großen Beliebtheit erfreuten, dass Porzellanmanufakturen, wie die KPM, Werke nach seinen Entwürfen ausformten. (weniger anzeigen)

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Deutsch, Karl-Heinz: Karl-Heinz Deutsch (*1940), Helm-Kopf, um 2003

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Karl-Heinz Deutsch (*1940 Karlsruhe), Helm-Kopf, um 2003. Polierte und patinierte Bronze, 23,5 cm (Höhe) x 25,5 cm (Länge) x 16 cm (Tiefe), Gewicht 4,9 kg. Rückseitig monogrammiert, als Exemplar Nummer 4/6 ausgewiesen und mit dem Gießereistempel "Balzer Pforzheim" versehen. - in tadellosem Zustand - Futuristische Archaik - Der Helm-Kopf wirkt gleichermaßen wie ein Relikt aus archaischer Vergangenheit und als ob er aus der Zukunft stammen würde. Die dunklen Partien vermitteln den (mehr anzeigen)

Karl-Heinz Deutsch (*1940 Karlsruhe), Helm-Kopf, um 2003. Polierte und patinierte Bronze, 23,5 cm (Höhe) x 25,5 cm (Länge) x 16 cm (Tiefe), Gewicht 4,9 kg. Rückseitig monogrammiert, als Exemplar Nummer 4/6 ausgewiesen und mit dem Gießereistempel "Balzer Pforzheim" versehen. - in tadellosem Zustand - Futuristische Archaik - Der Helm-Kopf wirkt gleichermaßen wie ein Relikt aus archaischer Vergangenheit und als ob er aus der Zukunft stammen würde. Die dunklen Partien vermitteln den Eindruck, auf ursprüngliche Weise plastisch geformt worden zu sein und im Lauf der Zeit entstandene Kratzspuren und Abschabungen aufzuweisen, während die elegant geschwungenen an Brancusis futuristische Skulpturen gemahnenden polierten Bereiche eine noch nicht angebrochene Zeit vorwegnehmen. Im Gegensatz zu Brancusis weit abstrakteren Figuren ist das Anthropomorphe beim Helm-Kopf jedoch das wesentliche Moment. Insbesondere der Hinterkopf ist deutlich ausgeformt und wir erkennen - zumindest einseitig - die Augen, während die wie golden schimmernden polierten Flächen mit dem von der Stirn bis zum Kinn durchlaufenden Schwung und den luftschlitzartigen Einkerbungen im Mundbereich das Anthropomorphe zu etwas Helmförmigen transformieren. Allerdings kann, trotz der verschiedenartigen farblichen Erscheinung, nicht zwischen Kopf und Helm unterschieden werden, vielmehr geht beides ineinander über und auseinander hervor, als ob wir einen Prototyp des Kopfes betrachten würden, der Helm und Kopf zugleich ist und gleichermaßen aus der Vergangenheit wie der Zukunft stammt. Aus dieser Überzeitlichkeit resultiert die klassische Wirkung der Skulptur. Die schöpferische Auseinandersetzung mit dem Kopf ist für Karl-Heinz Deutschs künstlerisches Schaffen zentral, weshalb der Helm-Kopf ein ganz wesentliches Werk im Oeuvre des Künstlers darstellt, der als Bronzeguss nur äußerst selten auf dem Kunstmarkt angeboten wird. "Seit Jahren beschäftigt mich das Thema "Kopf" in seiner vielfältigen Gestaltungsmöglichkeit. Er bildet die Dominante des menschlichen Körpers. Dabei reduziere ich die Figur und konzentriere mich ausschließlich auf ihn. Er steht für das Geistige im Menschen, daher hat er für mich unendliche Aussagekraft. Auf der Suche nach dem "Urkopf" finde ich "Helmköpfe", "Beilköpfe", "Visierköpfe",." Karl-Heinz Deutsch zum Künstler Nach einer Lehre als Keramik-Modelleur, mit der Karl-Heinz Deutsch die plastischen Grundlagen seiner späteren bildhauerischen Tätigkeit legte, studierte er von 1960 bis 1965 an der Karlsruher Kunstakademie bei Hans Kinderman und Fritz Klemm. Seitdem ist er als freischaffender Künstler tätig, wobei sein hauptsächliches Betätigungsfeld die Skulptur im öffentlichen Raum ist, zu der auch mehr als 75 realisierte Kunst am Bau-Projekte gehören. So schuf er beispielsweise für die Berliner Landesvertretung Rheinland-Pfalz einen versilberten Januskopf. Seit 1965 geht Deutsch zudem verschiedenen öffentlichen Lehrtätigkeiten nach. 1988 wurde er zum Honorarprofessor der Fachhochschule Rheinland-Pfalz ernannt. Er war Initiator der internationalen Bildhauersymposien in Jockgrim. Seit 2001 betreibt er ein Atelier im Fronte Lamotte der Festung Germersheim. Eine umfangreiche Schenkung des Künstlers an die Stadt Germersheim führte zur Gründung eines ebenfalls im Fronte Lamotte ansässigen Skulpturenmuseums, dessen Grundstock die Schenkung bildet. Karl-Heinz Deutsch wurde mehrfach ausgezeichnet und 2017 mit dem Bundesverdienstkreuz geehrt. (weniger anzeigen)

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Freud, Sigmund: Die Frage der Laienanalyse. Unterredungen mit einem Unparteiischen.

Internationaler Psychoanalytischer Verlag, 1926.

Leipzig-Wien-Zürich, Internationaler Psychoanalytischer Verlag 1926. 123 S., 4 Bl.,Originalbroschur. Erstausgabe. Meyer-Palmedo/Fichtner 1926e. Grinstein 10458. Durch die Anklage Reiks wegen Kurpfuscherei notwendig gewordene Stellungnahme Freuds.

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Oberholzer, Emil: Beteiligung des Unlustmotivs an epileptischer Amnesie und deren Aufhellung. (Sonderabdruck; Widmungsexemplar)

Marhold, Halle, 1914.

Sonderabdruck aus der Psychiatrisch-Neurologischen Wochenschrift. XVI. Jahrgang Nr. 10 (vom 6. Juni 1914).4°, 1 Doppelbatt (vier Seiten). Rechts oben mit handschriftlicher "Vom Verf.", sehr seltener Separatabdruck der frühen Arbeit. Mittelfalte, geringe Gebrauchsspuren. Oberholzer became friends with Hermann Rorschach and helped in developing the shape interpretation test; he continued work on the test and was considered one of its best interpreters. Most of his writing was devoted to the (mehr anzeigen)

Sonderabdruck aus der Psychiatrisch-Neurologischen Wochenschrift. XVI. Jahrgang Nr. 10 (vom 6. Juni 1914).4°, 1 Doppelbatt (vier Seiten). Rechts oben mit handschriftlicher "Vom Verf.", sehr seltener Separatabdruck der frühen Arbeit. Mittelfalte, geringe Gebrauchsspuren. Oberholzer became friends with Hermann Rorschach and helped in developing the shape interpretation test; he continued work on the test and was considered one of its best interpreters. Most of his writing was devoted to the Rorschach test and its interpretation. As a member of the Zürich group, which was part of the International Psychoanalytical Association (IPA), he gave a presentation on November 3, 1911, on dream analysis. After an initial analysis with Oskar Pfister, he began analysis with Freud in June 1913 and remained faithful to Freud following Carl G. Jung's defection. With his wife, Mira Ginzburg (1887-1949), a physician who was also analyzed by Freud, and Oskar Pfister, he created the Swiss Society for Psychoanalysis on March 21, 1919, and became its first president, a position he held until 1928.He is important because he was the first person in Zürich, in fact the first person in German-speaking Switzerland, to be analyzed in the Freudian manner, with several weekly sessions over a period of several years. He published relatively little on psychoanalysis, aside from two case studies of children (1922). Kaspar Weber: "At the end of 1927 Oberholzer tried to resolve the conflict that had been developing within the Swiss Society for Psychoanalysis "because of analyses that had been enthusiastically shortened" (letter from Freud to Pfister, February 17, 1928) by Oskar Pfister. Because there was some confusion between Pfister's specific problem and the more general problem of "lay analysis," the SchweizerischeÄrztegesellschaft für Psychoanalyse (Swiss Medical Society for Psychoanalysis), which he created in 1928, was not accepted into the IPA and was dissolved after a few years. On March 25, 1938, Oberholzer emigrated to the United States, and escaped the threat of Nazi Germany, primarily out of concern for his Jewish wife and his son. The couple practiced psychoanalysis in New York (they were not licensed to practice there as physicians). After his wife's death in 1949, Oberholzer became increasingly isolated and died in 1958 after suffering for many years from diabetes." (weniger anzeigen)

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Friedrich, Ernst: Vom Friedens-Museum ... ... zur Hitler-Kaserne. Ein Tatsachenbericht über das Wirken von Ernst Friedrich und Adolf Hitler.

Genossenschafts-Buchhandlung, Zürich, 1935.

Herausgegeben vom "Internationales Komitee für die Wiedererrichtung des ersten internationalen Anti-Kriegs-Museums", Genf.. Ca. 22,5 x 15,5 cm. 187 (29 Seiten, mit zahlreichen Abbildungen (teils auf Tafeln). Illustrierter Original-Halbleinenband.

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Orlik, Emil: Emil Orlik (1870-1932), Gastspiel des Deutschen Theaters zu Berlin, 1899

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Emil Orlik (1870 Prag - 1932 Berlin), Ensemble Gastspiel von Mitgliedern des Deutschen Theaters zu Berlin, 1899. Farblithographie auf Velin, 20 cm x 13,3 cm (Darstellung), 29,5 cm x 21 cm (Blattgröße). - etwas nachgedunkelt, rechts außen kleine Randeinrisse, leichtere Knickspuren außerhalb der Darstellung - Ornamentaler Fluss - Bei der Grafik handelt es sich um die verkleinerte Version des von Emil Orlik für das Deutsche Theater angefertigten Plakats, die in der Januarausgabe der (mehr anzeigen)

Emil Orlik (1870 Prag - 1932 Berlin), Ensemble Gastspiel von Mitgliedern des Deutschen Theaters zu Berlin, 1899. Farblithographie auf Velin, 20 cm x 13,3 cm (Darstellung), 29,5 cm x 21 cm (Blattgröße). - etwas nachgedunkelt, rechts außen kleine Randeinrisse, leichtere Knickspuren außerhalb der Darstellung - Ornamentaler Fluss - Bei der Grafik handelt es sich um die verkleinerte Version des von Emil Orlik für das Deutsche Theater angefertigten Plakats, die in der Januarausgabe der Münchener Zeitschrift ,Dekorative Kunst' im Jahr 1900 erschienen ist. Noch in Prag ansässig, war Orlik zu einem international gefragten Jugendstilkünstler geworden, der damit beauftragt wurde, das Plakat für das Gastspiel des Berliner Theaters in Wien zu gestalten. Dabei verbindet er die Schrift und die figürliche Darstellung durch eine fließende Ornamentik. Die Flamme der in der Theatermaske steckenden Fackel verwandelt sich über den fließenden Ornamentrahmen in das Haar der Muse und wird dann zur Maske, welcher der Fluss zu entströmen scheint. Das orange Ornament wird durch die komplementäre Farbe Blau verlebendigt, was einen musterartigen Effekt bewirkt, der sich auch in den ornamental ausgeformten Buchstaben wiederfindet. Vor diesem Hintergrund ist das Plakat ein programmatisches Bild des Jugendstils, das aus diesem Grund Eingang in die renommierte Kunstzeitschrift gefunden hat. zum Künstler In Prag aufgewachsen studierte Emil Orlik von 1889 bis 1891 in München an der Malschule von Heinrich Knirr und anschließend, von 1891 bis 1893, an der Münchner Kunstakademie. Von 1894 bis 1896 hielt sich Orlik wieder in Prag auf, leistete dort den einjährigen Militärdienst ab und freundete sich mit Reiner Maria Rilke an, der ihn zur Buchgestaltung inspirierte. 1896 ging Orlik abermals nach München, wo sich eine künstlerische Freundschaft mit Bernhard Pankok entwickelte. Im Folgejahr eröffnete Orlik ein Atelier in Prag, das er bis 1904 führte. 1898 unternahm er eine nahezu einjährige Studienreise nach England, Schottland, Holland, Belgien und Paris. 1904 wurde Orlik Lehrer am Wiener Kunstgewerbemuseum. Er war bereits seit 1899 Mitglied der Wiener Secession und veröffentlichte in der Jugendstilzeitschrift ,Ver Sacrum'. 1905 erfolgte der Ruf zum Professor an das Berliner Kunstgewerbemuseum, wo er als Nachfolger Otto Eckmanns bis zu seinem Todesjahr, 1932, die Graphiklasse leitete. Dort gehörten George Grosz, Hanna Höch und Karl Hubbuch zu seinen Schülern. Im Jahre 1900 unternahm Orlik eine seine Kunst nachhaltig prägende einjährige Japanreise. Anschließend hielt er Vorträge über Japan, gab 1904 das Mappenwerk ,Aus Japan' heraus und illustrierte von 1905 bis 1910 die sechsbändige Werkausgabe des in Japan ansässigen englischen Diplomaten Lafcadio Hearn. 1912 erfolgte die zweite Japanreise, die über Ägypten, Sudan, Ceylon, China und Korea führte. Die künstlerischen Eindrücke schlugen sich in den Mappenwerke ,Reise nach Ägypten' (1921) und ,Reise nach Japan' (1921) nieder. Auch die späten 20er Jahre waren von zahlreichen Reisen nach Amerika, Frankreich, Spanien, Italien und Jugoslawien geprägt. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit als Raumgestalter, zu denen auch Entwürfe für Kostüme und Bühnenbilder für das Deutsche Theater von Max Reinhardt gehören, war Orlik vor allem Grafiker und ein gefragter Porträtist. Er porträtierte unter anderen Gerhard Hauptmann, Henrik Ibsen, Bernhard Pankok, Gustav Mahler, Max Klinger, Rainer Maria Rilke, Ernst Barlach, Lovis Corinth, Otto Dix, Käthe Kollwitz, Max Slevogt, Franz Werfel, Rudolf Steiner, Thomas Mann, Albert Einstein, Franz Marc und Alfred Döblin. Seine Virtuosität als Porträtkünstler führte dazu, dass Orlik als Porträtist für die Friedenskonferenz in Brest-Litowsk engagiert wurde, woraus das Mappenwerk ,Karikaturen aus Brest-Litowsk' (1918) hervorging. (weniger anzeigen)

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Freud, Sigmund (Hrsg.): Imago. Zeitschrift für Anwendung der Psychoanalyse auf die Geisteswissenschaften X. Band 1924 Heft 1.

Internationaler Psychoanalytischer Verlag, Leipzig-Wien-Zürich, 1924.

"Gr. 8°. Seite 1-132. Offizielles Organ der Internationalen Psychoanalytischen Vereinigung. Redigiert von Otto Rank und Hanns Sachs. Mit den Beiträgen von Heinrich Gomperz: Psychologische Beobachtungen an griechischen Philosophen. I. Parmenides II. Sokrates; Fritz Giese: Psychoanalytische Psychotechnik. I. Psychoanalyse und Wirtschaftsleben (Erotisierte Reklame) II. Psychologische Eignungsprüfung. Zeitbedingt gebräunt, Deckel mit kleinen Einrissen, kleiner Stempel und kurze Notiz auf (mehr anzeigen)

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Chagall, Marc: Marc Chagall (1887-1985), Bible Verve, 1956

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Marc Chagall (1887 Peskowatik - 1985 Saint-Paul-de-Vence), Bible Verve, 1956. Farblithografie aus Verve 'Bilder zur Bibel', Editions de la Revue Verve, Nr. 33-34, Teriade Paris, 1956. Mourlot Lithograph I, Nr. 118, 35,5 cm x 26,5 cm. - leicht bestoßen, verso mit Resten der ursprünglichen Montage - Ewiges Ringen - Die Gesetzestafeln werden nicht von Moses, sondern einem Engel in die Höhe gehalten, der sie zwar präsentiert, zugleich aber mit ihnen zu ringen scheint, so wie der Mensch um die (mehr anzeigen)

Marc Chagall (1887 Peskowatik - 1985 Saint-Paul-de-Vence), Bible Verve, 1956. Farblithografie aus Verve 'Bilder zur Bibel', Editions de la Revue Verve, Nr. 33-34, Teriade Paris, 1956. Mourlot Lithograph I, Nr. 118, 35,5 cm x 26,5 cm. - leicht bestoßen, verso mit Resten der ursprünglichen Montage - Ewiges Ringen - Die Gesetzestafeln werden nicht von Moses, sondern einem Engel in die Höhe gehalten, der sie zwar präsentiert, zugleich aber mit ihnen zu ringen scheint, so wie der Mensch um die Einhaltung der göttlichen Gesetze ringt. Mit dem Motiv des Ringens bezieht sich Chagall zudem auf Jakobs bis zum Morgengrauen währenden Kampf mit einem Engel Gottes, der Jakob am Ende den Segen erteilt. Die sich vor dem gelben energetischen Grund abhebende schwarze Lineatur verstärkt den kraftvollen Charakter der Darstellung. zum Künstler Marc Chagall gilt als "Maler-Poet" der Moderne. In einer jüdischen Familie in Witebsk aufgewachsen, erhielt er seine erste künstlerische Ausbildung in St. Petersburg an der privaten Swansewa-Kunstschule. Ab 1910 lebte Chagall in Paris, wo er sich den aktuellen Kunstströmungen wie Fauvismus und Kubismus öffnete und mit anderen Künstlern wie Picasso zusammenarbeitete. Er entwickelte seinen eigenen Stil, der oft als surrealistisch, aber auch als expressionistisch und romantisch bezeichnet wird. Nach einem Besuch in Russland 1914 wurde Chagall durch den Ersten Weltkrieg daran gehindert, nach Paris zurückzukehren. In den folgenden Jahren beteiligte er sich an Ausstellungen in Moskau und wurde als Protagonist der russischen Avantgarde bekannt. Nach dem Ersten Weltkrieg kehrte Chagall 1923 nach Paris zurück, wo er zu einem international gefragten Künstler wurde. Während des Zweiten Weltkriegs emigrierte er mit seiner Frau Bella nach New York, wo das Museum of Modern Art eine Retrospektive seiner Werke veranstaltete. Nach dem Zweiten Weltkrieg kehrte Chagall nach Frankreich zurück und lebte bis zu seinem Tod in Saint-Paul-de-Vence. Er schuf zahlreiche Gemälde, Druckgrafiken, Illustrationen und Kirchenfenster, darunter das berühmte Glasfenster in der Synagoge von Hadassah in Jerusalem. (weniger anzeigen)

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Mania, Dietrich und Volker Toepfer: Königsaue.

Deutscher Verlag der Wissenschaften, Berlin, 1973.

Gliederung, Ökologie und mittelpaläolithische Funde der letzten Eiszeit. Zum IX. Kongreß der Internationalen Quartärvereinigung (INQUA) Christchurch, Neuseeland 1973.. 4°. 164 S. mit 40 Textabbildungen, 74 Tafeln u. 8 gefalteten Beilagen. Original-Halbleinenband mit Schutzumschlag.

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Freud, Sigmund (Hrsg.): "Imago. Zeitschrift für Anwendung der Psychoanalyse auf die Geisteswissenschaften X. Band 1924 Heft 4 ""Bildende Kunst"""

Internationaler Psychoanalytischer Verlag, Leipzig-Wien-Zürich, 1924.

"Gr. 8°. Seite 361-447. Offizielles Organ der Internationalen Psychoanalytischen Vereinigung. Redigiert von Otto Rank, Hanns Sachs und A. J. Storfer. Mit den Beiträgen von Richard Sterba: Zur Analyse der Gotik; Hans Kuhnen: Psychoanalyse und Baukunst; A. J. Westerman Holstijn: Die psychologische Entwicklung Vincent van Goghs; Imre Hermann: Benvenuto Cellinis dichterische Periode; ders.: Die Regression zum zeichnerischen Ausdruck bei Goethe; ders.: Die Regel der Gleichzeitigkeit in der (mehr anzeigen)

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FLEISCHMANN GEBR: Fleischmann Modellbahnen. Tips - Das umfassende Nachschlage-Werk für alle Freunde des internationalen Fleischmann 2-Leiter-Gleichstrom-Systems. 1. Auflage (S 0868 HO).

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Deutsch, Karl-Heinz: Karl-Heinz Deutsch (*1940), Helm-Kopf, um 2003

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Freud, Sigmund: Die Frage der Laienanalyse. Unterredungen mit einem Unparteiischen.

Internationaler Psychoanalytischer Verlag, 1926.

125.00 EUR

Oberholzer, Emil: Beteiligung des Unlustmotivs an epileptischer Amnesie und deren Aufhellung. (Sonderabdruck; Widmungsexemplar)

Marhold, Halle, 1914.

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Friedrich, Ernst: Vom Friedens-Museum ... ... zur Hitler-Kaserne. Ein Tatsachenbericht über das Wirken von Ernst Friedrich und Adolf Hitler.

Genossenschafts-Buchhandlung, Zürich, 1935.

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Orlik, Emil: Emil Orlik (1870-1932), Gastspiel des Deutschen Theaters zu Berlin, 1899

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Freud, Sigmund (Hrsg.): Imago. Zeitschrift für Anwendung der Psychoanalyse auf die Geisteswissenschaften X. Band 1924 Heft 1.

Internationaler Psychoanalytischer Verlag, Leipzig-Wien-Zürich, 1924.

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Chagall, Marc: Marc Chagall (1887-1985), Bible Verve, 1956

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Mania, Dietrich und Volker Toepfer: Königsaue.

Deutscher Verlag der Wissenschaften, Berlin, 1973.

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Freud, Sigmund (Hrsg.): "Imago. Zeitschrift für Anwendung der Psychoanalyse auf die Geisteswissenschaften X. Band 1924 Heft 4 ""Bildende Kunst"""

Internationaler Psychoanalytischer Verlag, Leipzig-Wien-Zürich, 1924.

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