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Haas, Willibrord: Willibrord Haas (*1936), Steigend, 1980

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Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Steigend, 1980. Radierung, 35 cm x 22 cm (Plattengröße), 53,5 cm x 38 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "1980" datiert als "Steigend" betitelt und mit "Zustandsdruck" ausgewiesen. - ausgezeichnet erhaltener Probedruck Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf Deutsch "nackt, bloß", man kennt ignudo (mehr anzeigen)

Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Steigend, 1980. Radierung, 35 cm x 22 cm (Plattengröße), 53,5 cm x 38 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "1980" datiert als "Steigend" betitelt und mit "Zustandsdruck" ausgewiesen. - ausgezeichnet erhaltener Probedruck Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf Deutsch "nackt, bloß", man kennt ignudo als Singular männlich, entsprechend sind die vielen herrlichen nackten Jünglingsgestalten Michelangelos, die die Ecken in den Deckenmalereien der sixtinischen Kapelle zieren -ignudi-. [.] Dieser Begriff insinuiert die Abwesenheit von Scham, der Begriff -nackt-, dagegen, ist voller Peinlichkeit." "Die Männergestalten präsentieren sich von Scham befreit ohne jedoch die Grenze zur Obszönität zu überschreiten, auch wenn der sexuelle Eros die "Triebfeder" der Darstellung ist: "Was nicht nur mir auffällt, dass Teile, die sonst unter der Schamgrenze liegen, bei mir in den Mittelpunkt rücken, und ich dabei auch noch Spaß empfinde!" Willibrord Haas zum Künstler Willibrord Haas studierte von 1954 bis 1960 an der Münchner Kunstakademie bei Hermann Kaspar, Richard Seewald, Charles Crodel und Georg Schmidt. Zudem besuchte er Universitätsveranstaltungen bei dem Kunsthistoriker Hans Sedlmayr und dem Religionsphilosophen Romano Guardini. Nach seinem Abschluss als Meisterschüler wurde Haas in Berlin ansässig, wo er zusammen mit seiner Ehefrau, der Künstlerin Helga Wirth, 1972 eine eigene Radierwerkstatt einrichtete. Für seine künstlerische Entwicklung war die Begegnung mit Joseph Beuys wegweisend, den er 1967 in seinem Düsseldorfer Atelier besuchte. Von Beuys künstlerischem Denken inspiriert, entwickelte er die für sein weiteres Oeuvre charakteristischen von einer nach außen abstrahlenden Energetik getragenen Farbwelten, die er selbst als ,Seelenlandschaften' bezeichnet. Darüber hinaus hat Haas aber immer wieder insbesondere männliche Akte gestaltet, die ebenfalls von einer energetischen Vitalität beseelt sind. "... das kleine Blättchen liegt vor mir, ich habe die völlige Freiheit, ich kann Alles daraus machen, ein kleines Königreich, keiner kann mir reinreden, und oft gelingt der spontane Zauber aus Tröpfchen, Linien, Flächen und ich habe ein kleines Glück erschaffen." Willibrord Haas (weniger anzeigen)

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Laeuger, Max (Umkreis): Kunsttöpferei Kandern, Bauchige Vase Verlaufsglasur, um 1920. Umkreis Max Laeuger

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ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Bauchige Vase mit tonfarbener Verlaufsglasur auf schwarzblauem Grund, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,780' ausgewiesen, 19 cm (Höhe) x 12,5 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 9,5 cm. - zwei retuschierte Chips an der Mündung, minimale Kratzspuren im Fond, ansonsten sehr gut erhalten - Innerer Überfluss - Die einfache wie bestechende künstlerische Idee besteht darin, (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Bauchige Vase mit tonfarbener Verlaufsglasur auf schwarzblauem Grund, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,780' ausgewiesen, 19 cm (Höhe) x 12,5 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 9,5 cm. - zwei retuschierte Chips an der Mündung, minimale Kratzspuren im Fond, ansonsten sehr gut erhalten - Innerer Überfluss - Die einfache wie bestechende künstlerische Idee besteht darin, die gebauchte Vase mit einer schwarzblauen Glasur zu versehen, über die eine tonfarbene Verlaufsglasur hinabläuft. Dies führt zu einer Figur-Grund-Umkehr, da doch eigentlich der Korpus tonfarben ist bevor er glasiert wird. Mit der Tonfarbe läuft hier also das Material selbst über den glasierten Korpus, so dass das Innere zum Äußeren wird. Indem der Mündungswulst ganz tonfarben gehalten ist, entsteht der Eindruck als ob die Verlaufsglasur aus dem Inneren herausfließen würde, wodurch die Vase ästhetisch zur Quelle ihres eigenen Materials wird. Der starke Kontrakt zum blauschwarzen Grund hebt den tonfarbenen Verlauf hervor, welcher durch den Nachvollzug der bauchigen Form seinerseits den blauschwarzen Korpus präsenter werden lässt. Da der Verlauf bei jeder Vase jeweils anders erfolgt, weist jedes Exemplar den Charakter eines Unikats auf. zur Kunsttöpferei Kandern Nachdem sich Max Laeuger bereits seit 1892 intensiv in Kandern und Karlsruhe mit der Gestaltung von Keramik beschäftigt hatte, gründete er 1897 die Prof. Laeuger'sche Kunsttöpferei als Teil der Tonwerke Kandern. Unter seiner bis 1913 währenden Leitung entstanden 738 Muster für Gefäße und 320 baukeramische Vorlagen. Die ausgeführten Werke sind mit der Pressmarke der in ein Quadrat gefassten Buchstaben ,MLK' versehen. Laeuger führte neue künstlerische Techniken in die Töpferei ein. Neben der effektvollen Verlaufsglasur insbesondere die an der Pâte sur Pâte-Technik der Porzellangestaltung orientierte Schlickermalerei, bei der mit eingefärbter Tonmasse auf den Tonkorpus gemalt wird. Dies führt zu reliefartigen Effekten und ermöglicht die Kreation ganz neuer Muster. Vermittels dieser Techniken hat Laeuger die Ornamentik des Jugendstils auf eine am Material orientierte innovativ abstrahierende Weise in die Töpferei überführt und damit die moderne Künstlerkeramik begründet. Diese Neuerungen waren keineswegs auf das vermeintlich künstlerisch irrelevante Gebiet des Kunstgewerbes beschränkt. Vielmehr ging gerade vom Kunsthandwerk ein neuer gesellschaftsreformatorischer künstlerischer Anspruch aus, der sich auch darin niederschlägt, dass Laeuger 1907 den Deutschen Werkbund mitbegründete. Nach seinem Weggang aus Kandern richtete sich Laeuger 1916 in Karlsruhe eine eigene Keramikwerkstatt ein, wo er bis 1944 etwa 5000 Keramiken schuf und zwischen 1921 und 1929 die auf Initiative von Hans Thoma und Wilhelm Süs gegründete Staatliche Majolika Manufaktur Karlsruhe mit Entwürfen belieferte. In Kandern übernahm Hermann Hakenjos sen. ab 1920 die im künstlerischen Geiste Laeugers weiterführte Kunsttöpferei, deren Produkte mit den geritzten, in ein Quadrat eingeschriebenen Buchstaben ,KTK' gemarkt wurden. 1927 gründete Hakenjos zusammen mit dem Keramiker Richard Bampi die Fayence-Manufactur Kandern. Ihre Erzeugnisse tragen die Stempelmarke der in ein Dreieck eingelassenen Buchstaben ,FMK'. (weniger anzeigen)

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Der Ackermann und der Tod, um 1948

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Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Der Ackermann und der Tod, um 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 16,8 cm x 15,8 cm (Darstellung), 42 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert. - Der breite Blattrand etwas gewellt, minimal lichtrandig, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Aussaat und Ernte - Rudolf Nehmer reflektiert mit diesem Bild die unmittelbare katastrophale Vergangenheit. Dazu bezieht er sich auf die (mehr anzeigen)

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Haberl, Heinrich (1869-1934): Sturmhaube, um 1900

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ARCADIA ART Heinrich Haberl (1869 Passau bis 1934 München), Sturmhaube, um 1900. Kaltnadelradierung, 14 x 10 cm (Plattenrand), 28 x 21 cm (Blattgröße), 39 x 29 cm (leinenüberzogenes Passepartout), links unten in Blei mit "Sturmhaube" betitelt und mit "Kaltnadelradierung" bezeichnet, rechts unten mit "Heinrich Haberl Mchn. [München]" handsigniert und ortsbezeichnet, verso nochmals in Blei bezeichnet und mit altem Sammlungsstempel. - leicht nachgedunkelt und am Passepartout fixiert - Das (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Heinrich Haberl (1869 Passau bis 1934 München), Sturmhaube, um 1900. Kaltnadelradierung, 14 x 10 cm (Plattenrand), 28 x 21 cm (Blattgröße), 39 x 29 cm (leinenüberzogenes Passepartout), links unten in Blei mit "Sturmhaube" betitelt und mit "Kaltnadelradierung" bezeichnet, rechts unten mit "Heinrich Haberl Mchn. [München]" handsigniert und ortsbezeichnet, verso nochmals in Blei bezeichnet und mit altem Sammlungsstempel. - leicht nachgedunkelt und am Passepartout fixiert - Das Ziel im Visier - zum Kunstwerk Das theatralische "Rollenporträt" ist vor dem Hintergrund der am Ende des 19. Jahrhunderts kulminierenden Rembrandtverehrung zu sehen. Der Soldat scheint geradewegs der Nachtwache (1642) Rembrandts entstiegen zu sein, um mit wachem und bereitem Blick etwas außerhalb des Bildes zu fixieren. Dabei verleiht die steil nach oben zusammenlaufende Krempe des Morion dem Blick eine Rahmung, wodurch der Blick als eigentliche ,Bildhandlung' perspektiviert wird. Der Blick steht gleichermaßen für die wachsame Verteidigung wie für das visionäre Ziel des Kampfes ein. Nicht allein das Motiv, auch der Duktus der Radiernadel entspringt dem damaligen Rembrandtverständnis. In einer virtuos freien Strichführung werden starke Hell-Dunkel-Kontraste erzeugt, ohne dass dadurch die Wirkungen der Reflexe auf dem Helm und in den Augen verlorengehen würden. Hierin zeigt sich eine Verwandtschaft mit den frühen Grafiken von Lovis Corinth, der sich als Künstler ebenfalls in der Rolle des Ritters sieht. Vor diesem Hintergrund ist auch Haberls Bild als Darstellung seines künstlerischen Selbstverständnisses zu betrachten. zum Künstler Heinrich Haberl war zunächst an der Nürnberger Kunstschule und studierte ab 1892 an der Münchner Akademie. Dort war er Meisterschüler bei Johann Leonhard von Raab, Rudolf von Seitz, Franz von Defregger und Peter von Halm. Fortan in München ansässig, beschickte er ab 1897 den Münchner Glaspalast mit Radierungen und war auf der Großen Berliner Kunstausstellung, der Dresdner Kunstausstellung und der Leipziger Buchgewerbeausstellung vertreten. Zwischen 1902 und 1904 war er Illustrator der Zeitschrift ,Jugend'. Auswahlbibliographie Thieme-Becker, Allgemeines Lexikon der bildenden Künstler, Bd. XV, Leipzig 1922, S 396. Sauer, Allgemeines Künstler-Lexikon, Bd. 67, Berlin - New York, S. 81. (weniger anzeigen)

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Benter, Lotte: Royal Copenhagen Figur von Lotte Benter, Mädchen in Bornholmer Tracht, Entwurf um 1925, Ausführung 1967. Modellnummer 1323.

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Lotte Benter, Mädchen in Bornholmer Tracht, Entwurf um 1925, Ausführung 1967. Modellnummer 1323. Erste Wahl. Porzellan mit Unterglasurmalerei. 21 cm (Höhe) x 12 cm (Länge) x 10 cm (Tiefe). Unter dem Boden mit der Signatur von Lotte Benter versehen, gemarkt und nummeriert. - tadellos erhalten - Nur noch der Zopf - Zu einem besonderen Anlass hat das Mädchen aus Bornholm die Tracht der Insel angelegt. Sie ist gerade noch dabei, einen Zopf zu flechten. Konzentriert blickt sie auf eine (mehr anzeigen)

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Leoprechting, Marquart Freiherr von (1839-1897) zugeschrieben: Familienszene

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ARCADIA ART Marquard von Leoprechting (1839 Straubing - 1897 München) zugeschrieben. Familienszene. Bleistift und Feder, 17,2 x 21,5 cm (Sichtmaß), 29,8 x 34,8 cm (Rahmen), verso etikettiert. Unter Glas gerahmt. zum Werk Die Zeichnung zeigt eine familiäre Gesellschaft bei Tisch. Dabei handelt es sich nicht um ein repräsentatives Familienbild, sondern um den intimen Einblick in das alltägliche Geschehen mit seinen beiläufig-charakteristischen Handlungen, wie es Daniel Nikolaus (mehr anzeigen)

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Faesch, Emil (1865-1915): Studienkopf, 1888

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ARCADIA ART Emil Faesch (1865 Basel - 1915 Basel). Studienkopf. Kohle auf Malkarton, 60 x 47,5 cm (Blattmaß), rechts unten signiert und datiert "E. Faesch. 1888.". Minimal braunfleckig. zum Werk Der lebensgroße Kopf entfaltet eine ungemein gegenwärtige Präsenz. Diese Wirkung resultiert daraus, dass sich Faesch an akademisch-klassizistischen Büsten orientiert, den Kopf jedoch bis in die Wimpern und die Augenliedfalten hinein naturalistisch ausformt, wodurch die Distanz der (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Emil Faesch (1865 Basel - 1915 Basel). Studienkopf. Kohle auf Malkarton, 60 x 47,5 cm (Blattmaß), rechts unten signiert und datiert "E. Faesch. 1888.". Minimal braunfleckig. zum Werk Der lebensgroße Kopf entfaltet eine ungemein gegenwärtige Präsenz. Diese Wirkung resultiert daraus, dass sich Faesch an akademisch-klassizistischen Büsten orientiert, den Kopf jedoch bis in die Wimpern und die Augenliedfalten hinein naturalistisch ausformt, wodurch die Distanz der klassizistischen Idealität auf eine Unmittelbarkeit hin durchbrochen wird. Die damit erzielte Lebendigkeit kulminiert paradoxerweise gerade darin, dass der Dargestellte offensichtlich den Lebensatem ausgehaucht hat. Dadurch wird die gegenwärtige Präsenz wieder in die Ewigkeit des Steins überführt, in dessen spezifischer Materialität das Antlitz und insbesondere des Haare aufschimmern, während der Oberkörper den Stein deutlich ausstellt. Der zunächst als Zeichner und Modellierer ausgebildete Architekt Emil Faesch, den dieses Metier im Rahmen seiner Tätigkeit als Lehrer der Gewerbeschule Basel auch weiterhin beschäftigen sollte, hat hier eine beeindruckende Neuinterpretation des akademischen Studienkopfes geschaffen, dem er neues Lebens einhaucht, wodurch ihn zugleich der Hauch des Todes umgibt. zum Künstler Emil Faesch entstammt der berühmten Basler Goldschmiede-Familie Faesch. Bereits in jungen Jahren besucht der künstlerisch begabte Faesch die Basler Zeichen- und Modellierschule, wo er bei Fritz Schider lernt. Nach einer Lehre im Architekturbüro Vischer & Fuerter, setzt er seine Ausbildung als Architekt mit einem Studium an der TH München bei August und Friedrich Thiersch fort. 1892 erfolgt eine Berufung als Konservator an das Basler Gewerbemuseum. Ab 1893 unterrichtet er an der angegliederten Gewerbeschule. 1897 tritt er von seinen Ämter zurück, um sich fortan als freier Architekt zu betätigen. Faesch errichte zahlreiche das Stadtbild prägende öffentlichen Gebäude, aber auch Brückenbauten. Darunter die prominente Mittlere Rheinbrücke in Basel. Auswahlbibliographie Saur allgemeines Künstlerlexikon. Die bildenden Künstler aller Zeiten und Völker, Bd. 36, S. 192. (weniger anzeigen)

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Kowalczewski, Paul Ludwig: Paul Ludwig Kowalczewski (1865-1910), Feldarbeiter mit Rechen, um 1900

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Paul Ludwig Kowalczewski (1865 Mieltschin - 1910 Berlin), Feldarbeiter mit Rechen, um 1900. Braun und braun-grünlich patinierte Bronze mit gegossener naturalistischer Plinthe auf weißgeädertem Marmorsockel (10 cm Höhe) montiert, Gesamthöhe 50 cm. Maße der Bronze: 40 cm (Höhe), x 16 cm (Breite) x 13 cm (Tiefe), Gewicht 10,8 kg. Auf der Plinthe mit "P.[aul] L.[udwig] Kowalczewski." signiert und zudem mit dem Kürzel "fc. [fecit]" als Werk des Künstlers ausgewiesen. - vereinzelt leicht (mehr anzeigen)

Paul Ludwig Kowalczewski (1865 Mieltschin - 1910 Berlin), Feldarbeiter mit Rechen, um 1900. Braun und braun-grünlich patinierte Bronze mit gegossener naturalistischer Plinthe auf weißgeädertem Marmorsockel (10 cm Höhe) montiert, Gesamthöhe 50 cm. Maße der Bronze: 40 cm (Höhe), x 16 cm (Breite) x 13 cm (Tiefe), Gewicht 10,8 kg. Auf der Plinthe mit "P.[aul] L.[udwig] Kowalczewski." signiert und zudem mit dem Kürzel "fc. [fecit]" als Werk des Künstlers ausgewiesen. - vereinzelt leicht berieben und minimal fleckig, insgesamt in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand - Die Demut des Landarbeiters - Paul Ludwig Kowalczewski, selbst in einer ländlichen Region in Posen herangewachsen, erhebt den Feldarbeiter zum eigenständigen Bildsujet. Allerdings nicht als neuer Heros der Zeit, wie insbesondere der den Fortschritt voranbringende Metallarbeiter dargestellt wurde, sondern als demütigen älteren Mann. Nach getaner Arbeit, die von der Terrainplinthe angedeuteten wird, hat der barfüßige Feldarbeiter seinen Hut gezogen, um barhäuptig ein Gebet zu sprechen. Dabei stützt er sich auf sein Arbeitsgerät - einen einfachen Rechen. Ganz so, wie es in der Bibel nach der Vertreibung aus dem Paradies heißt hat er über die inzwischen fortgeschritten Lebensjahre hinweg im Schweiße seines Angesichts gearbeitet. Eine Last, die seinem gekrümmten Rücken abzulesen ist. Er mag mit halb geschlossenen Augen in sich gesammelt das Vaterunser sprechen und bei der Zeile "Unser tägliches Brot gib uns heute" angelangt sein. Ein Dank für das tägliche Brot, an dessen Herstellung der Feldarbeiter mitwirkt, und zugleich die Bitte um eine Speisung der Seele, da der Mensch nicht vom Brot allein lebt. zum Künstler Paul Ludwig Kowalczewski studierte von 1895 bis 1898 an der Berliner Akademie der Künste Bildhauerei. Ab 1899 bis 1906 stellte der bereits mit 45 Jahren verstorbene Künstler auf der Großen Berliner Kunstausstellung Salonbronzen und bis zu lebensgroße Büsten aus. Kowalczewski gehörte zu den ersten Künstlern, die Arbeiter und Bauern in der Bronzeplastik darstellen. (weniger anzeigen)

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Haas, Willibrord: Willibrord Haas (*1936), Vorwurfsvoll, 2010

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Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Vorwurfsvoll, 2010. Radierung, 33,5 cm x 20 cm (Plattengröße), 54 cm x 37,5 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "2010" datiert als "Vorwurfsvoll" betitelt und mit "7/20" nummeriert. - in ausgezeichnetem Zustand Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf Deutsch "nackt, bloß", man kennt ignudo als (mehr anzeigen)

Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Vorwurfsvoll, 2010. Radierung, 33,5 cm x 20 cm (Plattengröße), 54 cm x 37,5 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "2010" datiert als "Vorwurfsvoll" betitelt und mit "7/20" nummeriert. - in ausgezeichnetem Zustand Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf Deutsch "nackt, bloß", man kennt ignudo als Singular männlich, entsprechend sind die vielen herrlichen nackten Jünglingsgestalten Michelangelos, die die Ecken in den Deckenmalereien der sixtinischen Kapelle zieren -ignudi-. [.] Dieser Begriff insinuiert die Abwesenheit von Scham, der Begriff -nackt-, dagegen, ist voller Peinlichkeit." "Die Männergestalten präsentieren sich von Scham befreit ohne jedoch die Grenze zur Obszönität zu überschreiten, auch wenn der sexuelle Eros die "Triebfeder" der Darstellung ist: "Was nicht nur mir auffällt, dass Teile, die sonst unter der Schamgrenze liegen, bei mir in den Mittelpunkt rücken, und ich dabei auch noch Spaß empfinde!" Willibrord Haas zum Künstler Willibrord Haas studierte von 1954 bis 1960 an der Münchner Kunstakademie bei Hermann Kaspar, Richard Seewald, Charles Crodel und Georg Schmidt. Zudem besuchte er Universitätsveranstaltungen bei dem Kunsthistoriker Hans Sedlmayr und dem Religionsphilosophen Romano Guardini. Nach seinem Abschluss als Meisterschüler wurde Haas in Berlin ansässig, wo er zusammen mit seiner Ehefrau, der Künstlerin Helga Wirth, 1972 eine eigene Radierwerkstatt einrichtete. Für seine künstlerische Entwicklung war die Begegnung mit Joseph Beuys wegweisend, den er 1967 in seinem Düsseldorfer Atelier besuchte. Von Beuys künstlerischem Denken inspiriert, entwickelte er die für sein weiteres Oeuvre charakteristischen von einer nach außen abstrahlenden Energetik getragenen Farbwelten, die er selbst als ,Seelenlandschaften' bezeichnet. Darüber hinaus hat Haas aber immer wieder insbesondere männliche Akte gestaltet, die ebenfalls von einer energetischen Vitalität beseelt sind. "... das kleine Blättchen liegt vor mir, ich habe die völlige Freiheit, ich kann Alles daraus machen, ein kleines Königreich, keiner kann mir reinreden, und oft gelingt der spontane Zauber aus Tröpfchen, Linien, Flächen und ich habe ein kleines Glück erschaffen." Willibrord Haas (weniger anzeigen)

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Feelisch, Wolfgang: in'sait.

Verlag Pro, Krefeld, 1969.

8°, Brosch. m. OSU. Fluxuskunstwerk. In einen Schutzumschlag gebundener Holzblock - Schutzumschlag mit minimaler Knickspur an der unteren Ecke u. am Rücken minimal bestoßen, sonst sehr gutes Exemplar

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Der Hut, 1967

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Der Hut, 1967. Lithographie, 32,5 cm x 32,5 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]67" datiert, unten links als Exemplar Nr. XII / XX ausgewiesen und mittig als "Der Hut" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Der Kopf des Hutes - Der im Profil dargestellte Kopf der Frauenfigur erweitert sich über die Wangenpartie und den Haaransatz hinaus zu einer gleichermaßen monströsen wie (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Der Hut, 1967. Lithographie, 32,5 cm x 32,5 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]67" datiert, unten links als Exemplar Nr. XII / XX ausgewiesen und mittig als "Der Hut" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Der Kopf des Hutes - Der im Profil dargestellte Kopf der Frauenfigur erweitert sich über die Wangenpartie und den Haaransatz hinaus zu einer gleichermaßen monströsen wie geheimnisvollen Körperlandschaft. Dass es sich dabei nicht bloß um einen Annex des Kopfes handelt, verdeutlich das nach hinten gewanderte Ohr. Die Kopflandschaft wird von der raumgreifenden Hand darunter und der Pfauenfeder darüber flankiert. Die eine dem Hinterkopf parallele Form ausbildende Pfauenfeder wird von einer über dem Ohr aufwachsenden gesichtslosen weiteren Frauenfigur gehalten, die das Geheimnisvolle des Bildes noch steigert, zumal dieser ,Hut' und der Kopf eine Einheit bilden. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Der Mann mit der Schere, 1969

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Der Mann mit der Schere, 1969. Lithographie, 30 cm x 21 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 17/100 ausgewiesen und mittig als "Der Mann mit der Schere" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Das Instrument der Realitätsformung - Der im Profil Dargestellte scheint aus buckelartigen Aufwölbungen zusammengesetzt zu sein, die rosa und grün (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Der Mann mit der Schere, 1969. Lithographie, 30 cm x 21 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 17/100 ausgewiesen und mittig als "Der Mann mit der Schere" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Das Instrument der Realitätsformung - Der im Profil Dargestellte scheint aus buckelartigen Aufwölbungen zusammengesetzt zu sein, die rosa und grün gefärbte Flächen ausbilden. Die einheitliche Erscheinung des Menschen zerfällt in eine dennoch miteinander zusammenhänge Disparatheit. Auf diese ,Zerteilung' bezieht sich die Schere, die der ,Scheren-Mann' über die Lineatur des eingezeichneten Bildrahmen hinaus und damit auch in der Realität zum Einsatz bringt, was die leicht geöffneten Scherenblätter zusätzlich verdeutlichen. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Unter der Maske des venezianischen Mädchens, 1968

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Unter der Maske des venezianischen Mädchens, 1968. Lithographie, 30 cm x 24 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]68" datiert, unten links als Exemplar Nr. 78/80 ausgewiesen und mittig als "Unter der Maske des venezianischen Mädchens" bezeichnet. - in sehr gutem Zustand - Monströse Realität - Von der Kunst eines Guiseppe Arcimboldo inspiriert schafft Reiner Schwarz Köpfe aus sich (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Unter der Maske des venezianischen Mädchens, 1968. Lithographie, 30 cm x 24 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]68" datiert, unten links als Exemplar Nr. 78/80 ausgewiesen und mittig als "Unter der Maske des venezianischen Mädchens" bezeichnet. - in sehr gutem Zustand - Monströse Realität - Von der Kunst eines Guiseppe Arcimboldo inspiriert schafft Reiner Schwarz Köpfe aus sich ineinanderfügenden Versatzstücke, nur dass es sich dabei nicht um Elemente der Flora und Fauna handelt, sondern um menschliche Körperteile. Die monströse Wirkung wird noch zugespitzt, indem das eine Antlitz eine nach oben geschobene Maske ist, hinter der sich das wahre Gesicht offenbart. Die Maske der venezianischen Renaissance-Schönheit fällt deutlich fader aus als das eigentliche von den Pfauenfedern persiflierte hässliche Gesicht, das auf seine Weise dennoch eine ausdrucksstarke wie geheimnisvolle Schönheit aufweist, die allerdings das formulierte Ideal der Maske konterkariert. Indem der Künstler mit der schönen Frauenmaske die Kunst der Renaissance adressiert, ist das Bild zugleich ein Kommentar auf die Kunstgeschichte, die, statt die monströse Realität zu gewahren, die Fantasiewelt idealer Schönheit zur Darstellung bringt. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Hans Eichenberger (1920 Kölliken - 1988 Aarau): Hans Eichenberger (1920-1988), Die Offenbarung, um 1960

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Hans Eichenberger (1920 Kölliken - 1988 Aarau), Die Offenbarung, um 1960. Kohlezeichnung mit Tusche auf handgeschöpftem Zeichenkarton, 23 cm x 27 cm (Darstellung), 27 cm x 40 cm (Blattgröße), unten links mit "Eichenberger" signiert, Zeichenkarton mit Trockenstempel "SHIL - Depose Superbus". - Zeichenkarton im linken unteren Bereich mit Verlust außerhalb der Darstellung, ober Ecke etwas bestoßen, mitunter leicht gewellt, Zeichnung in gutem Zustand mit kräftiger Farbigkeit. - Ergreifende (mehr anzeigen)

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Haas, Willibrord: Willibrord Haas (*1936), Zugriff, 1979

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Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Zugriff, 1979. Radierung, 40 cm x 30 cm (Plattengröße), 54 cm x 37,5 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "1979" datiert als "Zugriff" betitelt und mit "Zustandsdruck 1" ausgewiesen. - ausgezeichnet erhaltener Probedruck Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf Deutsch "nackt, bloß", man kennt ignudo (mehr anzeigen)

Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Zugriff, 1979. Radierung, 40 cm x 30 cm (Plattengröße), 54 cm x 37,5 cm (Blattgröße). Vom Künstler in Blei mit "Willibrord Haas" signiert auf "1979" datiert als "Zugriff" betitelt und mit "Zustandsdruck 1" ausgewiesen. - ausgezeichnet erhaltener Probedruck Willibrord Haas bezeichnet seine die Reize des männlichen Körpers inszenierenden Aktdarstellungen als ,Ignudi': "Ignudi, das ist Italienisch und bedeutet auf Deutsch "nackt, bloß", man kennt ignudo als Singular männlich, entsprechend sind die vielen herrlichen nackten Jünglingsgestalten Michelangelos, die die Ecken in den Deckenmalereien der sixtinischen Kapelle zieren -ignudi-. [.] Dieser Begriff insinuiert die Abwesenheit von Scham, der Begriff -nackt-, dagegen, ist voller Peinlichkeit." "Die Männergestalten präsentieren sich von Scham befreit ohne jedoch die Grenze zur Obszönität zu überschreiten, auch wenn der sexuelle Eros die "Triebfeder" der Darstellung ist: "Was nicht nur mir auffällt, dass Teile, die sonst unter der Schamgrenze liegen, bei mir in den Mittelpunkt rücken, und ich dabei auch noch Spaß empfinde!" Willibrord Haas zum Künstler Willibrord Haas studierte von 1954 bis 1960 an der Münchner Kunstakademie bei Hermann Kaspar, Richard Seewald, Charles Crodel und Georg Schmidt. Zudem besuchte er Universitätsveranstaltungen bei dem Kunsthistoriker Hans Sedlmayr und dem Religionsphilosophen Romano Guardini. Nach seinem Abschluss als Meisterschüler wurde Haas in Berlin ansässig, wo er zusammen mit seiner Ehefrau, der Künstlerin Helga Wirth, 1972 eine eigene Radierwerkstatt einrichtete. Für seine künstlerische Entwicklung war die Begegnung mit Joseph Beuys wegweisend, den er 1967 in seinem Düsseldorfer Atelier besuchte. Von Beuys künstlerischem Denken inspiriert, entwickelte er die für sein weiteres Oeuvre charakteristischen von einer nach außen abstrahlenden Energetik getragenen Farbwelten, die er selbst als ,Seelenlandschaften' bezeichnet. Darüber hinaus hat Haas aber immer wieder insbesondere männliche Akte gestaltet, die ebenfalls von einer energetischen Vitalität beseelt sind. "... das kleine Blättchen liegt vor mir, ich habe die völlige Freiheit, ich kann Alles daraus machen, ein kleines Königreich, keiner kann mir reinreden, und oft gelingt der spontane Zauber aus Tröpfchen, Linien, Flächen und ich habe ein kleines Glück erschaffen." Willibrord Haas (weniger anzeigen)

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Adam, Christian: Christian Adam (1941-2021), Entwurf Brunnen, 1993

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Christian Adam (1941 Oppeln - 2021 Heidelberg), Entwurf Brunnen, 1993. Filzstiftzeichnung mit weißer Farbe auf Karton montiert, 16,5 x 12 cm (Darstellung), 40 x 30 cm (Kartongröße), in Blei mit der Künstlerligatur "Aci" versehen, auf "1993" datiert und mit "Entwurf Brunnen" betitelt. Als Beigabe ein handschriftlicher Geburtstagsglückwunsch an eine befreundete Galeristin auf Karton. - Trägerpappe insbesondere rückseitig etwas stockfleckig, das Bild selbst in gutem Zustand - Das Blut der (mehr anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Das Dirndl-Modell, 1969

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Das Dirndl-Modell, 1969. Lithographie, 33 cm x 26 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 4/100 ausgewiesen und mittig als "Das Dirndl-Modell" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Die Fremdartigkeit der Heimat - Da vom Dirndl einzig das geschnürte Mieder hervorgehoben ist, präsentiert das Dirndl-Modell in erster Linie nicht das Dirndl, (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Das Dirndl-Modell, 1969. Lithographie, 33 cm x 26 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 4/100 ausgewiesen und mittig als "Das Dirndl-Modell" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Die Fremdartigkeit der Heimat - Da vom Dirndl einzig das geschnürte Mieder hervorgehoben ist, präsentiert das Dirndl-Modell in erster Linie nicht das Dirndl, sondern sich selbst. Mit der reptilienartigen Haut eines exotischen Tieres entwächst es der Tracht. Der Köper wird durch buckelartige Aufwölbungen modelliert und wirkt gerade durch die vom Dirndl geschürte Erwartung, eine schöne Gestalt zu sehen, auf ersten Blick hässlich, zumal die Profildarstellung in Verbindung mit dem präsentierten Hals klassischerweise die weibliche Grazilität hervorheben. Und dennoch entfaltet das Modell eine eigentümliche mit einem tiefen Ernst verbundene Schönheit, so dass das Dirndl ein durchaus angemessenes Kleidungsstück ist. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Rethel, Alfred nach (1816-1859): Alfred Rethel nach (1816 Diepenbenden - 1859 Düsseldorf), Der Tod als Diener, um 1920

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Alfred Rethel nach (1816 Diepenbenden - 1859 Düsseldorf), Der Tod als Diener, um 1920. Farbholzschnitt von Oskar Bangemann nach einer gegen 1845 entstandenen Zeichnung Rethels auf handgeschöpftem Papier mit Wasserzeichen "HAHNEMÜHLE", 30,5 cm x 27 cm (Darstellung), 42 cm x 36 cm (Blattgröße), unten links mit "O.[skar] Bangemann SC.[ulpsit]" in der Platte signiert und ebenfalls in der Platte mit "A.[lfred] Rethel" als Werk Rethels ausgewiesen. - Leichte Knickspuren im unteren Randbereich, (mehr anzeigen)

Alfred Rethel nach (1816 Diepenbenden - 1859 Düsseldorf), Der Tod als Diener, um 1920. Farbholzschnitt von Oskar Bangemann nach einer gegen 1845 entstandenen Zeichnung Rethels auf handgeschöpftem Papier mit Wasserzeichen "HAHNEMÜHLE", 30,5 cm x 27 cm (Darstellung), 42 cm x 36 cm (Blattgröße), unten links mit "O.[skar] Bangemann SC.[ulpsit]" in der Platte signiert und ebenfalls in der Platte mit "A.[lfred] Rethel" als Werk Rethels ausgewiesen. - Leichte Knickspuren im unteren Randbereich, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand mit kräftigem Druckbild. - Prägnante Kongenialität - Die von Oskar Bangemann in Holz geschnittene Zeichnung Alfred Rethels befindet sich im Dresdener Kupferstichkabinett. Bereits bevor Rethel mit seiner eigenen Holzschnittfolge, "Auch ein Totentanz" aus dem Jahre 1848, künstlerisch den Nerv der Zeit getroffen hat, hatte er sich mit der Totentanzthematik beschäftigt und insbesondere die druckgraphischen Totentänze von Hans Holbein d. J. und seine Neuauflage durch Nikolaus Daniel Chodowiecki studiert, wobei Rethel dem Sujet stets eine über den "Gleichmacher Tod" hinausgehende politische Dimension verlieh. So ist der vom Tod aus dem Leben gerissene Herr des Hauses offenbar ein aristokratischer Herrscher mit Perücke und hermelinverbrämtem Mantel, während der Zusammengesunkene von einem bürgerlichen Mann mit hinabgefallenem Zylinder gestützt wird. Mit dem Tod wird also zugleich eine gesellschaftspolitische Wende im Rahmen einer Szenerie der italienischen Renaissance veranschaulicht. Oskar Bangemann, der die Holzschnittklasse des Kunstgewerbemuseums Berlin leitete und von 1924 bis 1942 an der Berliner Hochschule für Bildende Künste lehrte, beherrschte die Technik des Holzschnitts auf meisterhafte Weise. Er setzt die blasse Bleistiftzeichnung Rethels in einen ausdrucksstaken Rotton um. Dadurch entsteht ein an die Holzschnitte Albrecht Dürers gemahnendes ,all-over' an Lineaturen, aus denen die dramatische Szenerie des unvermittelten Todes immer wieder von Neuem hervorgeht. zum Künstler Bereits als Dreizehnjähriger nahm der talentierte Alfred Rethel 1829 das Studium an der Kunstakademie Düsseldorf auf. Seine Lehrer, Heinrich Christoph Kolbe und Wilhelm Schadow, folgten einem klassizistisch ausgerichteten Stil der Nazarener, während der ebenfalls in Düsseldorf tätige Carl Friedrich Lessing Rethel die ihn prägende Historienmalerei nahebrachte. 1836 ging Rethel an das von Philipp Veit geleitete Frankfurter Städelsche Kunstinstitut. In Frankfurt erhielt er den prestigeträchtigen Auftrag, den Kaisersaal des Römers mit Herrscherporträts zu freskieren, zudem gewann er den Wettbewerb für die Ausmalung des Krönungssaals des Aachener Rathauses mit Darstellungen aus dem Leben Karls des Großen. Nachdem er die Illustrationen des "Nibelungenliedes" (1840/41) und den Aquarellzyklus "Der Zug Hannibals über die Alpen" (1842-1844) geschaffen hatte, reiste Rethel 1844 nach Rom. Dort studierte er die Kunst Raffaels und verkehrte im Kreis der "Deutschrömern". Nach seiner Rückkehr zog er nach Dresden und begann 1847 mit der Ausführung der Karlsfresken für das Aachener Rathaus. 1848 schuf Rethel dann die Holzschnittfolge "Auch ein Totentanz", die ihn zu einem der bekanntesten Künstler seiner Zeit werden ließ. Die Nachfrage war derart groß, dass ein Nachdruck in der für die damalige Zeit ungewöhnlichen Auflagenhöhe von 10.000 Exemplaren erfolgte. Von 1852 bis 1853 weilte Rethel abermals in Italien, so sich sein Geisteszustand zusehends eintrübte. Die ausgebrochene Erkrankung führte zu seinem frühen Tod mit gerade einmal 43 Jahren. (weniger anzeigen)

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FRÄNKEL, Karl (Illustr.) u. Anna FRÄNKEL-ROTHZIEGEL (Text): Wiener Vorstadt-Kunst der Gegenwart, gezeichnet von Karl Fränkel. Text von Anna Fränkel-Rothziegel. (Handschr. Deckeltitel: 'Wiener Vorstadt-Volkskunst 1927. Ein Leporello-Album').

Selbstverlag, Wien (Neustift a. W.), 1927.

Leporello in 24 Segmenten /48 Bll. (Blattgröße: 19 x 28 cm) durchgeh. m. v. Hd. kolor. Lithographien. In 2 v. Hd., einfarbig aquarellierten Pappdeckeln m. mont. Deckelschild u. Impressum in farb. Pappkasette m. mont. Deckelschild. Kassette stärker lädiert, angeschmutzt, berieben und mit Lichtspuren; Leporello am Schnitt u. auf einzelnen Blättern braunfleckig, sonst aber weitgehend gut erhalten. Kurioses, in nur wenigen Exemplaren hergestelltes Illustrationswerk über volkstümliches (mehr anzeigen)

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Laeuger, Max (Umkreis): Kunsttöpferei Kandern, Gedrungene bauchige Vase mit zweifacher Verlaufsglasur, um 1920. Umkreis Max Laeuger

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ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Gedrungene Vase mit zweifacher Verlaufsglasur, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,781' ausgewiesen, 10 cm (Höhe) x 13 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 6 cm. - zwei kleine Glasurabplatzungen an der Mündung, minimale bestoßene Stellen, ansonsten in sehr gutem Zustand - Blühende Vase - Die gedrungene bauchige Vasenform ist für die Aufsicht konzipiert. Von oben (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Kunsttöpferei Kandern (1897-1927), Gedrungene Vase mit zweifacher Verlaufsglasur, zwischen 1914 und 1927. Terrakotta, auf dem Unterboden mit ,KTK' gemarkt und als Modell Nummer ,781' ausgewiesen, 10 cm (Höhe) x 13 cm (Durchmesser), Innenmaß der Öffnung: 6 cm. - zwei kleine Glasurabplatzungen an der Mündung, minimale bestoßene Stellen, ansonsten in sehr gutem Zustand - Blühende Vase - Die gedrungene bauchige Vasenform ist für die Aufsicht konzipiert. Von oben betrachtet, wirkt die zweifache Verlaufsglasur - ein cremefarbenes Weiß auf blauschwarzem Grund - wie eine Blüte. Der durch die abstrakte Formensprache umso eindringlichere florale Effekt wird zusätzlich verstärkt, indem der Korpus tonfarben belassen wurde und damit an einen Blumentopf gemahnt. Auch läuft die Überfangglasur nirgends deutlich über die Bauung hinaus, so dass sie insgesamt als Blüte gewahrt wird. In dieser Hinsicht steckt in der Vase bereits eine Blume, auch wenn sie unbenutzt bleibt. zur Kunsttöpferei Kandern Nachdem sich Max Laeuger bereits seit 1892 intensiv in Kandern und Karlsruhe mit der Gestaltung von Keramik beschäftigt hatte, gründete er 1897 die Prof. Laeuger'sche Kunsttöpferei als Teil der Tonwerke Kandern. Unter seiner bis 1913 währenden Leitung entstanden 738 Muster für Gefäße und 320 baukeramische Vorlagen. Die ausgeführten Werke sind mit der Pressmarke der in ein Quadrat gefassten Buchstaben ,MLK' versehen. Laeuger führte neue künstlerische Techniken in die Töpferei ein. Neben der effektvollen Verlaufsglasur insbesondere die an der Pâte sur Pâte-Technik der Porzellangestaltung orientierte Schlickermalerei, bei der mit eingefärbter Tonmasse auf den Tonkorpus gemalt wird. Dies führt zu reliefartigen Effekten und ermöglicht die Kreation ganz neuer Muster. Vermittels dieser Techniken hat Laeuger die Ornamentik des Jugendstils auf eine am Material orientierte innovativ abstrahierende Weise in die Töpferei überführt und damit die moderne Künstlerkeramik begründet. Diese Neuerungen waren keineswegs auf das vermeintlich künstlerisch irrelevante Gebiet des Kunstgewerbes beschränkt. Vielmehr ging gerade vom Kunsthandwerk ein neuer gesellschaftsreformatorischer künstlerischer Anspruch aus, der sich auch darin niederschlägt, dass Laeuger 1907 den Deutschen Werkbund mitbegründete. Nach seinem Weggang aus Kandern richtete sich Laeuger 1916 in Karlsruhe eine eigene Keramikwerkstatt ein, wo er bis 1944 etwa 5000 Keramiken schuf und zwischen 1921 und 1929 die auf Initiative von Hans Thoma und Wilhelm Süs gegründete Staatliche Majolika Manufaktur Karlsruhe mit Entwürfen belieferte. In Kandern übernahm Hermann Hakenjos sen. ab 1920 die im künstlerischen Geiste Laeugers weiterführte Kunsttöpferei, deren Produkte mit den geritzten, in ein Quadrat eingeschriebenen Buchstaben ,KTK' gemarkt wurden. 1927 gründete Hakenjos zusammen mit dem Keramiker Richard Bampi die Fayence-Manufactur Kandern. Ihre Erzeugnisse tragen die Stempelmarke der in ein Dreieck eingelassenen Buchstaben ,FMK'. (weniger anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Der Hut, 1967

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Unter der Maske des venezianischen Mädchens, 1968

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Hans Eichenberger (1920 Kölliken - 1988 Aarau): Hans Eichenberger (1920-1988), Die Offenbarung, um 1960

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Haas, Willibrord: Willibrord Haas (*1936), Zugriff, 1979

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Adam, Christian: Christian Adam (1941-2021), Entwurf Brunnen, 1993

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Das Dirndl-Modell, 1969

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Rethel, Alfred nach (1816-1859): Alfred Rethel nach (1816 Diepenbenden - 1859 Düsseldorf), Der Tod als Diener, um 1920

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FRÄNKEL, Karl (Illustr.) u. Anna FRÄNKEL-ROTHZIEGEL (Text): Wiener Vorstadt-Kunst der Gegenwart, gezeichnet von Karl Fränkel. Text von Anna Fränkel-Rothziegel. (Handschr. Deckeltitel: 'Wiener Vorstadt-Volkskunst 1927. Ein Leporello-Album').

Selbstverlag, Wien (Neustift a. W.), 1927.

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Laeuger, Max (Umkreis): Kunsttöpferei Kandern, Gedrungene bauchige Vase mit zweifacher Verlaufsglasur, um 1920. Umkreis Max Laeuger

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