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Burckhardt, Jacob: Der Cicerone.

Eine Anleitung zum Genuss der Kunstwerke Italiens. Architectur und Sculptur.
C.H. Beck / Basel, Schwabe, München, 2002.

VI,827 Seiten. OLeinenband mit Schutzumschlag.

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Burckhardt, Jacob: Der Cicerone.

Eine Anleitung zum Genuß der Kunstwerke Italiens.
Alfred Kröner, Leipzig, 1925.

XVI, 1044 Seiten (Dünndruck) mit sw Frontispizfoto. 18 x 11 cm, flexibles blaues Leinen mit goldgepr. Rücken- und Deckeltitel, gelber Kopfschnitt, Lesebändchen.

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Dickins, Rosie: Kunst - Die berühmtesten Gemälde der Welt

Kunstwerke entdecken und verstehen - mit Bildern von 35 berühmten Künstlern
Arena, Würzburg, 2010.

- Illustrator: Philip Hopman (Zeichnungen) - Übersetzer: Aus dem Englischen von Annett Stütze - weitere Mitwirkende: Nicola Butler (Gestaltung) - Pappband (Hardcover) im Schutzumschlag - - mit vielen, meist farbigen Abbildungen - leicht berieben und bestoßen mit Randläsuren, - intern418 - 79 Seiten - - Seiten - 28 x 24 x 2 cm - Quart

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Eppel, Franz: Das Waldviertel.

Seine Kunstwerke, historischen Lebens- und Siedlungsformen.
St. Peter, Salzburg, 1989.

8°. 279 S., 112 Abbildungen auf Tafeln, zahlreiche Illustrationen, 1 Karte, lam. Pappband

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Cornelius, Hilde; Geiecke, Cornelia: Lebendige Vergangenheit.

Künstler, Kunstwerke, Kölner auf dem Friedhof Melaten.
Schuffelen, Pulheim, 1997.

Quer-8°. 21,5 x 22,5 cm. 172 (1) Seiten. Original-Pappband.

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Ulm, Benno: Das Mühlviertel.

Seine Kunstwerke, historischen Lebens- und Siedlungsformen. Bildteil: Walter Hofstadler.
St. Peter, Salzburg, 1976.

255 S. OKunstld. m. OSch., Abbildung

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Bassani, Ezio: African Art

Skira, Italien, 2012.

fester Pappband, gr. DinA 4, 303 Seiten, sehr viele Farbfotos zum englischen Text, 1 Kartenskizze, farbig bebilderter Originalumschlag / Schutzumschlag / OU (randgeknickt), matt schwarzer Einband mit minimalen Gebrauchsspuren, minimal fleckig, abgesehen vom Umschlag (sehr) gut erhalten / (sehr) guter Zustand

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Weimar - FIEDLER P.; KRAUSS R.; HÜNEKE A.; DAUER H. u. andere: Angriff auf die Kunst. Der faschistische Bildersturm vor fünfzig Jahren. Ausstellung der Kunstsammlungen zu Weimar in der Kunsthalle am Theaterplatz vom 14. Juli bis zum 28. August 1988.

Kunstsammlungen, Weimar, 1988.

108 Seiten u. "Einlegeblatt zum Katalog". Mit zahlreichen s/w Abbildungen. Farbig illustrierte Originalbroschutr. (Teils mit geringeren Gebrauchsspuren). 25x21 cm

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Folkwang Museum Essen (Hrsg.): Meier- Denninghoff

Kestner Gesellschaft, Hannover, 1966.

Broschur, mit s/w-Deckelphoto, ca. DinA 5, 58 Seiten, viele sw-Photos, viel Text, etwa 14 Seiten Anhang mit Werbeanzeigen, gedruckte? Unterschrift der Künstlerin auf der ersten Seite, Einband mit leichten Gebrauchsspuren, leicht beschabt, fleckig, minimal berieben und bestoßen, Schnitt und Seiten papierbedingt gebräunt, insgesamt gut erhalten / insgesamt guter Zustand

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Clair, Jean (Herausgeber): Melancholie. Genie und Wahnsinn in der Kunst. [Anlässlich der Ausstellung Melancholie. Genie und Wahnsinn in der Kunst, Galeries Nationales du Grand Palais, Paris, 10. Oktober 2005 bis 16.

Hatje Cantz, Ostfildern-Ruit, 2005.

Januar 2006, Neue Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin, 17. Februar bis 7. Mai 2006]. hrsg. von Jean Clair. Réunion des Musées Nationaux ; SMB, Staatliche Museen zu Berlin.. 511 S.; mir zahlr. Abb. ; 30 cm, Paperback

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Meyerheim, Paul (1842-1915): Studienblatt mit Torso, Händen und Schirm

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ARCADIA ART Paul Friedrich Meyerheim (1842 Berlin - 1915 ebd.). Studienblatt mit Damentorso, Händen und Schirm. Bleistift auf Papier, 27,5 x 22,5 cm (Sichtmaß), 23 x 29cm (Blattgröße), 44,5 x 34,5 cm (Passepartout), rechts unten mit Signaturstempel als "Paul Meyerheim Nachlass" gekennzeichnet. - etwas fleckig und mit leichteren Knickspuren - Die Charakteristik des Unscheinbaren - zum Kunstwerk Wie sein enger Freund und Mentor Adolph von Menzel war auch der eine Generation jüngere (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Paul Friedrich Meyerheim (1842 Berlin - 1915 ebd.). Studienblatt mit Damentorso, Händen und Schirm. Bleistift auf Papier, 27,5 x 22,5 cm (Sichtmaß), 23 x 29cm (Blattgröße), 44,5 x 34,5 cm (Passepartout), rechts unten mit Signaturstempel als "Paul Meyerheim Nachlass" gekennzeichnet. - etwas fleckig und mit leichteren Knickspuren - Die Charakteristik des Unscheinbaren - zum Kunstwerk Wie sein enger Freund und Mentor Adolph von Menzel war auch der eine Generation jüngere Paul Meyerheim ein genauer und ebenso humorvoller Beobachter des Alltäglichen. Beide hielten oftmals scheinbar gänzlich Nebensächliches fest, das - künstlerisch ins Bild gesetzt - jedoch seine Charakteristik für die Gesellschaft und das Allgemeinmenschliche entfaltet. Den in Berlin von Daniel Nikolaus Chodowiecki initiierten Realismus, im Detail des Alltäglichen das Charakteristische zu gewahren und herauszustellen, verfolgt Menzel auf eine geradewegs exzessive Weise und wird auch von Meyerheim praktiziert. Das vorliegende Blatt ist geradewegs ein Musterbeispiel für die Beobachtung derartiger Alltäglichkeiten. Wir sehen, wie eine Dame einen Zierknauf auf die Spitze eines Sonnenschirms schraubt. Obwohl der Körper realistisch ausgeformt und aufgrund der gekonnten Licht- und Schattengestaltung im Sonnenlicht situiert ist, sind der Kopf und der Unterkörper nicht mit dargestellt. Dies hat eine Konzentration auf die gezeigte Handlung zur Folge, die durch das Weglassen des einzig angedeuteten Kopfes zudem eine Eigenständigkeit gewinnt. Die Handlung ist eben nicht für eine ganz bestimmte Person charakteristisch, sondern wird so oder so ähnlich von jeder Dame mit einem solchen Schirmproblem auf diese Weise ausgeführt werden. Bereits durch die Darstellungsmethode wird also das charakteristische Besondere zu etwas Allgemeingültigem. Sehen wir die ausgeführte Handlung vor dem Oberkörper der Dame, so hat Meyerheim vor dieser Szenerie einzig die Handlung als solche zur Darstellung gebracht. Durch dieses Heranzoomen scheinen die handelnden Hände vor den Augen des Betrachters zu schweben. Sie wirken, als würden Sie eine Art Zauberei vollziehen, bei der die Finger der einen Hand elegant mit der Kugel des Knaufs hantieren. In dieser nebensächlichen, gänzlich zweckorientierten Handlung zeigt sich also die Eleganz und das Geschick der Damenwelt und zugleich das menschliche Bedürfnis sich mit dem schattenspendenden Schirm vor der Sonne zu schützen. zum Künstler Paul Meyerheim entstammt einer Künstlerfamilie. Sein Vater, Friedrich Eduard Meyerheim, ist ebenso Maler wie seine Onkel Hermann und Wilhelm, während seine Mutter, Caroline Friederike, der Bruder des Bildhauers Friedrich Drake ist. Nach einem ersten Kunstunterricht seitens des Vaters, studierte Paul Meyerheim von 1857 bis 1860 an der Berliner Akademie der Künste, wo ihn der Tiermaler Teutwart Schmitson stark prägte. Mit gerade einmal 18 Jahren begann Meyerheim ab 1860 auf der Großen Berliner Kunstaustellung Werke zu präsentieren, die ihm als Künstler Anerkennung verschafften. Mit der Verleihung der Goldmedaille für sein Werk Menagerie im Pariser Salon von 1866 gelang ihm auch der internationale Durchbruch. Nach Studienreisen in die Schweiz, nach Belgien und nach Holland hielt sich Meyerherim 1865/66 ein Jahr in Paris auf, um insbesondere die neue realistische Kunst eines Gustave Courbet und die in der Natur entstandene Landschaftsmalerei der Schule von Barbizon zu studieren. Anschließend widmete er sich selbst vor allem der Landschaftsmalerei und reiste mehrfach in die Alpen, wohin ihn sein enger Freund Adolph Menzel begleitete. Mit Menzel verband ihn auch die Vorliebe für Tierdarstellungen. Aus den gemeinsamen Studien im Berliner Zoo erwuchsen neben zahlreiche Tierdarstellungen auch Meyerheims Wandmalereien für das Antilopenhauses. Aufgrund seiner virtuosen Meisterschaft in der Tiermalerei wurde er 1883 zum [...] (weniger anzeigen)

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Moigniez, Jules: Jules Moigniez (1835-1894), Jagdhund auf der Pirsch, um 1880

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Jules Moigniez (1835 Senlis - 1894 St-Martin-du-Tertre), Jagdhund auf der Pirsch, um 1880. Bronzefarben patinierter Metallguss auf naturalistischer Terrainplinthe und mitgegossenem Sockel, 16 cm (Höhe) x 30 cm (Länge) x 13 cm (Tiefe), Gewicht 3,25 kg. Auf der Plinthe mit "J.[ules] MOIGNIEZ." signiert. - vereinzelt bestoßen und stellenweise berieben, insgesamt in einem altersgemäß guten Zustand - Der Fährte folgend - Der Jagdhund hat Witterung aufgenommen. Er ist hochkonzentriert und der (mehr anzeigen)

Jules Moigniez (1835 Senlis - 1894 St-Martin-du-Tertre), Jagdhund auf der Pirsch, um 1880. Bronzefarben patinierter Metallguss auf naturalistischer Terrainplinthe und mitgegossenem Sockel, 16 cm (Höhe) x 30 cm (Länge) x 13 cm (Tiefe), Gewicht 3,25 kg. Auf der Plinthe mit "J.[ules] MOIGNIEZ." signiert. - vereinzelt bestoßen und stellenweise berieben, insgesamt in einem altersgemäß guten Zustand - Der Fährte folgend - Der Jagdhund hat Witterung aufgenommen. Er ist hochkonzentriert und der Körper von einer inneren Anspannung erfüllt, die besonders im hochgestellten Schwanz zum Ausdruck kommt. Aber auch der leicht gesenkte Kopf, die Falten des Halses, die ausgeprägte angespannte Muskulatur und nicht zuletzt die willensstarke Mimik verdeutlichen, dass der Hund ganz vom Jagdinstinkt ergriffen worden ist. Die krausgezogene Nase vermittelt geradewegs den Eindruck, das Schnüffeln zu hören, während die schleichende Bewegung hingegen kaum Geräusche zu verursachen scheint. Jules Moigniez lässt den Hund jedes Bein auf einen eigenen Stein der Terrainplinthe setzen. Dadurch erhält er ein Postament, welches die Jagdbewegung und den naturalistisch durchgeformten Körper zur Schau stellt. Es ist aber nicht die wirklichkeitsgetreue äußere Erscheinung, sondern der meisterhaft dargestellte Jagdtrieb, der den Hund derartig lebendig erscheinen lässt. Der Hund hat seine Vorderpfote bereits auf den Stein gesetzt, unter dem sich der aufzuspürende Hase verbirgt. Im nächsten Moment wird die Fährte das Jagdtier dorthin führen und das Drama der Natur seinen Lauf nehmen. Damit veranschaulicht Jules Moigniez nicht einzig einen Hund auf der Pirsch, sondern schildert eine ganz Jagdgeschichte, die auf den Moment der höchsten Spannung - unmittelbar vor dem Entdecken und Erlegen der Beute - zugespitzt ist. zum Künstler Als Sohn eines Vergolders war Jules Moigniez das feinteilige und präzise Arbeiten, welches seine Werke auszeichnen, bereits in die Wiege gelegt. In Paris studierte er bei Paul Comoléra Bildhauerei, dessen Vogeldarstellungen sein Schaffen prägten. Zudem war er Schüler von François Rude, der das Relief "La Marseillaise" am Pariser Arc de Triomphe angefertigt hat. Sein Wirken als selbständiger Künstler wurde von seinem Vater gefördert, der eine Gießerei erwarb, damit die Werke des Sohnes unabhängig vervielfältigt werden konnten. Die auf der Pariser Weltausstellung von 1955 präsentierte Gipsplastik, Hühnerhund vor einem Fasan, verschaffte Moigniez erste künstlerische Anerkennung. In Bronze gegossen wurde das Werk 1859 von der Französischen Regierung erworben und im Schloss Compiègne gezeigt. 1862 wurde Moigniez auf der Londoner Weltausstellung mit einer Medaille geehrt und international bekannt. Zwischen 1855 und 1892 stellte er insgesamt dreißig Werke im Pariser Salon aus. Seine Tierdarstellungen erfreuten sich aufgrund ihrer Lebendigkeitswirkung insbesondere in Großbritannien und später auch in den Vereinigten Staaten einer außerordentlichen Beliebtheit. Stets sind die Tiere in einer ihrem Naturell entsprechenden, beinahe dramatischen Bewegtheit veranschaulicht, wobei Moigniez jedes Detail authentisch durchformt, was auch für die Gestaltung der Plinthen gilt. Im Vergleich mit den bedeutenden ihm vorausgehenden Tierplastikern, Pierre-Jules Mêne und Antoine-Louis Barye, kreiert er ganze Ereignislandschaften [...] (weniger anzeigen)

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Lavergne, Adolphe Jean: Adolphe Jean Lavergne (1863-1928), Pecheur, um 1890

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ARCADIA ART Adolphe Jean Lavergne (1863-1928), Pecheur, um 1890. Braun patinierte Bronze mit rechteckiger gegossener Plinthe auf grünem Marmorsockel (3 cm Höhe), Gesamthöhe mit Angel 37 cm, Breite 9 cm, Tiefe 8 cm, Gewicht 2,9 kg, auf der Plinthe mit "Lavergne" signiert. - Sockel mit alter Bohrung und wenigen oxidierten Stellen, Patina mitunter berieben, in den Falten vereinzelt etwas fleckig. - Voller Vorfreude - Die Bronzefigur ist die größere äußerst detaillierte Ausführung (mehr anzeigen)

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Bosshard, Hans Rudolf: Hans Rudolf Bosshard (*1929 Balm-Lottstetten), Zwölf Variationen über ein Würfelthema, 1962. Mappe mit einliegendem Deckblatt und zwölf Holschnitten auf dünnem Japanpapier. Exemplar Nr. 2/10.

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Hans Rudolf Bosshard (*1929 Balm-Lottstetten), Zwölf Variationen über ein Würfelthema, 1962. Mappe mit einliegendem Deckblatt und zwölf Holschnitten auf dünnem Japanpapier. Exemplar Nr. 2/10. Blattmaße 61 cm (Höhe) x 47 cm (Breite). Holzschnitte jeweils in Blei mit "Hans Bosshard" signiert, auf "[19]62" datiert und nummeriert. - Mappe etwas angestaubt und bestoßen, Blätter herstellungsbedingt ganz vereinzelt mit Holzeinschlüssen. - Die musikalischen Proportionen des Würfels - (mehr anzeigen)

Hans Rudolf Bosshard (*1929 Balm-Lottstetten), Zwölf Variationen über ein Würfelthema, 1962. Mappe mit einliegendem Deckblatt und zwölf Holschnitten auf dünnem Japanpapier. Exemplar Nr. 2/10. Blattmaße 61 cm (Höhe) x 47 cm (Breite). Holzschnitte jeweils in Blei mit "Hans Bosshard" signiert, auf "[19]62" datiert und nummeriert. - Mappe etwas angestaubt und bestoßen, Blätter herstellungsbedingt ganz vereinzelt mit Holzeinschlüssen. - Die musikalischen Proportionen des Würfels - Mit der in im Titel gegebenen musikalischen Begrifflichkeit, ,Variationen über ein Thema', verdeutlicht Hans Rudolf Bossard, dass die zwölf Darstellungen nicht allein als Abfolge zu betrachten sind, sondern wie eine Tonfolge ineinandergreifen. Das einem musikalischen Thema entsprechende In-einander-gefügt-Sein hat der Künstler durch das semitransparente dünne Japanpapier auch materiell realisiert. Liegen die Grafiken übereinander, scheinen die jeweils unteren Blätter hindurch, so dass neben Schwarz und Weiß auch Grautöne Teil des rhythmisierten Raumgefüges sind und der Eindruck einer sich erst enthüllenden Tiefenstruktur entsteht. Das auf dem Titelblatt als komplexes wie exaktes Ineinander veranschaulichte ,Würfelthema' wird auf den Grafiken - in Analogie zur Musik - als visuelle Raumklangabfolge dargeboten. Damit aktiviert Bossard musikalische Prinzipien für die minimalistisch ausgerichtete Op-Art der Zeit, wobei seine Blätter durch die Intensität des Schwarzes eine besondere Wirkkraft entfalten, da Bossard nicht - wie üblich - Siebdrucke oder Lithographien, sondern Holzschnitte anfertigt hat. zum Künstler Mit fünfzehn Jahren nahm Hans Rudolf Bosshard 1944 eine Lehre als Schriftsetzer in Schaffhausen auf, die er 1948 abschloss. Seitdem ist die Typographie in praktischer wie theoretischer Hinsicht ein bestimmendes Leitmotiv in Bossards künstlerischem Schaffen. 30 Jahre unterrichtete er unter anderem an der Kunstgewerbeschule für Gestaltung Zürich Typographie und publizierte seine Erkenntnisse in verschiedenen Lehrwerken: Technische Grundlagen zur Satzherstellung (1980), Mathematische Grundlagen zur Satzherstellung (1985), Typografie - Schrift - Lesbarkeit (1996) und Der typografische Raster (2000). Als bildender Künstler schuf er zunächst in einem expressionistischen Duktus. Die ihn inspirierenden Werke von Richard Paul Lohse und Max Bill verdeutlichten jedoch, dass gerade die in der Typographie bereits zu Anwendung kommende geometrisch-mathematische Prägnanz ein künstlerisches Potenzial birgt, das Bossard fortan auszuschöpfen begann. Dabei blieb er allerdings Zeit seines Lebens dem bereits praktizierten Holzschnitt treu. "Keine einzige seiner Kompositionen ist spekulativ." Hans Jörg Wüger (weniger anzeigen)

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Karl Stohner (1894-1957): Ballerina im Ankleideraum, 1924

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ARCADIA ART Karl Stohner (1894 Mannheim - 1957 Paris), Ballerina im Ankleideraum, 1924. Pastell auf Malkarton, 65 x 45 cm, 77,5 x 59,5 (Rahmen), unten links mit "Stohner" signiert und auf "[19]24" datiert. Hinter Glas im Goldstuckrahmen der Zeit. - Malkarton leicht verzogen, im unteren Bereich minimal fleckig, Rahmen mit Alterspatina und Abriebspuren - Die Natürlichkeit der Kunstform - Wir sehen eine Ballerina, die sich den rechten Ballettschuh anzieht, während der linke noch vor ihr (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Karl Stohner (1894 Mannheim - 1957 Paris), Ballerina im Ankleideraum, 1924. Pastell auf Malkarton, 65 x 45 cm, 77,5 x 59,5 (Rahmen), unten links mit "Stohner" signiert und auf "[19]24" datiert. Hinter Glas im Goldstuckrahmen der Zeit. - Malkarton leicht verzogen, im unteren Bereich minimal fleckig, Rahmen mit Alterspatina und Abriebspuren - Die Natürlichkeit der Kunstform - Wir sehen eine Ballerina, die sich den rechten Ballettschuh anzieht, während der linke noch vor ihr auf dem Boden liegt. Gerade aus der Beiläufigkeit der Szenerie speist sich ihre Intimität: Die blonde junge Frau geht ganz in der Tätigkeit auf, sich für den Tanz vorzubereiten, ohne uns dabei zu gewahren, während wir in dem für das Publikum unzugänglichen Umkleideraum genau vor ihr situiert sind und sie beim Ankleiden betrachten. Auch wenn sie noch keinen Tanzschritt vollführt, liegt in der gezeigten Handlung eine anmutige Eleganz, die im Gegensatz zur einstudierten Kunstform des Tanzes ganz natürlich wirkt. Die junge Frau präsentiert sich eben nicht in formvollendeter Bewegung vor einem Publikum, sondern vollführt eine ganz alltägliche Handlung, ohne zu wissen, dass sie dabei betrachtet wird. Konzentriert, beinahe hingebungsvoll zieht sie den Ballettschuh über die Verse und bemerkt nicht, dass ihr dabei ein Träger des Tutus von der Schulter gerutscht ist, was den erotischen Moment der Szene noch verstärkt. Karl Stohner hat die an Edgar Degas inspirierte Darstellung in kräftigen Pastelltönen ausführt. Das dominierende Blau und Türkis verleiht der Szene etwas magisch Geheimnisvolles und ist ebenso wie das Rosa der Strümpfe und Ballettschuhe den von Degas dargestellten Tänzerinnen entlehnt. Degas Farben sind allerdings kühler temperiert, was sich insbesondere im hellen pastos aufgetragenen Inkarnat zeigt. Hier hält die Lebensfülle Auguste Renoirs Einzug ins Bild und lässt die Tänzerin ganz aus Fleisch und Blut erscheinen. Karl Stohner, der die Pastelle von Degas und Renoir intensiv studiert hat, vermählt hier beide Künstler miteinander und schafft damit eine eigene Bildsprache. Den Hintergrund hat er in breiten Strichlagen angelegt, die farblich von Weiß über Türkis bis Dunkelblau reichen. Es entsteht eine musterförmige dynamische Struktur, die die ruhig in-sich-gekehrte Haltung der Frau konterkariert. Der Fonds nimmt gleichsam die Dynamik der Choreographie des Tanzes vorweg, auf den sich die Ballerina vorbereitet. Zugleich wird durch den Hintergrund der breite Pastellstrich als adäquates Malmittel thematisiert, die weiche fließende Eleganz er Tänzerin zu veranschaulichen. zum Künstler Entgegen dem Wunsch der wohlhabenden Eltern entschied sich Karl Stohner Maler zu werden. Sein Talent wurde vom Direktor der Mannheimer Kunsthalle, Fritz Wichert, entdeckt der ihn fortan förderte und Studienreisen unter anderem nach Paris finanzierte. Dort entdeckte er die Kunst von Degas, Cézanne und Renoir, die ihn in seinem Schaffen inspirierte. (weniger anzeigen)

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Plé, Henri Honoré: Henri Honoré Plé (1853-1922), Der siegreiche David, um 1890

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Henri Honoré Plé (1853 Paris - 1922 Paris), Der siegreiche David, um 1890. Rotbraun und braun patinierte Bronze mit Terrainplinthe auf rundem Sockel montiert. 42 cm (Gesamthöhe) x 16 cm (Länge) x 16 cm (Tiefe), Gewicht 5,3 kg. Auf der Plinthe mit "Henri Plé" signiert, auf dem Titelschildchen mit "DAVID VAINQEUR SALON DES BEAUX-ARTS" bezeichnet und rückseitig mit der Gießereimarke der "Société des Bronzes de Paris" und dem Kürzel "J.B." versehen. - Patina mitunter berieben, mit (mehr anzeigen)

Henri Honoré Plé (1853 Paris - 1922 Paris), Der siegreiche David, um 1890. Rotbraun und braun patinierte Bronze mit Terrainplinthe auf rundem Sockel montiert. 42 cm (Gesamthöhe) x 16 cm (Länge) x 16 cm (Tiefe), Gewicht 5,3 kg. Auf der Plinthe mit "Henri Plé" signiert, auf dem Titelschildchen mit "DAVID VAINQEUR SALON DES BEAUX-ARTS" bezeichnet und rückseitig mit der Gießereimarke der "Société des Bronzes de Paris" und dem Kürzel "J.B." versehen. - Patina mitunter berieben, mit vereinzelten Kratzspuren und am Halsbereich stellenweise abgerieben, ansonsten in einem altersgemäß sehr guten Zustand - Die Melancholie des strahlenden Helden - In elegant gelassener Haltung stützt sich David auf das immense Schwert, mit dem er den Riesen Goliath getötet hat, nachdem er ihn mit der Steinschleuder zu Fall gebracht hatte. Das Schwert ruht auf dem immensen Kopf, der mit seiner langen Mähne und dem Bart noch im Tod gewaltige Kräfte ausstrahlt. Aber auch David wirkt überaus athletisch. Die leichte Drehung des Oberkörpers bringt seinen wohlproportionierten Körper aus mehreren Ansichten zur Geltung. Er weist eine geradewegs ideale Schönheit auf, womit sich Plé auf den David Donatellos bezieht. Seine gegen 1445 geschaffene Bronzeplastik zielt, ebenso wie Michelangelos David (1504), auf die Veranschaulichung einer idealen Körperlichkeit. Donatellos David wirkt allerdings jugendlicher und weist eine gewisse Laszivität auf, die bei Plé fehlt. Der französische Künstler unterstreicht die Eleganz des Körpers durch das überlang wirkende Schwert. Auf dem Kopf Goliaths ruhend durchmisst es Davids Gestalt beinahe bis zu den Schultern und wird auf diese Weise zur filigran-eleganten Analogie von Davids Körper. Zugleich bringt das überlange und daher nur schwer zu führende Schwert Davids Willenskraft zum Ausdruck, die ihn Goliaths hat bezwingen lassen. Diese Entschlossenheit ist seinen leicht zusammengezogenen Augenbraunen noch abzulesen. Obwohl David erhobenen Hauptes als Sieger in einer scheinbar gelassenen Haltung dasteht, ist ihm doch eine innere Anspannung abzulesen, die Donatellos David fehlt. Er stützte seinen Kopf nach der vollbrachten Heldentat nicht auf entspannte Weise mit der Hand ab, sondern berührt ihn mit nur einem Finger, während der konzentrierte nach innen gerichtete Blick das Geschehene reflektiert. zum Künstler Henri Honoré Plé war der Sohn eines Porzellannmalers. Der Bildhauerei zugeneigt wurde er Schüler Mathurin Moreaus und stellte als selbstständiger Künstler ab 1877 im Pariser Salon aus. 1879 wurde ihm eine ehrenvolle Erwähnung zuteil. Auf der Pariser Weltausstellung des Jahres 1900 erhielt er eine Bronzemedaille. Sein überlebensgroßes Werk, "Der erste Schritt", befindet sich im Kunstmuseum von Lille. Plé war Mitglied der Société des artistes français. (weniger anzeigen)

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Zach, Bruno: Bruno Zach (1891-1945), Kampfbereiter Gladiator, um 1930

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Bruno Zach (1891 Zhitomir - 1945 Wien), Kampfbereiter Gladiator, um 1930. Schwärzlich patinierte Bronze mit versilbertem Helm, Schildrand und Schildknauf auf gekehltem Marmorsockel (4,5 cm Höhe) montiert. 37 cm (Gesamthöhe) x 15 cm (Breite) x 12 cm (Tiefe), Gewicht 4kg. Auf der Plinthe mit "Prf. Tuch", dem Pseudonym von Bruno Zach, signiert. - Versilberung des Helms teilweise verloren, Patina vor allem im Rückenbereich etwas berieben, ansonsten in einem altersgemäß ausgezeichneten (mehr anzeigen)

Bruno Zach (1891 Zhitomir - 1945 Wien), Kampfbereiter Gladiator, um 1930. Schwärzlich patinierte Bronze mit versilbertem Helm, Schildrand und Schildknauf auf gekehltem Marmorsockel (4,5 cm Höhe) montiert. 37 cm (Gesamthöhe) x 15 cm (Breite) x 12 cm (Tiefe), Gewicht 4kg. Auf der Plinthe mit "Prf. Tuch", dem Pseudonym von Bruno Zach, signiert. - Versilberung des Helms teilweise verloren, Patina vor allem im Rückenbereich etwas berieben, ansonsten in einem altersgemäß ausgezeichneten Erhaltungszustand. - Zu allem bereit - Bruno Zachs Gladiator steht im antiken Kontrapost da. Und doch ist seine Standbein-Spielbein-Haltung ein leichtes Ausschreiten, während der Oberkörper etwas zurückgebogen ist. Dies verleiht der Figur ein das Schema der vorbildlichen antiken Statuen verlebendigendes Bewegungsmoment. Auch geht die Gestaltung des muskulösen nackten Körpers über die Antike hinaus, wobei der Körper dennoch eine ideale Schönheit aufweist. Durch die Bewegtheit kommt der prachtvolle Körper besonders zur Geltung. Der Rückenakt erotisiert die Figur geradeweg, so dass der nach unten hängende knappe Lendenschurz, der versilberte Helm und das Schild den Kämpfer umso nackter erscheinen lassen. Die bewegte Haltung präsentiert aber nicht allein den kraftvoll athletischen Körper, sie zeugt auch von der Entschlossenheit zum Kampf, die ebenfalls zur Erotisierung der Figur beiträgt. Das nach vorn gestreckte Kurzschwert lässt den abwehrenden Arm als Angriffshaltung erscheinen und entspricht in seiner Länge dem Lendenschurz. zum Künstler Aus der Ukraine stammend, ging Bruno Zach zum Studium der Bildhauerei an die Wiener Akademie, wo er Schüler von Hans Bitterlich und Josef Müllner war. Neben konventionelleren Tierdarstellungen und Sportszenen schuf er vor allem erotische Statuetten. Dabei entwickelte er in der Chryselephantin-Plastik, mit der gemeinhin das Implementieren von Elfenbein in die Bronzeplastik bezeichnet wird, eine besondere Meisterschaft. Die als anzüglich geltenden Werke hatten einen clandestinen Charakter, weshalb Bruno Zach mit verschiedenen Pseudonymen signierte, wie ,Prof. Tuch', ,F. Mazura', ,K. Salat' oder ,Barner'. (weniger anzeigen)

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Mordstein, Karl (1937-2006): Erinnerung und Gegenwart, 1983

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ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Erinnerung und Gegenwart, 1983. Farbradierung, Exemplar 41/50, 22,5 x 28 cm (Darstellung), 40 x 45 cm (Blattgröße), 43 x 48 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Der fließende Raum der Erinnerung - zum Kunstwerk Auf einer angedeuteten Horizontlinie hat sich ein hundeartiges Tier auf die Hinterläufe erhoben und setzt zum Sprung an, (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Erinnerung und Gegenwart, 1983. Farbradierung, Exemplar 41/50, 22,5 x 28 cm (Darstellung), 40 x 45 cm (Blattgröße), 43 x 48 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Der fließende Raum der Erinnerung - zum Kunstwerk Auf einer angedeuteten Horizontlinie hat sich ein hundeartiges Tier auf die Hinterläufe erhoben und setzt zum Sprung an, um eine Art Hürde zu überwinden. Links daneben weht eine kleine Fahne im Wind. Das Tier und die Fahne weisen in Leserichtung nach vorne, in die Zukunft hinein. Die Fahnenstange biegt sich allerdings in die gegenteilige Richtung nach hinten und entspricht damit dem Bewegungsimpuls der zeichenhaften Gebilde am ,Himmel'. Auch bei diesem Werk Mordsteins ist der Titel aufschlussreich. Er lautet "Erinnerung u. Gegenwart" und thematisiert das Zeichensystem über dem Tier als Erinnerung. Daher handelt es sich weniger um einen Himmel als um den Raum des erinnernden Bewusstseins. Die Erinnerung zieht in die Vergangenheit, kommt aber von der Zukunft her und beginnt dort, wohin sich das Tier erst bewegt. Mordstein entwickelt hier eine subtile Bildphilosophie über den Charakter der Zeit und die Struktur der Erinnerung, wobei das für den Bewusstseinsinhalt stehende Zeichensystem von der Bildsprache Plau Klees inspiriert ist, den Mordstein hier auf seine Art und Weise weiterdenkt. zum Künstler Karl Mordstein absolvierte die Werkkunstschule Augsburg und war zunächst in München als Gebrauchsgraphiker tätig, bevor er sich als freier Künstler ganz auf seine eigenen Schöpfungen konzentrierte. 1970 ehelichte Mordstein die Bildhauerin Sinen Thalheimer und das Künstlerpaar zog nach Starnberg. 1972 fand in München eine erste Einzelausstellung seiner Werke statt, die den Auftakt einer über Jahrzehnte währenden regen internationalen Ausstellungstätigkeit markierte. Ab 1987 lebte das Paar auf dem Hollerberg in Wilzhofen. Es ist gewiss nicht falsch, in der Anmutung seiner ruhig schwebenden Farbzeichnungen den Ausdruck einer Geisteshaltung zu erkennen, die sich gerade dieser bewussten Abkehr vom hektischen Kunstmarktgeschehen verdankt: konzentrierte Gelassenheit. Nicht wechselnde Befindlichkeit, sondern die Einfühlung in überindividuelle Schöpfungsrhythmen, die immerwährende Genesis im natürlichen Kreislauf von Werden und Vergehen drückt sich darin aus. - Stefan Tolksdorf Auswahlbibliographie Karl Mordstein. Aquarelle, Gouachen 1972 - 1975, Galerie Angst und Orny, München 1975. Juliane Roh: Karl Mordstein. Bilder, Paintings 1976 - 79, Frankfurt a. M. 1979. Siegfried Salzmann (Text): Karl Mordstein. Arbeiten auf Papier, Galerie Dorothea van der Koelen, Mainz 1982. Galerie Heimeshoff (Hrsg.): Karl Mordstein. "Seelen-Notate"; Bilder, Arbeiten auf Papier, Bildkästen; 1985 - 1988, Essen 1988. Stefan Tolksdorf (Text): Lebenszeichen. Mordstein, Karl und Sinen Thalheimer, Essen 2009. (weniger anzeigen)

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Faber Du Faur, Otto von (1828-1901): Im Atelier sitzender Mann

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ARCADIA ART Adolph Eduard Otto von Faber du Faur (1828 Ludwigsburg - 1901 München). Im Atelier sitzender Mann. Aquarell, 43 x 27 cm (Passepartout-Innenmaß), 73 x 53 cm (Rahmen), rechts unten monogrammiert, verso Nachlass-Stempel der Rückseite als Fotografie auf den rückwärtigen Schutzkarton angeheftet. Rechte obere Ecke sachgemäß ergänzt, kleiner Einriss auf der Wandpartie links vom Porträtierten. zum Werk Der porträtierte ältere Mann sitzt in einem Atelier auf einem an (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Adolph Eduard Otto von Faber du Faur (1828 Ludwigsburg - 1901 München). Im Atelier sitzender Mann. Aquarell, 43 x 27 cm (Passepartout-Innenmaß), 73 x 53 cm (Rahmen), rechts unten monogrammiert, verso Nachlass-Stempel der Rückseite als Fotografie auf den rückwärtigen Schutzkarton angeheftet. Rechte obere Ecke sachgemäß ergänzt, kleiner Einriss auf der Wandpartie links vom Porträtierten. zum Werk Der porträtierte ältere Mann sitzt in einem Atelier auf einem an Akademiesäle gemahnenden Sockel. Die erdig-dunkeltonige Farbigkeit verleiht der Szene eine Schwere. Den hellsten Farbwert bildet das Inkarnat, das sich allerdings nicht von der sonstigen Farbigkeit des Bildes abhebt, sondern an diese zurückgebunden ist. Dadurch ist das Antlitz des Porträtierten zugleich Teil wie Höhepunkt der farblichen Bildbezüge. So findet sich die Hautfarbe in abgeschwächter Weise im rosafarbenen Mantelaufschlag wieder während die weißlich grauen Haare tonal mit der Wandfläche neben dem Porträtierten korrespondierenden. Diese nahezu monochrome Wandfläche verbindet sich über den Porträteren hinweg wiederum mit dem auf der Erde stehenden gerahmten Bild, das durch diese Entsprechung mit der leeren Wandfläche wie ausgelöscht wirkt. Anhand der genau hinter dem Kopf des Porträtierten situierten Palette wird der bereits durch den Atelierraum gegebene Bezug zur Malerei ausdrücklich auf den Dargestellten bezogen, der dadurch über die Frage nach dem Sinn der Kunst zu sinnieren scheint. Damit ist die Frage aufgeworfen, ob sich der im Alter vereinsamte Faber Du Faur hier nicht in seinen späten Lebensjahren selbst porträtiert haben könnte. Neben der Ateliersituation, dem ausdrücklichen Bezug des Porträtierten auf die Palette und dem Umstand, dass sich das Bild im Nachlass befunden hat, spricht für ein Selbstporträt auch die einzig summarisch erfolgte Ausarbeitung des Körpers während sich die Darstellung im Gesicht mit den für ein Selbstporträt topischen weit geöffneten Augen konkretisiert. Diese Verdichtung im Gesicht forciert den Eindruck einer von der Palette hinterfangenen, auf den Sinn der Malerei bezogene melancholische Innenschau eines Künstlers, deren dunkler Zug noch durch die Verdeckung der rechts im Bild hängenden Palette mit jenen für Faber Du Faur doch so charakteristischen hellen Tönen verstärkt wird. Im Zuge dieser Resignation rät Faber du Faur seinem Sohn Hans, der ebenfalls Maler geworden ist: "Versprich mir nur eines, zieh nie nach München, sie bringen dich hier um!" Um wen auch immer es sich bei dem dargestellten Mann tatsächlich handeln mag, anhand der hervorgehobenen Bezüge auf die Malerei ist das Porträt eine auf die Kunst fokussierte resignative Selbstbesinnung Faber Du Faurs. zum Künstler Otto Faber du Faur trat nach der Schule in den Dienst der Württembergischen Armee und kultivierte - parallel dazu - seine künstlerische Begabung. 1851 ging er auf Empfehlung seines Vaters Christian Wilhelm, der seinerseits Schlachtenmaler war, ein halbes Jahr in München bei Alexander von Kotzebue in die Lehre. 1852 wurde er dann ein ganzen Jahr vom Heerdienst beurlaubt, um sich - mit einem Stipendium des Württembergischen Königshauses bedacht - in Paris im Atelier von Adolphe Yvon in der Schlachtenmalerei weiterzubilden. In Paris wurde er durch die Malerei von Théodore Géricault und Eugène Delacroix inspiriert. Auf weiteren Pariser Studienreisen machte sich Faber Du Faur dann auch mit der Kunst Gustave Courbets, Théodore Rousseaus und Adolphe Monticellis vertraut. 1867 nahm er seinen Abschied von der Armee, um sich ganz der Kunst zu widmen. 1869 wurde er an der Münchner Akademie Schüler Karl von Pilotys, einem der innovativsten Historienmaler seiner Zeit. In den siebziger Jahren entstanden im Auftrag des Württembergischen Königshauses mehrere großformatige Gemälde, welche Faber Du Faurs Ruf als bedeutender deutscher Schlachtenmaler begründeten [...] (weniger anzeigen)

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Feldmann, Wilhelm: Wilhelm Feldmann (1859-1932), Sonnendurchlichtete Waldlandschaft, um 1900

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Wilhelm Feldmann (1859 Lüneburg - 1932 Lübeck), Sonnendurchlichtete Waldlandschaft, um 1900. Öl auf Leinwand, auf Holz maroufliert, 37 cm x 48 cm (Innenmaß), 42,5 cm x 53,5 cm (Rahmen), links unten mit "Wilh.[elm] Feldmann." signiert. Gerahmt. - im rechten Bereich vereinzelt fleckig, kleine Farbverluste über der Signatur, sonst in einem altersgemäß guten Erhaltungszustand - Die Monumentalität des Waldes - Mit pastos aufgetragenen Pinselstrichen modelliert Wilhelm Feldmann eine (mehr anzeigen)

Wilhelm Feldmann (1859 Lüneburg - 1932 Lübeck), Sonnendurchlichtete Waldlandschaft, um 1900. Öl auf Leinwand, auf Holz maroufliert, 37 cm x 48 cm (Innenmaß), 42,5 cm x 53,5 cm (Rahmen), links unten mit "Wilh.[elm] Feldmann." signiert. Gerahmt. - im rechten Bereich vereinzelt fleckig, kleine Farbverluste über der Signatur, sonst in einem altersgemäß guten Erhaltungszustand - Die Monumentalität des Waldes - Mit pastos aufgetragenen Pinselstrichen modelliert Wilhelm Feldmann eine Waldlandschaft, die - im Gegensatz zum französischen Impressionismus, der sich einer ganz ähnlichen Pinseltechnik bedient - durchaus von dunklen Tönen dominiert wird. Die Baumkronen bilden im Hintergrund eine grünschwarze Wand, durch die allerdings der hellblaue Himmel hindurchbricht. Darüber fällt auch von oben Licht in den Wald hinein, während die Wiesenfläche, auf dessen Weg wir uns befinden, von hellen Lichtflecken durchsetzt ist. Aufgrund der dunklen Farbigkeit vermag das Sonnenlicht besonders aufzustrahlen. Durch den damit gegebenen Hell-Dunkel-Kontrast tritt der düstere Baum, auf den wir zulaufen, wie ein heroisches Naturmonument in Erscheinung, das sich mit den anderen Bäumen zu einem bildbeherrschenden Farbteppich zusammenschließt. Mit diesem Gemälde erweist sich Wilhelm Feldmann als Meisterschüler Eugen Brachts, bei dem er in Berlin studiert hatte. zum Künstler Nach der Aufnahme des Kunststudiums an der Münchener Akademie im Jahre 1878, wechselte er 1883 an die Kunstakademie Karlsruhe und studierte dort bei Gustav Schönleber. Von 1886 bis 1900 war er dann an der Berliner Kunstakademie und besuchte dort die Meisterklasse von Eugen Bracht. Hans Meyer unterrichtete ihn in der Kunst der Radierung und der Lithographie. Nach dem Studium war Feldmann zunächst in Berlin als freischaffender Künstler tätig. 1905 erfolgte ein Umzug nach Mölln, wo er eine vorwiegend von Frauen besuchte Malerschule unterhielt, denen bis 1918 der Zugang zu den Akademien untersagt war. 1913 zog er schließlich nach Lübeck. Künstlerisch widmete sich Feldmann vor allem der Landschaft. Seine lyrischen Stimmungsbilder erfreuten sich einer großen Wertschätzung und er war einer der gefragtesten Heidemaler seiner Zeit. (weniger anzeigen)

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